Artykuł ten został napisany przez Gary'ego Gray'a i jest drugą odsłoną dwuczęściowej serii o tym, o czym artyści, inżynierowie i producenci powinni pamiętać, dążąc do uzyskania licencji na swoje nowe utwory. Upewnij się, że nadrobisz zaległości w części pierwszej tutaj! ]
Quick Re-cap z części pierwszej:
W części pierwszej przedstawiliśmy cztery priorytety, które, jeśli zostaną zrozumiane i przestrzegane, bezwzględnie zwiększą szanse na sukces w licencjonowaniu muzyki. Gwarantowane.
1. Czynnik ludzki
2. Organizacja (DAW, papierkowa robota i sieć)
3. Umowy i wiedza o umowach
4. The Music
Część pierwsza obejmowała szczegółowo priorytet numer jeden: Czynnik ludzki. Tam nauczyliśmy się złotej zasady:
Teraz przejdziemy od tego punktu i przejdziemy dalej, do następnego priorytetu:
2. Organizacja (DAW, papierkowa robota i sieć)
Oto co zwykle słyszę w tym momencie: "OK, rozumiem, że czynnik ludzki jest priorytetem numer jeden". To ma sens. Ale jak muzyka może być numerem cztery!?"
Oto moja odpowiedź: Twoja DAW, twoja papierkowa robota (włączając w to meta-dane) i sieciowa działalność super-organizacji jest ważniejsza niż twoja muzyka z powodu ważnego spostrzeżenia, które poczyniłem w ciągu ostatnich 30 lat w przemyśle muzycznym.
Na dłuższą metę, ludzie chcą pracować z pewnymi ludźmi, a nie z pewną muzyką.
Zaprosiłem opiekunów muzycznych z mojej okolicy, którzy są również autorami tekstów piosenek, do nagrywania i współpracy przy projektach muzycznych w moim studio, w zamian za edukację na temat tego, czym naprawdę zajmują się opiekunowie muzyczni. Obserwowałem, jak opiekunowie muzyczni pracują godzinami, przesiewając setki piosenek, by znaleźć odpowiednią ścieżkę do filmu, programu telewizyjnego, reklamy czy gry wideo. (Mówimy tu o lukratywnych transakcjach).
Kliknij, kliknij, kliknij, kliknij - nadzorca muzyczny, ręka na myszy, słuchawki na głowie, słuchał około 5 do 10 sekund każdego utworu, aż jeden się wyróżnił. "Wspaniały utwór! Hmmm. Kto to jest? Daj mi zobaczyć. . . . hmmm. . . . Facebook, twitter, Instagram, strona internetowa. Nie, pamiętam tę osobę. Literówki w ich mailach, nie zorganizowane, nie profesjonalne. Nie chcę z nimi pracować. Dalej."
Kliknij, kliknij, kliknij, kliknij - "To jest dobry utwór. Hmmm. Kto to jest? Daj mi zobaczyć. . . . hmmm. . . . Facebook, twitter, Instagram, strona internetowa. Pamiętam tę osobę. Wspaniałe maile. Zwięzłe, profesjonalne, bardzo przyjazne. Bardzo pomocna. Ma powiązania z ich łodygami i wskazówkami dostępnymi dla mnie z get-go. Prawidłowo opatentowali ich piosenkę z U.S. Copyright Office. Mają umowę o pracę na wynajem ze swoim piosenkarzem. Pracuję z tą osobą. Zgłaszam tę piosenkę."
I wtedy nauczyłam się czegoś, czego nigdy wcześniej nie uczono mnie. Ten kierownik muzyczny powiedział mi, że skoro ten utwór był składany na kredyt końcowy w dużym filmie, a osoba, która złożyła utwór, zarabiałaby blisko 20.000 dolarów za ten utwór, gdyby został zaakceptowany, to dział prawny firmy produkującej filmy prawdopodobnie sprawdziłby tę osobę online.
"Nie dają czeku na 20.000 dolarów komuś, komu nie ufają, komuś z czerwonymi flagami."
