[Uwaga redaktorów: Ten blog został napisany przez naszych przyjaciół w Soundfly - dowiedz się więcej o ich serii kursów online i jak możesz uzyskać zniżkę na dole tego artykułu! ]
W dzisiejszych czasach produkcja własnych demówek oznacza w zasadzie to samo, co tworzenie w pełni wyprodukowanej płyty z twoją piosenką. Spodziewamy się, że Twoje demo zabrzmi w pełni, ciepło i profesjonalnie, a Twój występ wokalny musi być POP-em, aby zainteresować potencjalne wytwórnie, kolegów z zespołu, agentów bookingowych lub kogokolwiek, komu będziesz chciał zaimponować.
KOŃCÓWKA WOKALNA 1: BEZ WZGLĘDU NA TO, JAKIEGO MIKROFONU UŻYWASZ, UŻYJ EQ
Jeśli dopiero zaczynasz nagrywać i przetwarzać swój własny wokal po raz pierwszy, możesz nie mieć przy sobie zabytkowego mikrofonu Neumanna za 15.000$. Być może pracujesz z mikrofonem scenicznym jak SM58, albo z mikrofonem USB jak Yeti z Blue Microphones. Ale nawet jeśli zaoszczędziłeś na wynajęcie czegoś miłego, twój głos i mikrofon nie mogą zrobić wszystko praca.
Wyrównanie (EQ) jest niesamowicie potężnym narzędziem, często niezbędnym do tego, aby Twój utwór wokalny stał się naprawdę popowy. Oto kilka wspólnych ruchów, które często wykonuję podczas przetwarzania wokalu:
1. Filtr górnoprzepustowy. Czasami nazywany także filtrem low-cut, usuwa on z wokalu wszystkie błotniste szumy tła.
Plosy z dźwięków takich jak Ps i Bs mogą wysyłać nadmierną ilość powietrza do mikrofonu i powodować dudnienie niskiego końca poniżej 100 Hz. Czasami szumy pochodzące z zasilania w budynku mogą powodować brzęczenie około 50 lub 60 Hz.
Wiele z tych problemów można naprawić poprzez wycięcie dolnej części! Spróbuj wysokiego przełomu około 100-150 Hz.
Ogólnie rzecz biorąc, można uciec od nieco wyższego cięcia dla wokalistek, podczas gdy nie chce się zabijać najniższych dźwięków męskich wokalistów. Upewnij się, że słuchasz najniższej nuty w swoim utworze i upewnij się, że nie tniesz jej do końca!
2. Wysoki impuls dla "powietrza". Wspólną cechą wysokiej jakości mikrofonów jest wzmocnienie w zakresie 6-10 kHz. Dodaje to przyjemnej "zwiewności" wokaliowi, który naprawdę chwyta za ucho i dodaje czystości.
Jeśli Twój mikrofon nie osiągnie tego za Ciebie, lub chcesz przecenić ten efekt, zastanów się nad daniem Twojemu wokaliowi małego podbicia dzwonka około 6 kHz.
3. Wytnij "honk". Czasami twój wokal może wyskoczyć trochę bardziej niż powinien, gdzieś w zakresie 2-5 kHz. Jest to obszar najbardziej odpowiedzialny za osiągnięcie zrozumiałości ludzkiego głosu, ale czasami kończy się to momentami Również dużo zrozumiałości.
Jeśli weźmiesz skalpel EQ do obszaru częstotliwości przestępczej i precyzyjnie wyrzeźbisz ten obszar, zrobisz miejsce, aby wzmocnić cały wokal i pomóc mu się jeszcze bardziej wyróżnić. (Uwaga: Jest to efekt być może najlepiej osiągnięty przy użyciu wielopasmowego kompresora do izolacji zakresu częstotliwości, więc jeśli masz coś takiego dostępne dla Ciebie, użyj go!)
KOŃCÓWKA POPU WOKALNEGO 2: WYRÓWNAJ WOKAL Z KOMPRESJĄ
W dziedzinie produkcji muzyki pop i elektronicznej nie mogę sobie wyobrazić ani jednego razu, kiedy nie używałem chociażby Trochę trochę kompresji na każdym kawałku wokalnym w moich miksach.
Kompresjanawet w najbardziej akustycznym z ustawień, jest zaangażowany w pewnym stopniu w przetwarzanie wokalu na jednym lub kilku etapach.
Załóżmy na razie, że jesteś Nie Praca z kompresorem sprzętowym pomiędzy mikrofonem a interfejsem - więc prawdopodobnie kompresujesz po nagraniu. Oto kilka wskazówek, które pomogą Ci w pełni wykorzystać możliwości kompresora.
