Volvemos con la segunda entrega de nuestra Serie de Gestión de Artistas, donde hemos estado hablando con los actuales gerentes de artistas independientes sobre sus roles y responsabilidades diarias, cómo su codiciada posición ha cambiado a lo largo de los años, y las lecciones y conceptos erróneos que han encontrado.

La semana pasada pudiste conocer a Vanessa Magos en New Torch Entertainment, y esta semana estamos encantados de compartir nuestra charla con Mark McLewee de Red Light Management! Mark ha estado ayudando con la gestión diaria de Bonobo, ODESZA y Ki: Teoría. Echa un vistazo a la entrevista de abajo.

¿Ha cambiado mucho la forma en que empiezan las relaciones entre artistas y directivos en los últimos 5-10 años?

Mark McLewee: Aunque sólo llevo cinco años en el negocio, no ha cambiado mucho. Sigue siendo un proceso: un artista que encuentra un manager que realmente cree en la música y en ellos como persona primero. Es importante que un artista se centre en encontrar a alguien que no va a ser un "sí- hombre" o alguien a quien simplemente le dé la vuelta a las llaves y diga, "Haz lo que sea necesario para convertirme en un músico de éxito".

Se trata de encontrar a una persona en la que el artista pueda confiar, alguien que crea en su música y pueda ser su defensor. Quieres a alguien que haga rebotar las ideas y que sea una prueba de realidad, pero que también te guíe a través de este siempre cambiante y a menudo desalentador paisaje.

Y viceversa, los gerentes buscan un artista que esté dispuesto a hacer el trabajo que se requiere. Un artista que tenga una visión clara de lo que es su arte y cómo quieren que se presente al mundo. El trabajo del gerente es salir y ayudar a ejecutar esa misión: traer oportunidades que hagan crecer la carrera del artista sin comprometer su arte, y manejar todos los detalles.

¿Cómo empezaste como manager artístico?

Empecé como pasante en la Granja del Artista, trabajando con los infames Stringdusters, básicamente ayudando donde podía. Luego empecé a ayudar con su comercio y les ayudé a construir un sitio web. Intenté obtener todo lo que pude de los managers de los artistas y de los propios miembros de la banda. A partir de ahí, conseguí un trabajo aquí en Red Light haciendo la gestión diaria a través de algunas conexiones que había hecho mientras estaba en la Artist Farm.

La razón por la que me metí en la gestión de artistas fue porque crecí en una familia que tenía artistas y músicos profesionales. Quería ser capaz de ayudar a los artistas a compartir su arte con el mundo y al mismo tiempo ayudarles a mantener un pequeño negocio, porque eso es lo que la mayoría de los artistas son: un pequeño negocio del que son el CEO. Es importante asegurarse de que cuando su carrera musical termine, tengan algo en lo que apoyarse y en lo que confiar después de tanto trabajo.

Como artista, te metes en el negocio de la música por primera vez, y lo haces a ciegas, no sabes de qué te tienes que preocupar.

¿Cuáles son un par de lecciones clave que has aprendido como manager artístico a lo largo de los años?

Creo que la buena música prevalecerá. Tiene una forma de llegar al oído del público y darse a conocer. El trabajo de un manager es facilitar eso y hacer que tu artista sea recompensado lo más justa y equitativamente posible por crear esa música. Es una propuesta desalentadora tomar la música mediocre y convertirla en algo sostenible que pueda generar ingresos para un artista. Es un gran regalo encontrar un artista que haga música increíble, y es nuestra responsabilidad como gerentes asegurarnos de que sean recompensados por eso.

Supongo que el viejo adagio de "No es lo que sabes sino a quién conoces" es tan cierto como siempre en el negocio de la música. Por mucho que haya historias de horror sobre gerentes, agentes y abogados aprovechándose de los artistas, hay mucha gente buena en la industria de la música que realmente se preocupa por la música y los artistas. Puede ser más difícil localizar a esas personas, y parece mucho más fácil encontrar gente que esté dispuesta a entrar y simplemente añadirte a su lista. Pero si puedes encontrar un gran equipo de personas, terminará haciendo una gran diferencia en tu carrera.

En su experiencia, ¿cuáles son las mayores ideas erróneas sobre el papel de un manager artístico?

Es difícil para mí decirlo. Creo que al menos una idea equivocada es que hay una especie de sentido de, "Si me vinculo con un gerente, él/ella sabrá qué hacer y puedo simplemente hacer música. Ellos dirigirán el barco y me dirán lo que tengo que hacer y me guiarán. Se encargarán de todo". Es una mentalidad de "entrega de llaves". No quiero insistir en la noción de pequeña empresa, pero el artista debe ser el líder y la personalidad de su negocio. Aunque tengas un gerente en el lugar, y más tarde un equipo más grande, tú (el artista) sigues siendo la fuerza central de guía, y tu equipo necesita saber que estás tan invertido en él como ellos.