"Jakiego rodzaju czerwone flagi masz na myśli?" Pytałem.
"Cóż, powiem ci to w ten sposób. Ta pierwsza osoba, którą przekazałem, nie posiadała nawet praw autorskich do tej piosenki. Nie mają umowy o pracę na wynajem ze swoim wokalistą. Czy wiesz, na ile odpowiedzialność otwiera się przed nami, jeśli rzeczywiście nie napisali tej piosenki? Jeśli dojdzie do pozwu o naruszenie praw autorskich, istnieje łańcuch ludzi, którzy ponoszą odpowiedzialność - nie tylko ten autor piosenki. A ja jestem w tym łańcuchu, więc będę bardzo wybredny co do charakteru ludzi, z którymi pracuję. Nie chodzi tylko o to, że ich muzyka musi być dobra. To jest przemysł złożony z ludzi, reputacji i uczciwości. Kiedy dostajesz się do wielkich pieniędzy na licencji, masz do czynienia z zupełnie innym poziomem, to jest inna gra."
To było dla mnie fascynujące. A najciekawsze było to, że nikt nigdy nie rozmawiał ze mną o tym ani nie nauczył mnie niczego z tego.
Moralność tej historii: Przejrzałbym twoje maile bardzo uważnie. Poprawić literówki. Zawsze bądź przyjazny. Bądź zwięzły. Bądź zorganizowany do błędu. Dołączajcie do swoich e-maili linki do plików macierzystych i wskazówki. Skopiuj swoje piosenki. Posprzątaj swoje wpisy w mediach społecznościowych, jeśli to konieczne. Bądź profesjonalistą online, gdziekolwiek jesteś. Bądź osobą, z którą ludzie chcą pracować. To o wiele więcej niż tylko twoja muzyka.
Mówiąc o byciu zorganizowanym do winy, spójrzmy, jak zorganizowanie twojego DAW prawidłowo do licencjonowania może zrobić ogromną różnicę na uzyskanie - lub nie uzyskanie - lukratywnych umów licencyjnych.
Próbowałem wielu różnych konfiguracji przepływu pracy przy tworzeniu pędów i wskazówek, i chociaż nie ma właściwej lub niewłaściwej drogi (zakładając, że ostateczne pnie i wskazówki są nieskazitelne i w pełni wyrównane), znalazłem podejście, które jest wysoce wykonalne, szczególnie w stresie i presji terminów.
Organizowanie sesji na potrzeby licencjonowania muzyki
Na graficznej ilustracji, jak zorganizować sesję na cue, najpierw zauważysz, że na górze sesji znajduje się coś, co nazywa się Marker Track. Teraz każdy DAW ma swoją własną wersję markerów i ścieżkę znacznikową. To nie jest to, czego używam do licencjonowania. Ja tworzę swoją własną. I powiem ci dlaczego. Większość markerów DAW może się poruszać, jeśli się je uderzy. I nawet jeśli można je zablokować, mogą być wizualnie rozpraszające i powinny być używane do innych celów, takich jak oznaczanie części utworu; tj. intro, pierwszy werset, pierwszy refren, itp.
Tworzę moją ścieżkę znacznikową, otwierając nową ścieżkę dźwiękową, a następnie ustawiając moje lewe i prawe lokalizatory dokładnie tam, gdzie chcę, na mojej głównej wersji mixu (wersja po lewej na ilustracji). W Cubase możesz po prostu podwójnie kliknąć na ścieżkę dźwiękową pomiędzy lewym i prawym lokalizatorem, a pojawi się pusty klip dźwiękowy, ustawiony dokładnie w moim lewym i prawym lokalizatorze. Następnie wykonuję tę samą procedurę dla moich różnych klipów (:60, :30, :15 i :07 stinger) po prawej stronie mojej głównej wersji (jak widać na ilustracji).
