[Uwaga redaktora: Ten artykuł został napisany przez Sirma Munyara i jest drugim w trzyczęściowej serii. Koniecznie sprawdź część pierwszą i pozostań przy części trzeciej! ]
W pierwszej części serii zaproponowałem kilka wskazówek na temat tego, jak można rozpocząć proces demo-making w zaciszu własnego domu.
W tym artykule opiszę, w jaki sposób powinniście podchodzić do aranżacji swoich piosenek i edycji swoich produkcji.
1) Zrozumienie podstaw MIDI jest ważne, ponieważ instrumenty programowe są niezbędne do każdej produkcji domowej.
Przy tak wielu samplowanych prawdziwych instrumentach prezentowanych w formie wirtualnej, wielu producentów, w tym kompozytorów filmowych, zwraca się do MIDI w celu przełożenia swojej wizji na rzeczywistość.
Skrót MIDI oznacza "Musical Instrument Digital Interface". Jako taki, jest to uniwersalny język, który DAW na całym świecie może przetwarzać.
Za pomocą notatek MIDI można wyzwolić prawie każdą łatę instrumentu programowego, jaką można sobie wyobrazić. Melodia nagrana przy użyciu wirtualnego pianina może być odtwarzana przez skrzypce, całą grupę smyczków lub nawet instrument z Bliskiego Wschodu.
Wielu profesjonalnych producentów nie potrafi grać na jednym instrumencie. Niektórzy z nich zapisują ołówkiem nuty MIDI na rolce pianina i przeciągają je do momentu, gdy kompozycja zabrzmi dobrze. Czemu nie miałbyś?
2) Nie musisz uczyć się czytać muzyki, ale nauczyć się korzystać z rolki pianina.
Rolka pianina w Twoim DAW jest magicznym miejscem, gdzie możesz z łatwością manipulować każdą nutą MIDI.
Dla tych, którzy nie czytają muzyki, przygotowano świetny wyświetlacz: fortepian po lewej stronie okna wygodnie pokazujący, które nuty są odtwarzane w trakcie nagrywania lub edycji.
3) Jeśli Twoja cyfrowa stacja robocza audio (DAW) posiada znaczniki, użyj ich do mapowania struktury utworów.
Za każdym razem, gdy jestem w trakcie pisania i jednoczesnej produkcji piosenki, sięgam po znaczniki w moim DAW, Logic Pro X. Dlaczego? Ponieważ oglądanie całości, gdy tylko mam w ręku kilka sekcji, zwiększa efektywność mojego procesu.
Powiedzmy, że masz już werset i chór. Możesz wtedy podjąć decyzję, czy chcesz intro, czy nie. Ile taktów będzie intro? Prawdopodobnie będziesz chciał dodać kolejny werset po pierwszym chórze, a szanse są takie, że będziesz chciał, aby był on tak długi jak pierwszy werset. Po nim będzie drugi chór i ewentualnie mostek. W trakcie mapowania utworu od razu zauważysz, że proces pisania staje się mniej zastraszający. Teraz musisz tylko wypełnić puste miejsca.
Ta strategia pomoże Ci również łatwo zobaczyć i usłyszeć, które sekcje powinny się powtórzyć w Twoich piosenkach. Na przykład, nawet jeśli zakończysz rewizję aranżacji, użycie tego samego instrumentu za każdym razem, gdy chór powtarza się, jest dobrym punktem wyjścia.
4) Jeśli chodzi o oprzyrządowanie, należy zacząć od małych następnie iść na całość.
W większości przypadków, piosenki, które są w pełni wyprodukowane, zazwyczaj mają co najmniej perkusję, bas, klawisze/syntezatory i/lub gitarę i wokal. Jeśli chodzi o ballady, wielu aranżerów preferuje pracę z instrumentami orkiestrowymi, takimi jak smyczki i dęte drewniane.
Jeśli chodzi o eksperymentowanie z oprzyrządowaniem, niebo jest granicą. Ale bycie świadomym standardów pomoże ci szybciej się tam dostać.
Aby rozpocząć, utworzyć utwory w sesji dla instrumentów, które masz na myśli i albo odtwarzać je na kontrolerze MIDI lub przeglądać biblioteki pętli, aby znaleźć wstępnie nagrane części, które pasują do piosenki. Im bardziej pusta sesja wygląda, tym bardziej zniechęcający będzie proces aranżacji.
5) Nie krępuj się korzystać z bibliotek pętli i próbek.
Apple oferuje szeroki wybór pętli i jednego ujęcia. Istnieje tak wiele przykładowych pakietów oferowanych przez witryny takie jak Splice, LANDR i Loopcloud. Output's Arcade jest uwielbiany przez wielu producentów, zarówno początkujących jak i zaawansowanych.
Pętle i próbki mają złą reputację, ale w rzeczywistości każdy z nich używa ich w tym momencie. Do ciebie należy przeprojektowanie, zmontowanie i obrócenie ich we własnym zakresie.
6) Jeśli nie możesz znaleźć lub wydobywać dźwięków, które lubisz, spróbuj rozłożyć je na warstwy.
Nie musisz wydawać fortuny na najbardziej niesamowicie brzmiące wirtualne instrumenty na świecie. Istnieje wiele opcji, z którymi możesz pracować za darmo. Jedną z najlepszych z tych opcji, szczególnie dla osób, które kochają ambient i dźwięki orkiestrowe, jest kolekcja LABS Spitfire Audio, która jest stale aktualizowana o nowe instrumenty.
Kiedy dźwięk lub instrument nie do końca działa dla Ciebie, po prostu zmieszaj go z innymi. Skopiuj i wklej notatki MIDI na kilka innych ścieżek i kontynuuj odsłuchiwanie wszystkich rodzajów różnych instrumentów. Mieszaj je razem, aż do momentu, w którym osiągniesz taką mieszankę, jaką lubisz.
7) Jeśli jesteś nowy w produkcji muzycznej, pracuj z presetami i wtyczkami multi-effectów, aby uczyć się poprzez działanie.
W wielu DAW-ach prawie wszystkie efekty audio i MIDI mają wbudowane presety. Co więcej, można uzyskać wtyczki innych producentów, które oferują jeszcze szerszy wybór presetów.
Na przykład, moduł miksujący iZotope Neutron oferuje producentom kilka świetnych punktów wyjścia na każdym poziomie. Jedną z zalet miksowania z wtyczką multi-effects, taką jak Neutron, jest to, że stanowi on kompleksowe rozwiązanie.
Kolejny moduł Multi-Effects iZotope, Nectar 3, jest jeszcze bardziej ukochany - i to nie bez powodu. Zaprojektowany do przetwarzania wokalu, ma wszystko, czego potrzebujesz, od standardowych narzędzi mikserskich, w tym efekty oparte na czasie, takie jak pogłos i opóźnienie, po korekcję wysokości dźwięku i harmonizator.
SIRMA jest niezależną piosenkarką, autorką tekstów i producentką. Jest twórcą Nowoczesna popowa produkcja wokalna Kurs na Soundfly i posiada dyplom Berklee College of Music.