Na final da nossa série de entrevistas de gestão de artistas, conversamos com o veterinário da indústria musical Paul Steele, fundador e CEO da Good Time, Inc. Paul trabalha com artistas em alguma capacidade há cerca de 15 anos, molhando os pés na faculdade. Gerência de gestão para Drew Holcomb & the Neighbors, Judah and the Lion, Ellie Holcomb e Kris Allen, Good Time Inc. atua como uma empresa de gestão, serviços de etiqueta e marketing.
Conosco Paul discutiu como ele se envolveu como representante da Aware Records, a importância de manter uma "mentalidade de hobby" na indústria musical, e por que ser uma boa pessoa nos negócios pode ir muito longe.
Há quanto tempo você está na gestão de artistas e como a forma como uma relação de gestão/artista começou a mudar nos últimos 5-10 anos?
Faço isto desde cerca de 2000. Comecei na faculdade quando estava na TCU em Ft. Worth. Eu tinha a minha própria empresa, e depois enrolei isso com duas outras empresas, formando a Trivate Entertainment em 2005. Eu comecei a Good Time Inc. em 2011.
A relação é sempre um pouco fluente. Depende de onde o artista está em sua carreira quando você começa com eles. Quando você começa com um artista mais jovem, eles são um pouco mais arregalados, então você está ajudando a ter visões, e você está fazendo muito mais por eles porque eles estão apenas começando. Enquanto que se você estiver trabalhando com um artista mais estabelecido, eles podem já ter trabalhado com outros gerentes; então há uma descrição de trabalho diferente. Sim, o relacionamento mudou com o tempo, mas também é realmente relativo ao lugar onde o artista está em sua carreira.
A gestão é como o casamento. Se você trabalha com alguém que teve um casal de gerentes, você está realmente trabalhando com alguém que já passou por um casal de divórcios. O melhor gerente é como o "chefe de pessoal" do artista.
Como você começou como gerente artístico?
Foi um acidente completo. Como caloiro na faculdade eu estava em pré-direito; um curso de filosofia com um menor de psicologia. Nessa altura, Napster tinha acabado de sair e eu estava a descobrir uma tonelada de música. MySpace ainda nem sequer era uma história, muito menos uma ideia. Não havia muitos caminhos para além das palavras, Napster, Morpheus e KaZaA. Para mim, a faculdade foi um ótimo momento para descobrir novos interesses, como eu acho que é para muitos, e havia algumas pessoas fazendo música pela cidade. Eu gostava de promover as coisas, por isso, ao lado, ajudei a montar alguns shows.
Eu era o boneco musical da minha mãe quando era criança - ela pensava que eu ia ser o presente de Deus para o mundo e eu não era. Eu era um péssimo músico. Eu realmente gostava da forma como se sentia ao ouvir música e de alguma forma comecei a promover mais shows e bandas. Eu também ouvia muito a estação de rádio da faculdade e me lembro quando o primeiro single do I Train, "Meet Virginia", apareceu.
Eles eram uma pequena banda sem nome de São Francisco, em uma pequena gravadora de Chicago. Descobri isso indo à loja de discos e vendo a Aware Records na parte de trás dela, e acabei sendo um representante da Aware por alguns anos, (uma das únicas no Texas). Dentro desse período de dois anos eles assinaram John Mayer, Five for Fighting, passando de uma gravadora de cinco pessoas de Evanston, IL para uma casa de força com um acordo de upstream com a Columbia. Foi o que realmente fez com que eles (a equipe da Aware Records) se tornassem meus mentores. Eu estava aprendendo muito com a Aware, pensei que sabia uma tonelada, e a cada seis meses eu percebia que não sabia de nada. Eu só continuava a encontrar bandas para trabalhar. Eu desisti da escola algumas vezes, fui em turnê, trabalhei de graça com alguns gerentes - eu meio que fazia qualquer coisa que podia fazer para trabalhar no ramo musical. A faculdade é um cartão de saída da prisão para fazer coisas estúpidas e (na maioria das vezes) não ter que arruinar sua vida.
Naqueles anos, o que se destacou como lições chave que você aprendeu como gerente artístico?
Provavelmente o maior takeaway, que me foi transmitido por um mentor, que é tratar todos que se encontram nesta indústria com o maior respeito possível; porque nunca se sabe se se pode estar a trabalhar com eles. Muito desse negócio é sorte, e você não sabe quando a sorte vai atingir alguém. Nunca condescenda alguém porque você se sente melhor ou mais poderoso do que ele. Você realmente nunca sabe para onde as coisas vão levá-los... ou você - você pode precisar de um favor deles em alguns anos!
Segundo, mais ou menos sob a mesma luz, ser uma pessoa. Muito deste negócio é transacional - perguntar a alguém como vai o seu dia. Os idiotas já não ganham tanto quanto ganhavam antes. Você vai se sentir melhor consigo mesmo no final do dia e você pode sair mais dessa relação porque eles gostam de você.
Três é o negócio da música é um hobby em que as pessoas ganham dinheiro em vários momentos de suas vidas. Estamos a tentar fazer dinheiro com arte, e isso nunca se perde em mim. As pessoas com quem trabalho, estou muito grato por trabalhar com elas, mas esta é uma indústria muito volátil. Sempre que isto se torna algo que eu não gosto, posso ir embora. Estou feliz por ser pago e estar a pagar a várias pessoas por um passatempo. A indústria do entretenimento contribui com menos de 1% para o PIB de toda a América. Faz isto porque adoras fazer isto e vais trabalhar o teu rabo. Não espere que isto seja um trabalho normal. A única maneira de fazer isso é se você fizer tudo e qualquer coisa que você possa fazer.
Em suas experiências, quais são alguns dos maiores equívocos sobre o(s) papel(s) de um gerente artístico?