Kiedy mam już mój zestaw znaczników do pełnej wersji i wszystkie mniejsze kije, LOCK that Marker Track. Co to robi? To jest to: Jeśli kiedykolwiek uderzę w znacznik, natychmiast zablokuje się on z powrotem do pierwotnej pozycji.
To, co to robi dla mnie, to za każdym razem, gdy eksportuję wersje torów, cue i pliki macierzyste, każda partia jest idealna, wyrównana dokładnie do lewej i prawej strony. Ten profesjonalizm jest zdecydowanie zauważalny, zwłaszcza przez jednego z kluczowych graczy w grze licencjonującej muzykę - edytora muzyki.
Dowiedziałem się, jak ważna jest rola edytora muzycznego podczas mojego wyjazdu do CBS Studios, oglądając zespół postprodukcyjny pracujący razem nad odcinkiem NCIS. Dowiedziałem się, że siła, którą - jak mi się wydawało - posiada kierownik muzyczny, jest tak samo, jeśli nie bardziej, w rękach redaktora muzycznego.
Pytanie, które często zadawane jest mi przy tworzeniu różnych wersji twojego utworu, jest następujące:
Jak długa powinna być moja pełna wersja? Czy istnieje standardowa długość?
Chociaż nie ma standardowej długości, średnia długość pełnego toru do licencjonowania od tego zapisu wynosi 2:30. Możesz zostać poproszony o konkretną długość swojej pełnej wersji, ale jeśli nie zostaniesz poproszony, proponowałbym utworzenie swojej pełnej wersji na dwie minuty i 30 sekund.
Podczas ustawiania lewego i prawego lokalizatora dla twojego Ścieżki Znacznikowej, pamiętaj, że jeśli zrobisz cały swój montaż w miksie, a nie będzie żadnego montażu podczas etapu masteringu, będziesz odpowiednio zorganizowany, aby zarabiać duże pieniądze poprzez umowy licencyjne. Jeśli podczas masteringu nadal będziesz dokonywał korekt i zanikających, korekt punktów początkowych i końcowych oraz wszelkich innych rodzajów ruchów edycyjnych, będziesz stwarzał sobie potencjalne problemy, jeśli będziesz pytany o wyniki, takie jak nieskazitelne pliki pnia i wskazówki.
Jest to również szczegółowo omówione w The Lucrative Home Studio Online Masterclass.
Zauważ na poprzedniej ilustracji, że jestem ustawiony do tworzenia plików macierzystych MY CUES. Jest to jeden ze sposobów, w jaki pozyskałem dużych klientów z dużym budżetem - wykraczam poza organizowanie mojego DAW tak, aby móc tworzyć produkty, które mówią o poziomie profesjonalizmu, do którego dążę. Właściwie nie znam nikogo innego, z kim pracowałabym, kto w swoich mailach umieszczałby dodatkowy link do plików macierzystych THE CUES podczas robienia zakupów, wraz z linkami do różnych wersji i samych wskazówek.
Zwróć również uwagę, że gdy pytasz o pliki macierzyste, powinny to być pliki z twojego mixu, a nie z twojego master'a. Celem plików macierzystych jest dostarczenie elementów edytora muzyki do miksowania i masteringu. Włączenie opanowywania plików macierzystych pokonałoby pracę, którą edytor muzyczny stara się wykonać, ponieważ byłby zmuszony do opanowania opanowywanego zestawu plików. Nie zabrzmi to zbyt dobrze i prawdopodobnie w przyszłości nie zobaczyłbyś żadnej pracy z tej firmy.
I w końcu, kiedy tworzysz swoje wskazówki, jeśli chcesz zamknąć lukratywne umowy, powinny być one skrupulatnie zredagowane tak, aby mieć muzyczne intro, ciało i outro każdego z nich - nawet siedmiosekundowy stinger. To sztuka tworzyć intro, body i outro dla siedmiosekundowego utworu muzycznego!
Producenci, którzy wrzucają do kosza swoje wskazówki, po prostu wycinają i zanikają, nie będą widzieć, jak wiele pieniędzy płynie im z powrotem.
