[Uwaga redaktora: Ten artykuł jest pierwszym z dwuczęściowej serii napisanej przez Gary'ego Graya. ]
Kiedy po raz pierwszy zacząłem uczyć się miksować, raz za razem mówiono mi, że muszę pracować nad tym, aby moje miksy brzmiały świetnie w każdym systemie dźwiękowym. Do dziś widzę, że cel ten jest poszukiwany przez wielu artystów, producentów i inżynierów. Widzę również, że jest on powszechnie nauczany. Jeśli jednak cofniesz się i spojrzysz na to, co ten cel stara się osiągnąć, możesz odkryć coś bardzo interesującego.
"Ale moje ulubione nagrania brzmią świetnie w każdym systemie!"
Często słyszę powyższą reakcję na moje stwierdzenie: "Próba, aby twoje miksy brzmiały wspaniale w każdym systemie rzeczywiście przeczy zdrowemu rozsądkowi". A potem często słyszę też coś takiego: "Słuchajcie Bohemian Rhapsody, jednego z moich ulubionych nagrań wszech czasów". Nie wiem jak oni to zrobili, ale miks brzmi niesamowicie w każdym systemie, w którym go gram!"
Moja odpowiedź? "Doceniam twój entuzjazm! Teraz posłuchajmy uważnie i zobaczmy, co się dzieje."
Gramy ten utwór jako pierwsi w świetnym systemie. Miks brzmi niesamowicie. Potem gramy go w laptopie i większość basu zniknęła. Odtwarzamy go przez smartfon i wysokie tony są super zaakcentowane, a niskie już zniknęły.
Dlaczego więc ten człowiek nadal twierdzi, że ten mix i wszystkie jego ulubione miksy brzmią świetnie w każdym systemie?
Bazując na 30 latach pracy jako muzyk na żywo/studio (a także jako producent/inżynier i mentor), zauważyłem coś bardzo mocnego w muzyce. Nie o dźwięk - o muzyka.
Pewnym sposobem na to, aby Twój miks brzmiał imponująco jest wymieszanie imponującej piosenki lub kompozycji, szczególnie z imponującymi wykonawcami i śpiewakami. Siła piosenki lub kompozycji oraz sami wykonawcy tworzą wrażenia słuchowe, które wykraczają poza brzmienie nagrania.
Świetny utwór lub kompozycja instrumentalna prezentowana przez świetnych wykonawców wywrze na słuchacza tak duży wpływ emocjonalny, że słuchacz "usłyszy" świetny miks bez względu na sposób odtwarzania (telefon, laptop, telewizor, studio, itp.). Nazywam to zjawiskiem "gasnącego radia".
To idzie tak: Słuchasz radia w swoim samochodzie. Wyjeżdżasz z miasta. W miarę jak oddalasz się od domu, sygnał z radia staje się coraz słabszy, a odgłosy statyczne stają się coraz bardziej wyraźne. Ale ty słuchasz jednego ze swoich ulubionych nagrań. Czy wyłączasz stację radiową tylko dlatego, że podczas słuchania jednego z ulubionych utworów wzrasta poziom szumu statycznego? Nie! Słuchasz dalej. Niektórzy ludzie wciąż słuchają, śpiewają razem, aż do momentu, gdy nie ma prawie żadnej piosenki i prawie wszystkich statycznych dźwięków!
Widzisz tu główną siłę napędową? To The Music and The Performance, a nie prezentacja.
Goniąc za ogonem
Przyjrzyjmy się temu, co jest obecnie powszechnie nauczane, i to od lat. "Oto jak sprawić, by twój mix brzmiał świetnie w każdym systemie. Zróbcie 1, 2, 3, 4 i 5 i powinno być dobrze." Oto aktualny przykład (a jest go mnóstwo!), który znalazłem za pomocą pobieżnego wyszukiwania:
"Słyszysz płytę zmiksowaną przez badassowego miksera i opanowaną przez wojownika ninja [mastering engineer] - i wszędzie brzmi ona dobrze. Czy to magia? Nie. Okazuje się, że przedsięwzięli środki i nauczyli się technik, aby upewnić się, że tak właśnie jest odtwarzana płyta. I mam zamiar ci powiedzieć, jak to zrobić!"