A gestão é, de longe, o pior trabalho no negócio da música. A razão porque digo isto é porque é o único trabalho que não tem linhas claras de definição. Quando você assina com uma agência de reservas, você sabe exatamente o que está recebendo. Eles te conseguem shows, te colocam em turnês, e te colocam em festivais e oportunidades de ingressos suaves. Quando você assina com uma gravadora, eles recebem um disco pago, gravado e distribuído. Publicistas - você está contratando alguém para lhe dar críticas, em blogs, (espero que em programas de TV) - você sabe para o que está contratando.
A gestão é o centro das atenções. E ninguém é bom em tudo. Há pessoas que se especializam em todo o tipo de coisas. Temos uma equipa de seis pessoas e eles só trabalham com quatro artistas. A gerência é provavelmente 75% do total de 11 pessoas que trabalham. E nós somos uma empresa de gestão de tamanho decente para a nossa lista. Você pode fazer 10 grandes coisas pela carreira de um artista, mas se você não conseguiu uma coisa que eles queriam, você pode ser demitido. Espera-se que os gerentes ajudem com a imprensa, reservas e serviços de etiqueta agora. Finalmente decidimos que, se vamos fazer estas coisas, devemos criar empresas para estas coisas. Não queríamos ser uma empresa de marketing.
É apenas engraçado. As pessoas esperam o mundo, e ninguém pode fazer isso.
Explicar a importância de gerir as expectativas de um artista quando se trata de obter os resultados desejados de um determinado objectivo de carreira.
Estamos fazendo o melhor trabalho que podemos, e a única maneira de fazer isso é conhecer as expectativas dos clientes. A cada seis meses temos os nossos artistas a estabelecer objectivos. Fazemos metas para seis meses, um ano e uma "lista de sonhos". Com quem você quer fazer uma turnê? Você quer aparecer na TV? Que tipo de programas? Isto dá-me a oportunidade de dizer: "Bem, isso não está a acontecer." Ou, "Isso é uma boa ideia." Ninguém devia estar a trabalhar mais do que o artista. Ter objectivos que possam ser revisitados todos os meses e verificados é importante.
Muitos gerentes acham que encontraram este talento incrível. Eu vejo pessoas talentosas por todo o lado a caminho do trabalho todos os dias. Se eles não têm a ética de trabalho certa, não podem cortá-la. As pessoas tendem a esquecer que isto é um trabalho.
Alguns artistas continuam concentrados em permanecer 'independentes'. Que componentes são fundamentais para este objectivo e o que podem os gestores fazer para manter esta identidade?
Acho que depende do artista e onde eles estão na sua carreira. Drew Holcomb e os vizinhos são ferozmente independentes, mas estão dez anos na sua carreira e já estiveram em etiquetas antes. Para um cara como Drew que não é obrigado a radio, ele provavelmente permanecerá independente. Sua esposa, Ellie, é um nicho e tivemos sucesso na rádio, mas ela provavelmente permanecerá independente.
Queremos fazer o que o artista sente que é melhor para o que eles querem realizar. Temos artistas que querem ser independentes, e temos artistas que poderiam se beneficiar de um selo se o cenário estivesse correto. Não precisamos de uma etiqueta para todos com quem trabalhamos, mas não acho que as etiquetas sejam más. Há muitas etiquetas excelentes por aí, independentes e majors - apenas em relação às necessidades do seu artista.
Quando vamos à rádio, não temos um Coldplay para aproveitar. Não há uma mentalidade de tamanho único para cada artista por aí. Para citar Drew Holcomb: "É a pior altura de sempre para fazer uma matança no mundo da música. É a melhor altura de sempre para ganhar a vida." Há mais artistas independentes por aí a pagar as suas contas com a sua música do que alguma vez houve na história, e isso é óptimo.
No caso de lhe ser apresentado um acordo de etiqueta para um artista em 2015, que factores é que a equipa de artistas/gestores tem de ter em consideração?
Mais uma vez acho que depende do tipo de música que se faz. A realidade é que você provavelmente nunca vai recuperar os discos se fizer um grande negócio. Da minha perspectiva, quero uma garantia de que vai haver dinheiro gasto em promoções.
O termo é muito importante para mim também. Se as coisas correrem mal, não quero que o artista fique preso em uma gravadora sem opção de fazer outro disco. Desde que o meu artista esteja em uma posição em que eles vão ser promovidos e possam criar continuamente, isso é um grande negócio para mim.
Muitos dos tipos da A&R com quem você pode assinar, são uma empresa diferente quando um álbum sai. Se o rapaz/rapariga que te leva à porta sai da editora, estás potencialmente lixado. É difícil confiar na relação com a gravadora porque a relação é volátil, (menos com gravadoras independentes). A única razão pela qual eu assinaria alguém é se for uma etiqueta importante, é se ele quiser ser realmente famoso. É quase impossível alcançar a ubiqüidade como um indie.
Você se envolve na parte de licenciamento e publicação da carreira dos seus artistas?
Tentamos ser um proprietário sem direitos de autor. Consideramo-nos uma verdadeira empresa de serviços. Em vez disso, ajudamos a servir, distribuímos e comercializamos/promotivar registos, e depois somos pagos um pouco mais para fazer essas coisas em vez de as possuirmos. Nós preferimos ser pagos pelo nosso trabalho e pelo nosso trabalho do que receber uma reivindicação de direitos autorais. Tecnicamente falando, isso pode ser um mau negócio, mas acho que é o negócio certo. Prefiro trabalhar para alguém durante 20 anos e nunca ter nada estragado do que ter os direitos autorais - e isso é uma mentalidade de hobby. Eu quero que os artistas ganhem, e é por isso que entrei na gerência.
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