Wspomniałem wcześniej, że beatmani i licencjonowanie bijek to osobna kategoria sama w sobie, z własnym słownictwem i modelami biznesowymi. Z plikami pnia nie jest inaczej. Dla beatmakerów termin "Trackout" lub "Tracked-Out" oznacza, że pliki macierzyste zostały stworzone. Mogą one również używać następujących terminów:
- Trasy koncertowe
- Tracked-Out WAVs lub Tracked-Out Files
- Rozdzielenie WAV lub rozdzielenie torów
- Dokumenty źródłowe
- Pojedyncze WAV-y
- Oddzielone tory lub oddzielone tory WAV
Track-Out dla beatmanów oznacza zazwyczaj, że każdy pojedynczy utwór został wyeksportowany, w przeciwieństwie do tradycyjnej definicji plików macierzystych, które nie są pojedynczymi utworami, ale utworami grupowymi - takimi jak wszystkie wokale, wszystkie gitary, wszystkie perkusje, itp.
Bitownik "wytrenuje" beat eksportując kopa, werbel, hi hat, tom 1, tom 2, bas 1, bas 2, wokal ołowiany 1, wokal ołowiany 2, wokal BG 1, wokal BG 2, wokal BG 3, gitara 1, gitara 2 itd. Uwaga: Beatmakerzy używają określenia "Stem Files", ale dla nich odnosi się ono zazwyczaj do pojedynczych utworów, a nie do utworów pogrupowanych.
Każda biblioteka, wydawca, nadzorca muzyczny, agencja reklamowa i człowiek średniego szczebla w branży licencjonowania ma zazwyczaj swój własny arkusz specyfikacji, informujący o tym, jak chcą, aby ich pliki były dostarczane i jakie powinny być dokładnie te pliki. Zachowaj zorganizowany arkusz kalkulacyjny wszystkich tych arkuszy specyfikacji i odwołuj się do nich często podczas pracy, aby mieć pewność, że tworzysz produkty dla każdej firmy, które zostaną zaakceptowane za pierwszym razem.
A oto sekret, jak sprawić, by klienci wracali w kółko, by cię wykorzystać: Po wyeksportowaniu Twoich różnych wersji i cue i stems, stwórz nowy projekt i wgraj te pliki, które wyeksportowałeś do zupełnie nowego projektu, tak jakbyś był klientem na drugim końcu otrzymującym Twoje pliki. Przetestuj te pliki dokładnie przed ich wysłaniem. Kontrola jakości jest drogą, która prowadzi do sukcesu, jeśli chcesz mieć lukratywne umowy licencyjne.
Zorganizowanie pracy papierkowej pozwoli Ci na swobodne tworzenie muzyki.
Zorganizowanie sieci pomoże Ci uniknąć całkowitego zapomnienia o kluczowym kontakcie, który mógłby pomóc w stworzeniu wielkiej przerwy dla Ciebie. Może również pomóc w przypomnieniu sobie o urodzinach, rocznicach i szczegółach dotyczących klienta lub potencjalnego klienta, które mogą mieć ogromny wpływ na Twoje dochody i ogólny sukces.
3. Umowy i wiedza o umowach
Priorytetem numer trzy, jeśli chcesz uzyskać lukratywne umowy licencyjne, jest "Contracts and Contract Knowledge" (i tak, to jest ważniejsze niż muzyka [zakładając, że twoja muzyka jest dobrze napisana, nagrana i zmiksowana]).
Za każdym razem, gdy możesz posadzić się przed dobrym prawnikiem muzycznym i poprosić o wyjaśnienie wszystkich umów używanych w licencjonowaniu muzyki, w tym umów o pracę za wynajem i dzielenie arkuszy, gorąco zachęcam do tego!
Napisz do wydawców, agencji reklamowych, nadzorców muzycznych, bibliotek i poproś o kopię ich umów. Przestudiowanie wszystkich tych kontraktów i uzyskanie porady od dobrego prawnika pomoże Ci stać się dobrze wykształconym. Kiedy już będziesz dobrze wykształcony, firmy, które zajmują się dużymi budżetami, będą bardziej skłonne do pracy z tobą niż ktoś, kto nie odrobił swojej pracy domowej i nie zdobył wiedzy, którą masz teraz.
