Este artigo foi escrito por Sirma Munyar, e é o primeiro de uma série de três partes. Fique atento às partes dois e três! ]
Um dos impactos positivos deste tempo surreal em que vivemos é a onda de artistas e compositores que são atraídos para casa produzindo suas demos e discos.
Alguns compositores se juntaram ao Zoom para co-escrever durante a quarentena e muitos músicos começaram recentemente a fazer música na mesma sala novamente.
Mas sejamos realistas - as colaborações não são para todos. Traduzir a sua visão em realidade pode revelar-se uma luta, especialmente se lhe faltar a capacidade de dar aos seus produtores um ponto de partida sólido com uma demonstração grosseira.
Quer esteja interessado em aprender tudo o que puder sobre produção musical, ou simplesmente queira saber o suficiente sobre ela para fazer as suas próprias demonstrações em casa, as etapas iniciais são as mesmas para todos.
1.) Escolha uma estação de trabalho de áudio digital (DAW) que o inspire.
Não posso enfatizar o suficiente: se o software com o qual você está trabalhando parece chato ou assustador para você, então ele não é o adequado para você.
Você tem que escolher um DAW amigável mas profissional para aprender o layout, assim como técnicas básicas de gravação e edição de áudio e MIDI rapidamente.
O Logic Pro X da Apple é a minha recomendação pessoal, especialmente para utilizadores Mac, por este motivo. Você pode experimentar gratuitamente por 90 dias e é uma das opções mais acessíveis que você pode ter. O Logic vem com práticos modelos, todos os tipos de instrumentos de software e efeitos de áudio, assim como uma vasta biblioteca de loop que dará um ponto de partida para produtores em todos os níveis.
Se você está procurando uma opção gratuita e interessado em usar seu iPad no seu processo criativo, você realmente não pode errar com a Garageband.
Ableton Live 10, Steinberg Cubase e FL Studio são amados por muitos produtores de quartos por razões semelhantes.
Não importa a opção que você escolher, lembre-se disto: você não precisa se tornar um engenheiro profissional para gravar sua música. Há tantos cursos online e tutoriais em vídeo por aí e, felizmente para nós, cada DAW vem com um manual.
2.) Os faders de volume e os panning knobs são o seu melhor amigo.
Não se deixe enganar por todos os efeitos extravagantes e sons maiores que a vida: todo engenheiro de mixagem começa sua mixagem simplesmente girando os faders de volume para cima e para baixo, e os botões de rotação para esquerda e direita para alcançar um bom equilíbrio.
Com os faders, você pode aumentar ou diminuir o volume de cada canal e de toda a mistura. Com panning knobs, você pode colocar cada instrumento e voz em qualquer lugar do caminho da esquerda para a direita.
Familiarizar-se com este conceito universal não só o ajudará na fase de mistura, mas também na fase de gravação.
Digamos que você está prestes a gravar algumas músicas de fundo de harmonia vocal, mas não sabe bem como cantar junto com o vocal principal sem se distrair com isso. Aqui está uma dica útil: abaixe o volume do vocal principal e coloque-o ligeiramente para a esquerda ou para a direita. Dessa forma, a parte vocal de fundo que você está prestes a gravar será separada da parte vocal principal apenas o suficiente para ajudá-lo a alcançar uma performance suave e focada.
3.) Aprender a registar a um nível saudável.
O termo "fluxo de sinal" pode parecer um pouco técnico demais no início, mas o que ele realmente representa é a relação entre seu microfone, interface de áudio e computador.
Depois de ligar tudo, você deve testar a qualidade da sua gravação e tomar decisões sobre se quer girar o botão de ganho na interface para cima ou para baixo. Se a prática acabar por ser demasiado silenciosa e você virar o fader de volume do canal no seu DAW para cima para compensar, notará que o ruído mecânico sibilante do seu equipamento também se torna amplificado. Se o sinal estiver muito quente na fase de gravação ao ponto de detectar distorção no seu take, então pode ser uma boa ideia baixar o ganho.
Em geral, é aconselhável manter o seu sinal de áudio com um pico de cerca de -16 dB a -7 dB. Você pode assistir à exibição do nível de pico no canal em que você está gravando para ver os momentos mais altos de sua performance e como isso se traduz em sua sessão.
Enquanto executa uma sessão de gravação de teste, certifique-se de que o fader do canal que você está prestes a gravar está a 0 dB. Não tem a certeza do que isso significa? Aqui vai uma dica: quando você abre uma sessão vazia, você encontrará todos os faders de volume definidos para 0 dB por padrão.
4.) Aceitar que a mistura é suposto ser mais silenciosa que o mestre.
Muitos músicos que são novatos na produção musical reclamam do quão tranquilo tudo soa em sua sessão.
A sua música não deve estar num nível de volume transmissível na fase de produção ou mesmo de mistura.
Se você está desesperado por mais volume, use os botões do monitor ou dos fones de ouvido em sua interface para aumentá-lo. Se isso não for suficiente, tente inserir um plugin limitador no canal master (ou saída estéreo) para aumentar o volume através do botão de ganho dentro do limitador sem danificar a mistura. Não ajuste o master e o stereo out faders: mantenha-os sempre a 0 dB para evitar problemas de clipagem.
5.) Se você está prestes a gravar vocais ou um instrumento acústico, preste atenção à colocação do microfone e à acústica da sala.
Trabalha com o que tens mas não te prepares para o fracasso. Você pode gostar de cantar em uma sala espaçosa porque os ecos naturais ajudam a entrar no clima, mas essa é a última coisa que você quer em uma gravação.
Escolha um quarto pequeno com alguns móveis, cortinas grossas, estantes e um tapete e afaste-se das janelas!
Se o seu microfone é um condensador de diafragma grande com um ajuste de cardióide, que é o tipo de microfone mais comum encontrado tanto em configurações profissionais como domésticas, certifique-se de não cantar para a parte de trás dele por engano! Aqui vai uma dica: geralmente, o logotipo do microfone é colocado bem na frente.
Quando se trata de colocar o microfone, a melhor maneira de aprender é experimentando. Se você vai gravar vocais com ele, certifique-se de usar um filtro pop, e que você deixe cerca de dois a três polegadas de espaço entre o filtro pop e o microfone, assim como você mesmo e o filtro pop. Se você cantar bem no centro do diafragma do microfone, você terá aquele som quente, cheio e nítido. Se você cantar para a parte superior do microfone, seus vocais vão soar muito mais finos em comparação.
Esta regra também se aplica aos instrumentos acústicos. Quer você grave um violão ou um violino, a posição e o ângulo do microfone destacará algumas freqüências enquanto esconde outras. Até você realmente gravar algumas tomadas com o microfone colocado de forma diferente a cada vez, você não será capaz de dizer qual colocação faz o seu instrumento soar melhor. Afinal, há muitas variáveis a considerar: cada sala, microfone e instrumento é diferente - e o mesmo acontece com cada preferência pessoal. Portanto, o seu objectivo não deve ser fazer tudo segundo as regras. O seu objectivo deve ser descobrir e alcançar a qualidade sónica e tonal a que se destina.
SIRMA é um cantor, compositor e produtor independente. Ela é a criadora do Produção Vocal Pop Moderna curso de Soundfly e tem um diploma da Berklee College of Music.
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