W finale naszej serii wywiadów z kierownictwem artystycznym rozmawialiśmy z weteranem branży muzycznej, Paulem Steele'em, założycielem i dyrektorem generalnym Good Time, Inc. Paul pracował z artystami w pewnym charakterze od około 15 lat, mocząc stopy w college'u. Zarządzanie Drew Holcomb & the Neighbors, Judah and the Lion, Ellie Holcomb i Kris Allen, Good Time Inc. działa jako firma zarządzająca, świadcząca usługi związane z etykietami i marketingiem.
Z nami Paul dyskutował o tym, jak zaangażował się jako przedstawiciel Aware Records, o tym, jak ważne jest utrzymanie "mentalności hobbystycznej" w przemyśle muzycznym i dlaczego bycie dobrym człowiekiem w biznesie może przejść długą drogę.
Od jak dawna zajmujesz się zarządzaniem artystycznym i jak zmienił się sposób, w jaki relacja między menedżerem a artystą w ciągu ostatnich 5-10 lat?
Robię to od około 2000 roku. Zacząłem w college'u, kiedy byłem w TCU w Ft. Worth. Miałem swoją własną firmę, a następnie zwijałem ją z dwiema innymi firmami, tworząc Trivate Entertainment w 2005 roku. Zacząłem działalność w Good Time Inc. w 2011 roku.
Związek jest zawsze dość płynny. Zależy od tego, gdzie znajduje się artysta w ich karierze, kiedy się z nimi zaczyna. Kiedy zaczynasz z młodszym artystą, jest on trochę bardziej rozkojarzony, więc pomagasz mu rzucać wizje, a robisz dla niego o wiele więcej, bo dopiero zaczyna. Natomiast jeśli pracujesz z bardziej znanym artystą, to może on już pracował z innymi menedżerami, więc jest inny opis stanowiska. Tak, relacja ta zmieniała się z czasem, ale jest również związana z tym, gdzie znajduje się artysta w ich karierze.
Zarządzanie jest jak małżeństwo. Jeśli pracujesz z kimś, kto miał kilku menedżerów, to naprawdę pracujesz z kimś, kto przeszedł przez kilka rozwodów. Najlepszy menedżer jest jak "szef personelu" artysty.
Jak rozpocząłeś pracę jako kierownik artystyczny?
To był kompletny wypadek. Jako student pierwszego roku studiów byłem na studiach prawniczych; filozofia na kierunku psychologia-moll. W tym czasie, Napster właśnie wyszedł i odkrywałem tonę muzyki. MySpace nie było jeszcze nawet historią, a tym bardziej pomysłem. Napster, Morpheus i KaZaA nie mieli zbyt wielu dróg poza słowami. Dla mnie college był wspaniałym czasem na odkrywanie nowych zainteresowań, jak sądzę dla wielu, a w całym mieście było kilka osób tworzących muzykę. Lubiłem promować rzeczy, więc z boku pomogłem zorganizować kilka koncertów.
Jako dziecko byłem muzyczną lalką mojej mamy - myślała, że będę darem Boga dla świata, a ja nie. Byłem strasznym muzykiem. Naprawdę podobało mi się, jak to jest słuchać muzyki i jakoś zaczęłam promować więcej koncertów i zespołów. Dużo też słuchałam studenckiej stacji radiowej i pamiętam, kiedy pojawił się mój pierwszy singiel, "Meet Virginia".
Byli malutkim, bezimiennym zespołem z San Francisco, w małej wytwórni z Chicago. Dowiedziałem się o tym, idąc do sklepu z płytami i oglądając Aware Records na odwrocie, i skończyłem jako Aware Rep przez kilka lat, (jeden z jedynych w Teksasie). W ciągu tych dwóch lat podpisali kontrakt z John Mayer, Five for Fighting, przechodząc od pięcioosobowej wytwórni z Evanston, IL do potęgi z Columbią. To właśnie to sprawiło, że stali się moimi mentorami (personel Aware Records). Dużo się uczyłem z Aware, myślałem, że znam tonę i co pół roku zdawałem sobie sprawę, że nic nie wiem. Po prostu ciągle szukałem zespołów, z którymi mogłem pracować. Kilka razy rzuciłem szkołę, poszedłem na trasę koncertową, pracowałem za darmo pod kilkoma menadżerami - robiłem wszystko, co mogłem, by pracować w branży muzycznej. Studia to karta, na której można robić głupie rzeczy i (w większości przypadków) nie pozwolić, by zrujnowały ci one życie.