Ludzie mogą czuć i widzieć prawdziwą pewność siebie na odległość jednej mili - i chcą pracować z ludźmi, którzy mają prawdziwą pewność siebie - nie fałszywą, udawaną pewność siebie.
Umowy z producentami bijek
Innym powodem, dla którego wyodrębniamy beatmakerów jako własną kategorię jest to, że klienci beatmakerzy zwykle sprzedają się lirykom i piosenkarzom/raperom. Różni się to od innych form licencjonowania muzyki, gdzie klientami są firmy, a nie artyści. Relacje beatmakerów (producentów) z artystami (autorami tekstów, piosenkarzami i raperami) tworzą umowy i przestrzegają praw autorskich, które bardzo różnią się od innych form licencjonowania muzyki. Umowy te dotyczą praw autorskich, które należą do kategorii pochodnych.
Jeśli robisz dużo beat making, byłoby dobrze, aby studiować i zrozumieć wszystko, co można o pochodnych praw autorskich i jak utwory są prawidłowo oczyszczane. Wyczyszczenie czegoś oznacza uzyskanie zgody od pierwotnego właściciela praw autorskich na wykorzystanie próbki, piosenki lub kompozycji.
4. The Music
W części pierwszej tej serii, pytanie to zostało zadane:
Czy produkując tory do licencjonowania muszę wiedzieć/ robić coś innego?
A moja odpowiedź brzmiała:
Tak (i nie).
Wygląda na to, że jeśli chodzi o zasady dotyczące produkcji muzyki na licencji, dla każdej zasady, którą mi pokażesz, pokażę ci przynajmniej jeden wyjątek. Duża część licencji na muzykę jest subiektywna - w rzeczywistości MOST licencji na muzykę jest subiektywny. Kto może powiedzieć, który z dwóch utworów napisanych i wyprodukowanych na równych prawach byłby lepszy dla danej sceny w programie telewizyjnym, na przykład? To jest SUBJEKTYWNE! Wiedząc o tym, ważne jest, aby się nie zniechęcać, gdy idziesz na ścieżkę licencjonowania muzyki.
Oto kilka "zasad", które słyszałem, a także wyjątki, które widziałem:
Reguła: Podczas pisania i układania utworu należy postępować zgodnie z określoną formą. Upewnij się, że buduje się i gdzieś idzie, upewnij się, że wchodzą różne elementy i że trzymasz uwagę słuchacza przy zmianach w twojej muzyce.
Wyjątek: Widzisz te filmy z kroniki filmowej, gdzie pewna historia wiadomości lub kilka historii wiadomości są przekazywane w formie pisemnej, w dużym tekście na filmie, który pokazuje slajdy w tle. Te filmy trwają wszędzie od 30 sekund do dwóch minut. Ścieżka dźwiękowa muzyki? 99% tych kronik wykorzystuje muzykę, która jest w zasadzie pętlą, zmierzającą donikąd, nie budującą, nie rozwijającą się w ogóle. Muzyka służy do ustawienia nastroju i utrzymania go tam, aby słuchacz nie był rozpraszany podczas czytania tekstu wiadomości.
Reguła: Zmieniaj coś w swojej muzyce co cztery takty albo nie dostaniesz licencji na swój utwór.
Wyjątek: Około 1000 utworów, które słyszałem w reklamach, telewizji, filmach i grach wideo nie zmieniają czegoś co cztery bary.
Reguła: Nie próbuj licencjonować muzyki w różnych gatunkach. Trzymaj się tego, w czym jesteś dobry.