1. Przed kompresujesz, automatyzujesz! Automatyzacja to mocno niewykorzystany i często niedoceniany sprzymierzeniec w tworzeniu wokali i instrumentów pop w produkcji. Jeśli w Twoim utworze wokalnym istnieje oczywisty, obraźliwy szczyt głośności, spróbuj go wyrównać, zanim włączysz kompresor i postaraj się, aby zrobił to za Ciebie.
Zwróć uwagę, że jeśli to zrobisz, możesz chcieć "odbić się w miejscu" twojego automatycznego toru. W przeciwnym razie kompresor twojego kanału wpłynie na głośność. przed automatyki, która pokonuje cały cel.
2. Mniej znaczy więcej. Kompresja to dobry sposób, aby nadać wokaliowi konsystencję i dodać do niego ładny, ciepły kolor. Jednak bardzo łatwo jest przejść z nim za burtę, kiedy nadejdzie czas.
Może to być kuszące pracować z wbudowanymi ustawieniami kompresora, ale często te zgniecieją Twój wokal bardziej niż chciałbyś tego w rzeczywistości. To powiedziawszy jednak, ustawienia początkowe Logiki są w rzeczywistości całkiem dobrym punktem wyjścia:
- Mały lub średni stosunek, coś jak 2:1 lub 3:1
- Szybki (ale nie natychmiastowy) czas ataku, około 10-15 ms
- Umiarkowany czas uwalniania, około 50-60 ms
Następnie należy dostosować próg, aż do uzyskania pożądanej redukcji wzmocnienia. Zacznij subtelnie i staraj się utrzymać redukcję wzmocnienia na poziomie lub poniżej 6 dB. Co więcej, Twój utwór może zacząć brzmieć płasko i bez życia.
3. Podwoić to! Kompresja równoległa jest techniką wysyłania ścieżki wokalnej do drugiego miejsca (za pośrednictwem magistrali), a kompresja tylko Zdublowany sygnał, zwykle w sposób ekstremalny.
Można zyskać wiele obecności i "ciało" poprzez kompresję sygnału wokalnego naprawdę ciężko, ale będzie nudne górnej części i sprawiają, że czuje się bez życia i jawnie agresywny. Zamiast tego, jeśli skompresować kopię sygnału naprawdę mocno, i wymieszać tylko trochę w, można uzyskać niektóre z ciała i obecność bez zabijania wokal wydajność.
Ustawienia kompresora równoległego mogą być dość ekstremalne. Utrzymując wszystko inne na tym samym poziomie, podnieś swoje proporcje gdzieś pomiędzy 10:1 a 20:1, a następnie obniż swój próg, aż osiągniesz redukcję wzmocnienia w zakresie 15-20 dB.
To karzące zauroczenie, ale wymieszane gustownie, może dodać dużo popu do wokalu!
WOKALNA KOŃCÓWKA POPU 3: MIEJSCE TO PRZESTRZEŃ
W dzisiejszych czasach, wykorzystanie pogłos na utworach wokalnych jest ogólnie nieco w dół. Suche wokale są świetne do intymnego i/lub agresywnego brzmienia utworów rapowych i alternatywnego rocka, ale mogą nie sprawdzać się w większych produkcjach popowych czy też w numerach folkowych. Oto niezawodny sposób na stworzenie większej niż życiowa przestrzeni dla Twojego wokalu.
1. Ustaw scenę z posyłkami. Załóż dwa oddzielne posłania na swój wokal. Jeden pójdzie do monofonicznego, płytowego pogłosu, który daje wokaliowi pewien ogólny rezonans i pomaga wokalowi usiąść w przestrzeni z innymi instrumentami w utworze. Drugi będzie duży i szeroki halowy czasownik, który daje wokalu brawurę i grawitację.
2. Zrób to mocno. Twój pierwszy pogłos, czasownik płytowy, jest bardziej muzykalny w funkcji. Chodzi o stworzenie połysku i spójności z zespołem lub produkcją, a nie o zdefiniowanie "przestrzeni", w której znajduje się wokal.
Niektóre dobre ustawienia początkowe dla pogłosu płytowego to czas rozpadu około 1-2 sekund, z krótkim opóźnieniem wstępnym, około 30-50 ms.
Upewnij się, że odfiltrowujesz trochę dolnego "błota" z twoich pogłosów! Nie chcesz, aby pogłosowy sygnał zakłócał dźwięk twojego głównego wokalu. Filtr górnoprzepustowy w zakresie 200 Hz to dobre miejsce na początek. Następnie użyj niskiej półki, która zredukuje niski koniec poniżej 600 Hz lub więcej, o tyle, o ile jest to konieczne do posprzątania sprawy.