Więc dalej czytam, żeby dowiedzieć się, jak to zrobić.
Mam pięć sposobów na osiągnięcie celu, aby mój mix brzmiał świetnie w każdym systemie. Instrukcje zawierają takie rzeczy jak ulepszyć mój pokój, uzyskać lepsze głośniki, lepiej poznać mój system, zawęzić zakres częstotliwości podczas miksowania, uważnie słuchać wszystkich systemów odtwarzania, aby dowiedzieć się, które pasma częstotliwości odjąć.
Takie podejście nie jest rzadkością. W rzeczywistości istnieje o wiele więcej niż pięć technik, które rzekomo zostały zaprojektowane, aby pomóc Ci uczynić Twoje miksy brzmią świetnie w każdym systemie.
Oto główny problem: Jak mogę sprawić, aby mój miks brzmiał świetnie w każdym systemie, kiedy każdy system nie jest świetny?
Próba zrobienia tego jest jak próba namalowania obrazu, który będzie wyglądał świetnie dla każdego widza, niezależnie od koloru okularów słonecznych, które ma na sobie.
Pomyślcie o tym przez chwilę.
Tu jest mój obraz:
A oto jak wygląda mój obraz, jeśli ktoś ma na sobie fioletowe okulary przeciwsłoneczne (byłoby to jak słuchanie mojej mieszanki przez drugi, inny system):
A oto jak wygląda mój obraz, jeśli ktoś ma na sobie żółte okulary przeciwsłoneczne (byłoby to jak słuchanie mojego miksa przez trzeci system):
Widzisz, co tu się dzieje? Gdybym był malarzem i czytał artykuł lub oglądał tutorial, który próbował nauczyć mnie, jak sprawić, by mój obraz wyglądał wspaniale przez dowolny kolor okularów słonecznych, skończyłbym goniąc za ogonem i skończyłbym zdezorientowany i sfrustrowany! A mój obraz prawdopodobnie skończyłby się na gorszym! I wiecie co? Tak się czułam, i tak się stało po trzech latach mieszania. Nazwałem te moje lata "prób i terroru".
Mój nauczyciel powiedziałby: "Dobrze, jak na razie twój obraz wygląda dobrze". Teraz zobaczmy, jak by to wyglądało, gdyby ktoś nosił fioletowe okulary słoneczne. OK, załóż te fioletowe okulary słoneczne. Teraz, weź swój pędzel do malowania i z założonymi fioletowymi okularami słonecznymi, chcę, żebyś je dopasował tak, żeby wyglądały świetnie. OK, dobrze. Załóż te żółte okulary słoneczne i spraw, by twój obraz wyglądał świetnie w tych okularach. Dobrze. Teraz zdejmijcie okulary i upewnijcie się, że wasz obraz nadal wygląda świetnie."
Moja odpowiedź byłaby czymś takim: "Ahhhhhh!! Gonię mój ogon!"
Gdybyś spróbował nakłonić malarza do pracy w ten sposób, nie poszedłby do ciebie po radę w przyszłości. A jednak jest to odpowiednik tego, czego powszechnie uczą się artyści muzyczni, producenci i inżynierowie.
Dlaczego niektórzy artyści muzyczni, producenci i inżynierowie stosują się do rad, które nie są zgodne ze zdrowym rozsądkiem? Odpowiedź leży w tym, że mamy do czynienia z niewidzialną, subiektywną formą sztuki. Malarstwo jest czymś, na co można spojrzeć obiektywnie, zobaczyć i podzielić się tym, co się widzi, zadając niewielkie pytanie lub interpretując to, co się widzi na własne oczy. Wzrok to coś, co nie jest otwarte na tyle opinii i interpretacji, ile na niewidzialność dźwięku.