Wyjątek: Znam około 20 najlepszych kompozytorów / autorów piosenek, którzy zarabiają co najmniej sześciocyfrowe pieniądze na licencji, a wszyscy z nich produkują utwory w co najmniej pięciu różnych gatunkach. Tworzenie utworów w różnych gatunkach otwiera twoją sieć w ogromnym stopniu, nie wspominając o twoich horyzontach jako artysty i twoim uznaniu jako fana muzyki.
Zasada: Nie możesz po prostu napisać i nagrać piosenki na swój album, a następnie spróbować kupić ją na licencji, musisz przestrzegać pewnych akceptowanych praktyk, takich jak brak długich introwizacji, tylko wysoko wyprodukowane, teraz brzmiące produkcje, nic nie datowane.
Wyjątek: Dwóch moich studentów miało stare nagrania zespołów, w których byli 20 lat temu. Brak łodyg, brak pliku sesyjnego, tylko stereofoniczny mp3 master z oryginału. Zasugerowałem, żeby spróbowali kupić te utwory, a obaj studenci zarabiają teraz na tych "starych, bezużytecznych" nagraniach! Okazuje się, że wiele produkcji filmowych i telewizyjnych poszukuje autentycznie brzmiących nagrań z pewnych epok i okresów czasu, aby wzmocnić rzeczywistość swoich produkcji.
Produkcja ścieżek dźwiękowych dla singli/EP/Albumów vs. ścieżki dźwiękowe dla filmów i telewizji
W przeciwieństwie do Motion Picture Audio Post-Production Industry, oraz Industry of Audio Post-Production for Television, skodyfikowane specyfikacje i standardy branżowe dla producentów i inżynierów zajmujących się postprodukcją audio dla singli, EP-ek i albumów praktycznie nie istnieją.
Możesz odtwarzać 100 ścieżek dźwiękowych stworzonych dla Major Motion Pictures, po jednej ścieżce dźwiękowej na raz, poprzez swoje mierniki LUFS, RMS i VU, przy wyłączonej głośności, i po prostu oglądać mierniki - i nie zobaczysz żadnych dzikich różnic w średnich poziomach głośności i zakresie dynamiki pomiędzy poszczególnymi ścieżkami dźwiękowymi. W ostatnich latach, to samo stało się w przypadku ścieżek telewizyjnych.
Jeśli spróbujesz tego eksperymentu z 100 singli lub EP-ek lub albumów, i odtwarzać te single, EP-ki lub albumy, jeden na raz, poprzez swoje LUFS, RMS i VU metrów, dobrze, witamy na dzikim, dzikim zachodzie. Będzie wiele różnic w tym, co widzisz i słyszysz.
Z historycznego punktu widzenia, skodyfikowane specyfikacje i standardy branżowe dotyczące średniej wielkości emisji na odcinek telewizyjny i na reklamę są nowsze. Główne specyfikacje filmowe istnieją od wielu lat. Jednym z głównych powodów jest to, że środowisko odtwarzania (teatry) zawsze było bardzo spójne, teatr do teatru, a ludzie płacą dobre pieniądze, aby usiąść na tych miejscach. A jeśli pozostaną na tych miejscach i opowiedzą o tym swoim przyjaciołom, przemysł filmowy przetrwa.
Tak więc, standardy dźwięku postprodukcyjnego dla dużych filmów organicznie wyrosły z tego spójnego i wymagającego środowiska.
Kierownicy sieci telewizyjnych przez lata otrzymywali wiele skarg od widzów - widzowie musieli stale regulować głośność telewizora między programami, a także podczas reklam.
Poziomy głośności były wszędzie, a reklamy były o wiele za głośne. Filozofią agencji reklamowych oraz ich producentów i inżynierów było podążanie za widzem do kuchni, zwiększając głośność podczas przerw w reklamie - podczas gdy widz miał coś do jedzenia.
Te same skargi o zmiennej objętości zaczęły się piętrzyć, gdy pojawiły się usługi strumieniowe. Największą część treści w serwisach streamingowych stanowią single, EP-ki i albumy.