Niektóre pogłosy, jak UAD EMT 140 na zdjęciu powyżej, będą miały wbudowane filtry i półki dokładnie do tych celów, ale możesz osiągnąć te same rezultaty za pomocą prostej wtyczki EQ lub dwóch.
3. Uczyń go ogromnym. Twój wokal nie został nagrany w pustej przestrzeni, a ty pewnie też nie chcesz go przedstawiać w pustej przestrzeni. Świetnym sposobem na to, aby Twój wokal brzmiał lepiej niż życie, jest stworzenie większej niż życie przestrzeni, w której będzie rezonować! Szeroki pogłos w hali jest świetną przestrzenią do zobrazowania tego.
Dobrym ustawieniem jest gdzieś pomiędzy 3-8 sekundami czasu rozpadu (mówimy tu o przestrzeni wielkości Wielkiego Kanionu), ale oczywiście wielkość przestrzeni do smaku. Ponadto, upewnij się, że podajesz pogłos z pewnym opóźnieniem, rzędu 60-100 ms. Twój wokal nie opuszcza ust i natychmiast trafia na drugą stronę kanionu!
Ponieważ te odbicia są znacznie dalej, będziesz chciał wyjąć jakiś wysoki koniec z sygnału. Ponownie, wiele pogłosów będą miały pewne wbudowane opcje półek dostępne, ale zawsze można zabrać więcej przez EQ, jeśli trzeba.
Pamiętaj tylko, że tak jak w przypadku dużej części tego procesu, mniej znaczy więcej. Zawsze słuchaj efektów przestrzennych w słuchawkach i głośnikach, aby mieć pewność, że naprawdę słyszysz przestrzeń, którą tworzysz, a nie tylko dźwięk pomieszczenia, w którym się znajdujesz.
VOCAL POP TIP 4: DOUBLE IT UP
Jeśli chodzi o uzyskanie "pełnego" i "dużego" brzmienia wokalu, nic nie jest w stanie wykonać tej pracy tak, jak po prostu drugie ujęcie i wymieszanie go, znane również jako Podwojenie liczby osób. We współczesnej popowej produkcji nierzadko zdarza się, że partia chóru ma dwie, trzy, cztery, pięć lub więcej dublerów głównej partii wokalnej, tylko po to, by zagęścić brzmienie.
Dla nowego wokalisty jak najwierniejsze odtworzenie dokładnego wykonania może wydawać się zniechęcające, jeśli nie niemożliwe. Jednak niektóre dziwactwa i zawiłości każdego z osobna biorą, ułożone w stosy, mogą sprawić, że wokal główny będzie o wiele ciekawszy, a także wygładzić poszczególne błędy i wariacje.
Jeśli jesteś gotowy na wyzwanie (i gorąco polecam spróbować!), oto kilka propozycji konfiguracji dublingu w taki sposób, aby zbudować swój główny wokal do pełniejszego brzmienia.
- Klasyczny podwójny. Weź się w garść i zaśpiewaj go dwa razy. Uruchom oba wokale prosto na środek, w mono, lub spróbuj je ledwo poszerzyć o 5-10%, po jednym w każdym kierunku.
- Szerokie potrójne. Nagraj swój trop trzy razy. Wybierz faworyta i włóż go do środka. Przesuń dwa pozostałe, odpowiednio mocno w lewo i mocno w prawo, i obróć te podwojenia w dół w miksie.
- Szeptem potrójny. Podobnie jak szeroka trójka, ale drugie i trzecie ujęcie to prowadzenie "szeptane" i mieszane nisko w obu uszach. Wielki dla osiągnięcia ASMR efekt, jeśli to jest to, do czego zmierzasz. To może być również użyte w połączeniu z szerokim potrójnym.
- Niepowiązany kwartet (lub kwintet itp.). Nagraj cztery lub więcej leadów i umieść je równomiernie w całym spektrum stereo.
- Chrupiący chór. Nagraj trzy lub więcej "luźnych" sobowtórów, każdy z nieco innym podejściem czasowym, i przesuwaj je wszystkie w obrębie 5-10% środka. Jest to świetny sposób na stworzenie efektu chóru lub chóru kościelnego.
To tylko kilka z technik, z którymi odnalazłem sukces. Przenieś warstwowe harmonie w fałdę, a naprawdę możesz oszaleć z piętrzeniem ogromnych dźwięków wokalnych!
Uważajcie na pułapki
Jeśli zdecydujesz się nagrywać i produkować prawdziwe sobowtóry, istnieje kilka pułapek, o których musisz wiedzieć, aby uzyskać najściślejszy, najpełniejszy dźwięk.