Se convierte en mucho más que una sociedad que simplemente deja que alguien más la dirija. Ciertamente hay managers que lo harán, pero para mí, esa no es una relación sostenible que se convierte en una carrera de por vida, una en la que un artista mira 10 años atrás a la música que puede respaldar.

Explique la importancia de manejar las expectativas de un artista cuando se trata de obtener los resultados deseados de cualquier objetivo de carrera.

Creo que es importante en cualquier aspecto de la vida que tus expectativas sean modestas y que esperes lo mejor mientras planeas lo peor. Especialmente con los artistas jóvenes e independientes - siempre habrá esta fase de transición de músico aficionado a músico profesional - y eso no es una vuelta de tuerca del trabajo de 40 horas a la semana a ser un músico profesional. Pueden ser meses, pueden ser unos pocos años, (puede ser nunca); hay una etapa en la que los artistas tienen que duplicar un trabajo a tiempo completo y una carrera musical a tiempo completo. Muchos artistas más jóvenes que ven a otros ir en forma independiente pueden no ver que estas personas pasaron por estas etapas de la carrera, también.

Cuando empiezas a trabajar con un artista que carece de la red de un agente de contratación, publicista, etc., ¿cómo te acercas a construir uno con ellos?

Si no tuvieras esas conexiones incorporadas, creo que hay mucho que decir para salir ahí fuera como artista, y hacer todo lo que puedas. Como artista independiente, deberías sentir que el momento de decir, "¡Realmente necesito un manager o agente!" es cuando has agotado tu energía personal y tus relaciones. Y cuando estás en la etapa en la que se te presentan oportunidades que necesitas ayuda para descubrir.

La gente reconoce el bullicio y el arte genuino. Ya sea que te quedes despierto toda la noche buscando blogs de música y escribiendo en cada uno de ellos, o llamando a la puerta de tu local para que te den un hueco, son obras de teatro del ajetreo con las que la gente, especialmente los gerentes, reconocen y quieren trabajar. Como manager, es genial tener a un artista que trabaja tan duro como tú para igualar esa energía. Una conexión lleva a otra, y a partir de ahí es como una bola de nieve. No se trata sólo de sentarse en el ordenador a escribir tweets, sino de salir ahí fuera y compartir tu personalidad y tu conducción con la gente.

Desde una perspectiva de gestión, la industria está llena de conexiones personales que pueden ayudar a construir un equipo sin necesidad de una etiqueta. Las personas con ideas afines tienden a gravitar hacia los demás y como gerente, cuanto más adentro se llega, más fácil es encontrar un equipo que comparta su visión y ética de trabajo.

Como más artistas quieren mantener su estatus 'independiente', ¿cómo pueden los managers ayudar en este objetivo?

Definitivamente. Si quieres hablar de la diferencia entre ahora y hace 10 o 15 años, es totalmente posible ir con los ojos abiertos sabiendo y siendo plenamente consciente de en lo que te estás metiendo. Saber acerca de tratos llamativos con etiquetas donde es más beneficioso para ambas partes y no sólo depende de toneladas de ventas. Hay todo tipo de grandes empresas de relaciones públicas y de promoción de radio independiente que pueden ayudarte a hacer todas estas cosas que antes eran sólo un misterio detrás de la pared de una etiqueta.

Dicho esto, una etiqueta trabajadora puede ser una gran adición a tu equipo. Tenemos la gran fortuna de trabajar con un sello independiente que es muy receptivo a la visión de los artistas, y que va a poner en la misma cantidad de trabajo que tú. Ya no existe la sensación de que "para lograrlo" tienes que estar en un gran sello. Personalmente, una idea equivocada para mí antes de entrar en el negocio de la música era que había este tipo de "sí o no" cuando se trata del éxito de los artistas. Definitivamente hay un continuo de éxito, y no hay una fórmula a seguir.

Cuando se trata de presentar un contrato de etiqueta para uno de los artistas con los que trabajas, ¿qué factores tienes que tener en cuenta?

Hay dos lados, uno es el nivel de compromiso que la etiqueta está dispuesta a presentar; no necesariamente hablando sólo financieramente, sino básicamente presentando un equipo legítimo que está dispuesto a luchar por nosotros como nuestro agente o abogado cuando sea el momento de hacerlo. Creo que hay algunos grandes sellos independientes que tienen buena gente que ama la música y la defenderá, pero no siempre son los sellos los que llaman a la puerta con los contratos de grabación.

La otra cara es probablemente más obvia: asegurarse de que los términos del acuerdo son justos para tu artista, para no renunciar a demasiado control. Ahí es donde, como artista, quieres tener un manager y un abogado que hayan trabajado en múltiples tratos recientes.

Tener ese sello de aprobación de una etiqueta creíble puede ciertamente abrirle las puertas a un artista, pero si el equipo correcto no está en su lugar, no le servirá al artista a largo plazo.

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