Jednak zamiast narzucać standardy producentom i inżynierom Singli, EP-ek i albumów, tak jak zrobił to przemysł filmowy i telewizyjny, służby strumieniowe same dokonały korekt i przyjęły system uśredniania poziomu głośności całej muzyki, którą przesyłają strumieniowo. Jest to znane jako normalizacja.
Możesz przeczytać wszystko o zamierzonych i niezamierzonych konsekwencjach normalizacji strumieniowej, jak również o tym, jak opanować swoją muzykę do usług strumieniowych w dogłębnej dwuczęściowej serii I autorstwa TuneCore tutaj (Part 1) i tutaj (Part 2).
Czy to ma wpływ na to, jak opanujesz swoje tory do licencjonowania?
Tak. Jeśli zastosujesz się do sprawdzonego, prostego, głupiego rozwiązania w dwuczęściowej serii powyżej, nie będziesz miał żadnych problemów z opanowaniem swoich utworów do licencjonowania.
Na wypadek, gdybyś chciał teraz wiedzieć, jak opanować swoje tory do licencjonowania, powiem ci.
1. Idź na najgłośniejszą część toru.
2. Zapętlić go podczas oglądania miernika RMS (średnia głośność), nie ma potrzeby używania miernika LUFS.
3. Ustaw swoje końcowe wzmocnienie limitera tak, aby Twój utwór był uśredniony pomiędzy -10 a -14 RMS (podczas najgłośniejszej części utworu) - przy założeniu, że Twój MIX brzmi świetnie.
Sztuczka polega na tym, aby Twój MIX brzmiał wspaniale dla Twojego ucha. Jak mówię moim uczniom w kółko, używaj swojego UDZIAŁU, a nie swojego GEAR-u jako priorytetu przy miksowaniu.
Im bardziej zamkniesz oczy podczas mieszania, tym mniej będziesz musiał zmieniać i naprawiać.
Jeśli Twój miks brzmi wspaniale dla ucha, opanowanie go jest procesem bezbolesnym i stosunkowo szybkim. Używam bardzo precyzyjnego toku pracy, aby uzyskać miksy o wysokiej jakości emisyjnej oraz mastering do licencjonowania za każdym razem - wszystko to w oparciu o technikę zwaną "Checkerboard A/B'ing", która jest również podstawą dziesięciu rewolucyjnych ćwiczeń treningowych z zakresu produkcji muzyki dla ucha, które opracowałem dla The Lucrative Home Studio Masterclass.
A wszystkie działania techniczne, które podejmujemy podczas miksowania i masteringu, robimy po to, aby służyć The Music.
Skąd wiesz, kiedy Twój utwór jest gotowy i gotowy do złożenia wniosku o licencję?
Dwie odpowiedzi:
1. Technicznie, będziesz wiedział, że Twój utwór jest zrobiony, jeśli jesteś A/B'ing z referencjami utworów, które zostały pomyślnie licencjonowane i/lub nadawane. Porównaj swój mix i master z referencjami, a będziesz dobry w podróży.
2. Artystycznie, będziesz wiedział, że twój utwór jest zrobiony, jeśli trzymasz się definicji, którą wypracowałem przez lata, kiedy miałem do czynienia z klientami, którzy nigdy nie mogli ukończyć utworu. Kiedy pokazałem im tę definicję, "niekończąca się choroba mieszana" została wyleczona!
Definicja utworu skończonego: "Brak emocjonalnych słabych ogniw dla słuchacza, od pierwszej nuty, do ostatniej chwili ciszy."
A mówiąc o ostatniej chwili ciszy, możesz włączyć telefon z powrotem i wrócić do swojego domowego studia!
Powodzenia!
Gary Gray jest członkiem Grammy Recording Academy z prawem głosu; dwukrotnym laureatem Telly'ego - producentem, aranżerem, inżynierem miksowania i opanowywania; autorem Biblii The Home Studio oraz twórcą internetowego Masterclass. The Lucrative Home Studio.
Tags: daw inżynieria z udziałem licencjonowanie mastering normalizacja produkcja licencjonowanie synchronizacji