W tamtych latach, co wyróżniało cię jako kluczową lekcję, której nauczyłeś się jako kierownik artystyczny?
Prawdopodobnie największy start, który został mi przekazany przez mentora, którym jest traktowanie każdego, kogo spotykasz w tej branży, z największym szacunkiem, jaki możesz mieć; ponieważ nigdy nie wiesz, czy możesz z nimi pracować. Tak duża część tego biznesu to szczęście i nie wiesz, kiedy szczęście kogoś uderzy. Nigdy nie traktuj kogoś protekcjonalnie, bo czujesz się od nich lepszy lub silniejszy. Naprawdę nigdy nie wiesz, dokąd ich to zaprowadzi... albo ty - za kilka lat możesz potrzebować od nich przysługi!
Po drugie, tak jakby w tym samym świetle, być osobą. Tak wiele w tym biznesie jest transakcyjnych - pytając kogoś, jak idzie jego dzień idzie długą drogę. Dupki nie wygrywają tak bardzo, jak kiedyś. Pod koniec dnia poczujesz się lepiej i możesz więcej zyskać na tym związku, ponieważ oni cię lubią.
Trzy to biznes muzyczny to hobby, na którym ludzie zarabiają pieniądze w różnych okresach swojego życia. Staramy się zarabiać na sztuce, a to nigdy nie jest na mnie stracone. Ludzie, z którymi pracuję, są mi bardzo wdzięczni za to, że z nimi pracuję, ale jest to bardzo zmienna branża. Za każdym razem, gdy to staje się czymś, co mnie nie cieszy, mogę odejść. Cieszę się, że dostaję wynagrodzenie i płacę kilku osobom z hobby. Przemysł rozrywkowy wnosi mniej niż 1% do PKB całej Ameryki. Zrób to, bo uwielbiasz to robić i będziesz odpracowywać swój tyłek. Nie oczekuj, że to będzie normalna praca. Jedyny sposób, w jaki zamierzasz to zrobić, to zrobić wszystko i wszystko, co tylko możesz.
Jakie są jedne z największych błędnych wyobrażeń na temat roli kierownika artystycznego?
Zarządzanie to zdecydowanie najgorsza praca w biznesie muzycznym. Powodem, dla którego tak mówię jest to, że jest to jedyna praca, która nie ma jasnej linii definicji. Kiedy podpisujesz umowę z agencją rezerwacyjną, wiesz dokładnie, co dostajesz. Dostajesz występy, wycieczki, festiwale i miękkie bilety. Kiedy podpisujesz kontrakt z wytwórnią, dostajesz płatną płytę, nagrywaną i dystrybuowaną. Publicyści - zatrudniasz kogoś do recenzji, na blogach, (miejmy nadzieję, że w programach telewizyjnych) - wiesz, do czego ich zatrudniasz.
Zarządzanie jest najważniejsze. I nikt nie jest dobry we wszystkim. Są ludzie, którzy specjalizują się w różnego rodzaju rzeczach. Mamy sześcioosobową kadrę i pracują tylko na czterech artystach. Kierownictwo to chyba 75% tego, nad czym pracuje 11 osób. A my jesteśmy przyzwoitą firmą zarządzającą dla naszej listy. Możesz zrobić 10 wspaniałych rzeczy dla kariery artysty, ale jeśli nie dostaniesz tej jednej rzeczy, której oni chcieli, możesz zostać zwolniony. Menedżerowie mają teraz pomagać w prasie, rezerwacjach i usługach związanych z etykietami. W końcu zdecydowaliśmy, że jeśli zamierzamy robić te rzeczy, powinniśmy założyć do nich firmy. Tak naprawdę nie chcieliśmy zostać firmą marketingową.
To jest po prostu zabawne. Ludzie oczekują świata, a nikt nie może tego zrobić.
Wyjaśnić, jak ważne jest zarządzanie oczekiwaniami artysty, jeśli chodzi o osiągnięcie pożądanych rezultatów w ramach danego celu zawodowego.
Robimy to najlepiej jak potrafimy, a jedyny sposób, w jaki możemy to zrobić, to poznać oczekiwania klientów. Co pół roku nasi artyści ustalają cele. Robimy cele półroczne, roczne i "listę marzeń". Z kim chcecie jeździć na tournee? Chcesz być w telewizji? Jakiego rodzaju programach? To daje mi szansę powiedzieć, "Cóż, to się nie dzieje." Albo, "To dobry pomysł." Nikt nie powinien pracować ciężej niż artysta. Ważne jest posiadanie celów, które można sprawdzać co miesiąc i sprawdzać.