Więc jeśli dążenie do tego, aby twoje miksy brzmiały świetnie w każdym systemie, nie jest celem, który ma sens, to czym jest?
Konsekwentne Tworzenie Standardowych Nagrań Branżowych
To jest cel, który ma sens.
OK. Jak mam to zrobić?
Zastrzeżenie: Kilka lat temu postanowiłem nie przedłużać już umów ze sponsorami związanymi z produkcją muzyczną. Wraz z komponowaniem, produkcją i inżynierią - mentoring to coś, co spędzam dużo czasu. Uważam, że mentoring jest działaniem o bardzo wysokim poziomie odpowiedzialności. W przeszłości, podczas mentoringu, robienia podcastów, wywiadów, pisania artykułów, "wychylałem się" w ten czy inny sposób, opierając się na moich relacjach ze sponsorami.
Od momentu zakończenia wszystkich sponsorów, jestem w stanie przejść od razu do prawdy o różnych aspektach produkcji muzycznej, opartej na tysiącach godzin bezstronnych badań, bez zmiany kierunku, w którym zmierzam, aby dostosować się do relacji ze sponsorami. Okazało się to być jednym z najmądrzejszych posunięć, jakie kiedykolwiek wykonałem jako mentor. Od tego momentu jeszcze większy odsetek moich studentów odnosił trwałe sukcesy w przemyśle muzycznym.
Jak ja to opisuję, istnieją [choć niekoniecznie świadomie lub celowo] "pralki mózgów" i "mitotwórcy" przekazujący nieprawdziwe i niewykonalne informacje muzykom indie, producentom i inżynierom. Wiele z nich zalicza się do kategorii "potrzebujesz tego sprzętu/wtyczki, albo twoje miksy będą do bani" lub "Jeśli chcesz pro-brzmiących miksów, musisz przestrzegać tej dokładnej formuły".
Jak już wspomniałem w moim internetowym kursie mistrzowskim The Lucrative Home Studio, przekonasz się, że ulepszenie ucha, a nie sprzętu jako priorytetu, pozwoli Ci znacznie szybciej i wyżej awansować w rankingach w przemyśle muzycznym. I następujące formuły na oślep, bez robienia własnych badań, eksperymentów i słuchania zamienią cię w robota bardziej niż pewnego siebie artystę i technika.
Ponieważ muzyka jest niewidzialną, subiektywną formą sztuki, bardziej otwartą na opinie niż wiele innych dyscyplin, muzycy są skłonni bez wątpienia wierzyć w "autorytety". Kiedy tak się dzieje, czasem trudno jest "rozmyć" ucznia.
Dobra wiadomość jest taka: nie tylko można uczyć prawdy, ale znalazłem na to sposoby, które są dość skuteczne. Dwa główne źródła "tworzenia mitów" i "prania mózgu" pochodzą od niekompetentnych lub złośliwych handlowców (bardzo mały procent naszej społeczności), a także od tych, którzy kierują się statusem, nie mając czasu na robienie odpowiednich badań ani zainteresowania ich prowadzeniem.
Ten artykuł jest oparty na 5 800 godzinach badań nad różnicami i podobieństwami pomiędzy cyfrowym i analogowym zapisem, miksowaniem i masteringiem, które przeprowadziłem w Springs Theatre Studio w Tampa na Florydzie.
Ponownie, dlaczego malarz miałby natychmiast odejść od bardzo podobnego podejścia do swojej sztuki, które muzycy chętnie akceptują i próbują zaakceptować? Jak zaznaczyłem, muzyka i dźwięk to niewidoczne subiektywne formy sztuki. Dlatego każda wypowiedź kogoś, kto uczy lub mentoringuje, ma ogromną wagę i wiąże się z ogromną odpowiedzialnością.
W miniony weekend zostałem poproszony o przyłączenie się do panelu ekspertów z branży na "Music in Film & TV Summit". Panel ten składał się z ludzi, którzy tworzą niesamowite nagrania. Obecni na nim ludzie, jak to często bywa, usłyszeli kilka sprzecznych informacji. Nie tylko różne punkty widzenia, mówię o sprzecznych informacjach.
