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[Nota do editor: Este artigo foi escrito por Gary Gray. ATUALIZAÇÃO: Leia a parte dois aqui! ]

A História (e o Mistério) do domínio do Laid Bare

As famosas "Loudness Wars" estão, na sua maioria, agora terminadas.

Por mais de 30 anos, gravadoras, artistas, produtores e engenheiros lutaram para criar gravações-mestras cada vez mais barulhentas. Parecia que quase todos estavam perseguindo a idéia (falsa como se vê) de que quanto mais alto o master final, maior o número de vendas, downloads e/ou streams. (Não existe tal correlação).

É notável como algumas gravações comerciais foram dominadas durante a segunda metade deste período de tempo. Embora a qualidade de algumas dessas gravações esteja aberta ao debate, ninguém discorda que elas certamente foram extremamente barulhentas. À medida que as décadas avançavam, cada vez mais dessas gravações mais altas se aproximavam de uma eventualidade quase improvável - uma forma de onda plana de arquivo de áudio "tijolo", tão próxima de 0db (a "zona vermelha" da distorção) quanto possível, onde a dinâmica (ruídos e softs) se tornou o que alguns consideravam dinâmico...menos (apenas ruídos).

E justamente quando pensávamos que não podia ficar mais alto, vários artistas, produtores e engenheiros atravessaram a "zona vermelha" (acima de 0db, ou para a "zona vermelha" de recorte e distorção) de propósito. O som de distorção anteriormente "indesejada" tornou-se parte do som de vários gêneros. Esta abordagem teve sua origem nos anos 90 com bandas como Nirvana e Pearl Jam, e culminou em 2008 com o famoso (ou infame - dependendo de com quem você fala) álbum Death Magnetic by Metallica.

Quando o álbum foi lançado, foram apresentadas petições à gravadora, relatadas pela Rolling Stone Magazine, para que o álbum fosse remasterizado, pois era tão comprimido e limitado (para ser realmente alto) que a distorção audível podia ser claramente ouvida. A profunda, rica e pontiaguda faixa baixa, foi descrita por alguns críticos como "nem mesmo lá". Alguns críticos e alguns fãs denunciaram este álbum como sendo mal produzido e dominado. O próprio engenheiro de masterização, Ted Jensen, da Sterling Sound, distanciou-se do álbum após o seu lançamento, dizendo: "As mixagens já eram limitadas antes de chegarem" para masterização.

Como foi este álbum "mal produzido"?

A Death Magnetic ganhou três prémios Grammy. O produtor, Rick Rubin, ganhou um Grammy de Produtor do Ano, Não-Clássico. O álbum foi para o número 1 em muitos países. As vendas alcançaram um status impressionante de 2X Platinum nos EUA.

Mais uma vez, o debate sobre a qualidade inerente a estas gravações estará sempre aberto. Assim como a introdução do amplificador de guitarra eléctrica, especialmente em meados dos anos 50, teve as pessoas a debater apaixonadamente se este "novo som distorcido de guitarra" era musical - ou apenas ruído. O som de guitarras distorcidas, que alguns achavam que não era musical, muito alto e "errado", ajudou a formar vários gêneros de música.

Isso foi em 1955.

Vários fãs e críticos afirmaram que gravações musicais com "ruído" elétrico distorcido nunca venderiam. E ainda assim, muitas gravações com esse "barulho feio" não só venderam bem, como criaram a base de uma revolução cultural mundial que era a inveja da sua terra natal fundadora. Como Bruce Springsteen apontou, foi "Born In The U.S.A.". Avança rapidamente para o século XXI, e pode-se argumentar que a história está se repetindo mais uma vez.

A introdução de guitarras distorcidas nos anos 50 ou a prática de recortar e distorcer propositadamente as matrizes digitais em 2008 causou, por si só, um aumento das vendas de discos? Não. Magoaram as vendas de discos? Não. Então qual é o denominador comum das práticas de produção musical e, neste caso, especificamente as abordagens de masterização, que criam um sucesso fenomenal? Está sempre a aderir aos "padrões da indústria"? É arriscar um feedback de "produção pobre" por causa do ruído? Você provavelmente já sabe a resposta. Mas só para confirmar a sua sabedoria, continue lendo...

Para nós 'Indie Musician Home Studio Owners', quando tentámos fazer os nossos mestres tão alto como as gravações comerciais, o resultado foi muitas vezes pior do que pobre. A maioria de nós jogou as mãos no ar e disse: "Não pode ser feito". Não pode ser. Eu desisto." E mesmo assim, por amor à música, continuámos a tentar.

A boa notícia, tal como foi apresentada na declaração de abertura, é que "The Loudness Wars" está praticamente terminada, e a necessidade de continuar a empurrar cada vez mais alto o limiar do "Loudness" não está mais entre nós. 

Antes de mergulharmos no aspecto técnico da sonoridade e do domínio (Post-Loudness Wars), convido a vossa atenção em primeiro lugar, para a moral principal da nossa história. Ela pode ser resumida num comentário de uma única frase feito em 2008, o dia em que um típico fanático por música comprou o CD Death Magnetic do Metallica, e o ouviu pela primeira vez:

"A primeira música do álbum está horrivelmente distorcida, pela quinta não notei, pois a música era tão boa."

A esta altura, acho que já deves estar a começar a processar as ironias aqui. Vamos olhar para elas.