Wielu menedżerów uważa, że znaleźli ten niesamowity talent. Każdego dnia widzę utalentowanych ludzi w drodze do pracy. Jeśli nie mają odpowiedniej etyki pracy, nie mogą jej uciąć. Ludzie mają tendencję do zapominania, że to jest praca.
Niektórzy artyści nadal koncentrują się na zachowaniu "niezależności". Jakie elementy są kluczowe dla osiągnięcia tego celu i co menedżerowie mogą zrobić, aby utrzymać tę tożsamość?
Myślę, że to zależy od artysty i od tego, gdzie jest w ich karierze. Drew Holcomb i Neighbors są bardzo niezależni, ale ich kariera trwa już dziesięć lat, a już wcześniej pracowali w wytwórniach. Dla faceta takiego jak Drew, który nie jest przyzwyczajony do radia, prawdopodobnie pozostanie niezależny. Jego żona, Ellie, jest niszowa i odnieśliśmy sukces w radiu, ale ona prawdopodobnie pozostanie niezależna.
Chcemy robić to, co artysta uważa za najlepsze dla tego, co chce osiągnąć. Mamy artystów, którzy chcą być niezależni, i mamy artystów, którzy mogliby skorzystać z wytwórni, gdyby oprawa była właściwa. Nie potrzebujemy wytwórni dla wszystkich, z którymi pracujemy, ale nie sądzę, by były one złe. Jest wiele wspaniałych wytwórni, niezależnych i głównych - tylko w odniesieniu do tego, jakie mogą być potrzeby Twojego artysty.
Kiedy idziemy do radia, nie mamy Coldplay'a do wykorzystania. Nie ma jednej, uniwersalnej mentalności dla każdego artysty. Cytując Drew Holcomba: "To najgorszy czas na zabijanie w biznesie muzycznym. To najlepszy czas, by zarobić na życie." Jest więcej niezależnych artystów płacących rachunki za swoją muzykę niż kiedykolwiek w historii, i to świetnie.
W przypadku, gdy w 2015 r. zostanie Ci przedstawiona umowa na wytwórnię płytową dla artysty, jakie czynniki musi wziąć pod uwagę zespół artysty/menedżera?
Znowu myślę, że to zależy od tego, jaką muzykę tworzysz. Prawda jest taka, że prawdopodobnie nigdy nie odzyskasz tych płyt, jeśli zrobisz poważny interes. Z mojej perspektywy, chcę mieć gwarancję, że pieniądze zostaną wydane na promocję.
Termin ten jest dla mnie również bardzo ważny. Jeśli wszystko pójdzie na południe, nie chcę, żeby artysta utknął w wytwórni, która nie ma możliwości nagrania kolejnej płyty. Tak długo, jak mój artysta jest w pozycji, w której będzie promowany i może stale tworzyć, to dla mnie bardzo ważne.
Wielu chłopaków z A&R, z którymi możesz się podpisać, jest już inną firmą, zanim ukaże się album. Jeśli facet/dziewczyna, która wprawi cię w zakłopotanie opuszcza wytwórnię, to potencjalnie masz przerąbane. Trudno jest polegać na relacji z wytwórnią, ponieważ jest ona zmienna (mniej z niezależnymi wytwórniami). Jedynym powodem, dla którego bym kogoś podpisał jest to, że jeśli jest to duża wytwórnia, to jeśli chce być naprawdę sławny. To prawie niemożliwe, aby osiągnąć wszechobecność jako niezależna wytwórnia.
Czy angażujesz się w licencjonowanie i publikowanie kariery zawodowej swoich artystów?
Staramy się być właścicielem bez praw autorskich. Uważamy się za prawdziwą firmę usługową. Zamiast tego pomagamy serwisować, dystrybuować i sprzedawać/promować płyty, a następnie zarabiamy trochę więcej, aby robić te rzeczy, zamiast je posiadać. Wolimy otrzymywać wynagrodzenie za naszą pracę i naszą pracę, niż otrzymać roszczenie z tytułu praw autorskich. Technicznie rzecz biorąc, może to być zły interes, ale myślę, że jest to dobry interes. Wolę pracować dla kogoś przez 20 lat i nigdy nie mieć nic zepsutego niż mieć prawo autorskie - a to jest mentalność hobbystyczna. Chcę, żeby artyści wygrywali i dlatego dostałem się do kierownictwa.
Tagi: artist management drew holcomb featuring good time inc wywiad manager nashville paul steele tunecore