Problem polega na tym, że nie każdy, kto może to zrobić, może skutecznie uczyć. Kilku moich studentów było na widowni. Ucieszyło mnie spojrzenie na twarzach moich studentów, kiedy niektóre "mity" zostały autorytatywnie przywołane ze sceny przez niektórych panelistów. Nie dlatego, że jestem "autorytetem", ani dlatego, że moi studenci wierzą we wszystko, co mówię. To dlatego, że uczę moich studentów, aby stali się najlepszymi badaczami, jakich mogą. Aby stać się najlepszymi artystami i rzemieślnikami, jakich mogą. Aby nie polegać na żadnym "autorytecie" i stać się autorytetem numer jeden w swojej muzyce.
Wielcy artyści i rzemieślnicy podwijają rękawy i uczą się uważnie i wykonują wszystkie niezbędne prace, aby stworzyć poczucie pewności siebie, którego nikt nie może złamać. Że nikt nie może pękać. Że nikt nie może upaść. Nie "mikrofalują" swoich studiów, swojej kariery i życia. To wymaga dużo krwi, potu, łez i godzin eksperymentowania. Tajemnicą jest posiadanie praktycznych filozofii i materiałów do nauki oraz odpowiednich nauczycieli i mentorów, którzy będą cię prowadzić.
Jak konsekwentnie tworzyć standardowe nagrania branżowe
Absolutnie sprawdzam swoje nagrania w kilku systemach, ale sposób, w jaki to robię, jest zgodny z tym, co nazywam Ukrytą Prostą Mądrością (Hidden Simple Wisdom). Jest to bardziej skoncentrowana forma zdrowego rozsądku, częściowo dlatego, że niekoniecznie jest ona powszechna.
Trójkąt Ukrytej Prostej Mądrości dla Muzyków
Oto moja rekomendowana recepta na konsekwentne tworzenie standardowych nagrań branżowych, z wykorzystaniem The Triangle of Hidden Simple Wisdom.
1. Ty, czynnik ludzki i twoja publiczność.
"Ty". Pierwszą rzeczą do której należy się zwrócić to ty. Obejmuje to twoją zdolność słyszenia (którą obszernie omawiam w The Lucrative Home Studio). Jednym z tych ćwiczeń podzielę się w części drugiej tego artykułu.
Kiedy już wyostrzysz ucho, będziesz wiedział, czego słuchać i bez wątpienia będziesz wiedział, jak brzmi standardowa produkcja przemysłowa.
"Ty" obejmuje twoje wykształcenie i doświadczenie z muzyką i dźwiękiem. Obejmuje ono podstawowe elementy składowe muzyki: teorię muzyki. Zauważysz, że umieszczam teorię muzyki na szczycie trójkąta pod hasłem "Ty". Nie wymieniam jej w rubryce "Narzędzia naukowe", choć niektórzy umieszczają ją w tej kategorii. Teoria Muzyki, po zinternalizowaniu do tego stopnia, że jest drugą naturą, gdzie jest częścią ciebie, pomoże ci zbudować niewzruszoną fortecę zaufania do wszystkiego, co robisz.
"Czynnik ludzki". W ten sposób przedstawiasz siebie i współdziałasz z innymi w branży. Nauka o "Narzędziach naukowych", a nawet wykorzystanie siebie jako artysty, to często tylko 2/3 pełnej formuły sukcesu. Czynnik ludzki" obejmuje Twoją chęć i zdolność do pomocy drugiemu człowiekowi, do bycia świetnym graczem zespołowym, do utrzymywania zwięzłej, pomocnej i pozytywnej komunikacji w kontaktach z innymi.