1. Uważajcie na twarde spółgłoski. Dźwięki na końcu słów z dużą ilością high endów, jak Ts i Ks, mogą brzmieć naprawdę nieładnie, jeśli nie są idealnie ciasne. Podczas gdy możliwe jest manipulowanie tylko samym końcem dźwięku, aby idealnie dopasować się do głównej czołówki, często lepiej jest, aby tylko czołówka zajmowała się tymi dźwiękami. To samo dotyczy frontu dźwięków, w tym oddechów.
Podczas nagrywania dublerów, spróbuj uzyskać bardziej miękkie spółgłoski końcowe lub wyedytuj je całkowicie w swoim DAW.
2. Nie bój się wyciąć. Łatwo jest myśleć, że tylko podwojenie całej przewagi jest dobrym pomysłem, i tyle. Jeśli naprawdę kopiesz cały dźwięk, który otrzymujesz ze swoich dwóch lub więcej solidnych tropów, wyrażonych w całości razem, świetnie! Ale także weź pod uwagę:
- Wysokie i/lub niskie przekroczenie double(ów)
- Przełożenie sobowtóra(ów) przez 100% pogłos i zmieszanie do smaku
- Kompresja twarda tylko dla dublerów, do emulacji kompresji równoległej
- Tylko trzymanie sobowtórów na tekstach lub momentach o dużym znaczeniu
- Wyciąć wszystkie dodatkowe szumy i pustą zawartość fal dźwiękowych, gdy sobowtór nie śpiewa.
Bądź kreatywny ze swoimi dublerami i bierz od nich tylko to, co chcesz!
3. Mniej znaczy więcej. Po raz kolejny, ważne jest, aby rozpoznać, czy dodajesz coś do mieszanki, ponieważ jest to ważne, czy też po prostu tak myślisz. Powinien być brzmią lepiej, jeśli to zrobisz. Bądź ze sobą szczery. Czy jest za dużo sobowtórów? Czy w ogóle potrzebujesz sobowtóra, czy po prostu błotnisty jest twój utwór?
Na koniec, jeśli nie czujesz się zbyt komfortowo z odtworzeniem doskonałego brzmienia wokalu ołowiowego, oto kilka wskazówek i technik pozwalających na przybliżenie efektu podwojenia wokalu ołowiowego.
- Efekt chóru. Taki efekt podwoi Twój utwór wokalny wewnątrz wtyczki, nadając mu lekkie przesunięcie skoku i/lub modulację w czasie, a także bardzo nieznacznie zaburzy czas oryginału i podwojenia. Istnieje wiele różnych opcji dla takiej wtyczki, takich jak wtyczka Microshift Soundtoys.
- Uderzyć go. Użyj opóźnienia slapback, aby uzyskać szybki i szybko rozpadający się efekt podwojenia. Twój czas opóźnienia powinien być bardzo krótki, rzędu 10-30 ms (z małym opóźnieniem wstępnym, aby oddzielić go od prowadzenia), z niskim sprzężeniem zwrotnym, aby uniknąć dzwonienia, modulowanego typu dźwięku.
- Podrób to. Można również ręcznie utworzyć efekt chorusa typu plugin. Po prostu skopiuj swój ślad, użyj narzędzia do zmiany skoku w górę lub w dół o około 5 centów i nieznacznie opóźnij czas podwojenia. Pan do smaku. Możesz uciec tylko z kilkoma z nich, co najwyżej!
Świat produkcji wokalnej jest ogromny, a opinie na temat tego, jak wygląda "właściwa" technika produkcji wokalnej, różnią się znacznie w zależności od producenta, gatunku i pokolenia. Prawda jest taka, że to, co dla Ciebie brzmi dobrze, prawdopodobnie będzie brzmiało dobrze dla kogoś innego, ale nie będziesz wiedział, dopóki nie spróbujesz. Więc zacznij eksperymentować i zacznij tworzyć muzykę!
Zdobądź większą kontrolę nad następną mieszanką. Podgląd serii kursów Soundfly's Faders Up, Nowoczesne techniki mieszania oraz Zaawansowane techniki mieszania (Advanced Mix Techniques)...za darmo dzisiaj! Oba kursy są nauczany przez dzisiejszych wiodących inżynierów dźwiękui pochodzić z sześć tygodni osobistego mentoringu i mieszania informacji zwrotnych z ekspert pracujący w terenie.
Zyskasz praktyczne doświadczenie z nowoczesnymi technikami miksowania, takimi jak EQ, kompresja, ustawienie poziomu i obrotu, cyfrowe przetwarzanie sygnału, wysyłanie FX i inne. Jeśli chciałbyś zarezerwować sobie miejsce w następnej sesji, Użyj kodu promocyjnego TUNECORE przy kasie, aby uzyskać 25% zniżki (to 125 dolarów!).
Tagi: kompresja inżynieria z udziałem porady dotyczące miksowania produkcja muzyczna ścieżki wokalne