Como é que um álbum que recebeu petições de remasterização, e sobre o qual alguns fãs reclamaram ter sido "horrivelmente distorcido", pode valer ao produtor um Grammy - para Produtor do Ano?

Como pode um álbum com falhas de pós-produção acordadas alcançar resultados de vendas tão incríveis e elogios dos próprios críticos e fãs que se queixaram da produção?

E o que leva os fãs, que se queixam da "distorção horrível" da primeira música, a continuar a ouvir (e a amar) o álbum inteiro, uma e outra vez?

Resume-se à MÚSICA. As canções. As actuações.

Mais precisamente, trata-se do impacto emocional da própria música, e da performance dessa música no ouvinte, também conhecido como The Magic.

Em outras palavras, o resultado final não é tanto como dominamos, mas o que dominamos. Sim, nós vamos entrar nos aspectos técnicos de dominação desta série, mas eu quero brilhar o mais brilhante que puder sobre a importância do porquê de estarmos aqui: A Música. E a tocar essa música com o melhor das nossas capacidades.

Há um propósito que acredito que todos nós partilhamos: Entrar debaixo da pele e na alma dos ouvintes através do impacto emocional da nossa música e do impacto emocional das gravações dessa música.

Um exemplo brilhante do poder que grandes composições e performances sólidas trazem para a mesa de produção ocorreu em 18 de novembro de 2015. Foi exatamente um mês antes que a cantora/compositora Billie Eilish, agora superestrela, completasse 14 anos. Ela carregou uma música no SoundCloud. Foi chamada Ocean Eyes, e foi produzida por seu irmão Finneas O'Connell. Ela clicou no botão "ok para baixar" porque ela e seu irmão queriam que seu professor de dança a baixasse de SoundCloud para que seu professor pudesse coreografar uma dança para Billie.

Billie e Finneas pouco sabiam, mas aquele simples upload, gravado em seus 12 pés por 14 pés humilde, ligeiramente desordenado (ou não muito desordenado), estúdio doméstico simples...ficou viral. Uma coisa levou a outra, e eventualmente Ocean Eyes acabou ganhando o status de Billie e Finneas Platinum não apenas nos EUA, mas também em outros quatro países - na força e na magia da canção e das apresentações. Acrescentando sua fineza à fórmula com uma produção única e competente, Finneas sabia que sem a magia de uma grande canção e desempenhos sólidos, a produção só vai até aqui.

Esta é uma história incrível que ilustra o poder que cada proprietário de um estúdio doméstico pode potencialmente aproveitar através da magia imparável de uma grande canção e performances sólidas, enquadradas por uma mistura competente e masterização. E a propósito, quando você ouve algumas faixas de Billie Eilish'es, você ouvirá todos os tipos de gêneros e estilos, e alguns deles são menos dinâmicos que outros, utilizando o processo de "sobrecompressão" e/ou "sobre-limitação", criando um certo grau de intencionalidade de recorte e distorção de uma forma musical, uma forma que sirva apropriadamente ao gênero.

E o segredo por trás da mistura competente e do domínio não é a engrenagem. É a tua orelha. É por isso que passei mais de 5 anos desenvolvendo exercícios revolucionários de treino de ouvido de produção musical, que estão no centro da Masterclass Online do The Lucrative Home Studio. Eu tenho alunos que agora têm Spotify streams numerados nos 10's de milhões, e suas faixas estão sendo licenciadas para negócios lucrativos. Todos de humildes estúdios caseiros. Guiados por orelhas douradas.

Assim, com seu foco principalmente na música e performances, com seu ouvido mais afinado, e com uma educação crescente em relação à mistura, você pode agora abordar o assunto e definição de masterização.

Uma Definição Moderna de Masterização para o Produtor do Home Studio

Masterização para o Home Studio Producer pode ser definida como: A arquitetura do fluxo de trabalho e a série de etapas concebidas para criar uma gravação final competitiva.

A definição de uma gravação terminada é: Nenhum elo emocional fraco para o ouvinte, desde a primeira nota até ao último momento de silêncio. Esta definição de imediato inclui a escolha do conteúdo. A canção. E as performances. Não é uma definição técnica. Não tem nada a ver com a observação de contadores. Inclui, sim, a afirmação "concebido para criar uma gravação acabada competitiva". Dentro dessa declaração vem o processo óbvio que mostra definitivamente se a sua faixa é competitiva ou não: A/B'ing.

A/B'ing é uma área que venho pesquisando e desenvolvendo há mais de 20 anos. Por exemplo, desenvolvi uma série revolucionária de 23 técnicas de A/B'ing que cessarão para sempre qualquer sentimento de dúvida ou frustração sobre se as suas faixas são ou não de qualidade de transmissão ou prontas para o rádio.

Assim, com a definição moderna de Masterização para o Home Studio Producer agora conhecida, passemos às porcas e parafusos da própria Masterização e a uma abordagem revolucionária e simples que resulta em gravações master de alta qualidade consistente.

(Fique ligado para a Parte Dois desta série onde Gary discute o Home Studio Mastering e a transição da Guerra da Loucura para a Batalha da Normalização a partir de uma perspectiva única e de abertura de ouvidos!)


Gary Gray é membro votante da Academia de Gravação Grammy; produtor, arranjador, misturador e engenheiro de masterização, duas vezes premiado pelo Telly Award-Winning; autor de The Home Studio Bible, e criador da masterclass online. O Lucrative Home Studio.

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