Obejmuje to, wierzcie lub nie, trenowanie życia. Odkryłem, że jeśli dana osoba nie zwraca się do life-coachingu z mentorem lub trenerem lub nawet sam na sam ze sobą, to pełny potencjał tej osoby, z którą się spotyka, jest mało prawdopodobny. Życie jest wystarczająco brutalne bez decyzji o stworzeniu jakiejś formy sukcesu w branży muzycznej. Jeśli dana osoba nie ma silnych fundamentów osobistych, napotkane burze mogą być ogromnymi komplikacjami.
Wasza widownia. Nazywam waszą publiczność ostatnią i najważniejszą wtyczką w waszym łańcuchu miksowania. Jeśli nie rozumiesz tej wtyczki i tego, jak ona reaguje, co sprawia, że działa płynnie i co powoduje, że się zniekształca, prawdopodobnie czeka Cię ciężka jazda. Na pewno nie ma nic złego w tworzeniu sztuki dla siebie i bez zastanowienia się nad publicznością. Na pewno jest na to miejsce. Ale temat, i głównym celem tego artykułu jest tworzenie sztuki, która dociera do ludzi, która porusza ludzi, że ludzie mogą odnosić się do i czuć i być poruszane przez.
2. Narzędzia naukowe
Ten róg trójkąta zajmuje się twoim D.A.W. i zna go jak tył twojej ręki. Obejmuje on również znajomość standardu kontroli jakości stosowanego w wielu innych gałęziach przemysłu, znanego jako "Metoda Naukowa", oraz to, jak rewolucyjne podejście do A/B'ing, które opracowałem, dokładnie odpowiada tej metodzie. Odgrywa ona ogromną rolę w pozbyciu się drugiego zgadywania i pomoże Ci zatrzymać jazdę roller-coasterem, kiedy pewnego dnia poczujesz się pewnie, a następnego nie będziesz mógł nic zrobić.
W części drugiej tej serii omówię bardzo dokładnie "Metodę naukową" wraz z konkretnymi szczegółami dotyczącymi tego, jakich narzędzi można użyć, jakie podejścia i procesy robocze można wypróbować i jakie sekwencje można śledzić, aby konsekwentnie tworzyć standardowe nagrania branżowe.
3. Eksperymenty artystyczne
Łatwo jest stracić z oczu to, dlaczego robimy to, co robimy w pierwszej kolejności! Aby tworzyć sztukę! Aby rozkoszować się kreatywnością i podróżą artysty wewnątrz każdego z nas. Sama znajomość narzędzi i nauki stojącej za tym, co robimy, nie wystarczy. Tak naprawdę, to tylko część tego, co jest potrzebne, aby tworzyć wielką sztukę. Badania i eksperymenty są cechą charakterystyczną wszystkich wielkich artystów.
Jedną z fascynujących rzeczy w "eksperymencie artystycznym" jest to, że nie można go nauczyć. Trzeba się jej nauczyć. To bardzo osobista rzecz. Próba nauczenia kogoś "jak robić swoją sztukę" zabija artystyczny popęd i pasję w artyście. Niestety, niektóre uczelnie tak właśnie robią. Mam kilku studentów, którzy przychodzą do mnie, aby zostać "zrehabilitowanym" po latach, kiedy mówi się im, jak mają robić swoją sztukę!
Tak więc, przy zrozumieniu powyższej filozofii oraz podstawowych elementów składowych konsekwentnego tworzenia standardowych nagrań branżowych, zakasajmy rękawy i przyjrzyjmy się, jak dokładnie ten cel może zostać osiągnięty.
(Bądźcie na bieżąco z częścią drugą tej serii, w której Gary omówi konkretne techniki, których możecie użyć, aby upewnić się, że wasze mieszanki osiągają stałą, standardową w branży jakość produkcji, z unikalnej i otwierającej uszy perspektywy!)
Gary Gray jest nauczycielem stojącym za kursem online Lucrative Home Studio. Jest nagradzany kompozytor, producent i inżynier, i wyprodukował wiele projektów dla 20th Century Fox, Disney, Hollywood Records, A&E, EMI, CBS i wiele innych w swoim domowym studio.
Tags: featuring standard przemysłowy mieszanki mieszanie soundsystem