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En el final de nuestra serie de entrevistas con la gerencia del artista, hablamos con el veterano de la industria musical Paul Steele, fundador y CEO de Good Time, Inc. Paul ha estado trabajando con artistas de alguna manera durante 15 años, mojándose los pies en la universidad. En la gestión de Drew Holcomb & the Neighbors, Judah and the Lion, Ellie Holcomb y Kris Allen, Good Time Inc. actúa como una empresa de gestión, servicios de etiqueta y marketing.

Con nosotros Paul discutió cómo se involucró como representante de Aware Records, la importancia de mantener una "mentalidad de hobby" en la industria de la música, y por qué ser una buena persona en los negocios puede llegar muy lejos.

¿Cuánto tiempo llevas en la dirección de artistas y cómo ha cambiado la forma en que comienza la relación entre el director y el artista en los últimos 5-10 años?

He estado haciendo esto desde alrededor del 2000. Empecé en la universidad cuando estaba en la TCU en Ft. Worth. Tenía mi propia compañía, y luego la uní a otras dos compañías, formando Trivate Entertainment en 2005. Comencé Good Time Inc. en 2011.

La relación es siempre algo fluida. Depende de dónde esté el artista en su carrera cuando empiezas con ellos. Cuando empiezas con un artista más joven, están un poco más abiertos, así que estás ayudando a lanzar visiones, y estás haciendo mucho más por ellos porque acaban de empezar. Mientras que si trabajas con un artista más establecido, puede que ya hayan trabajado con otros managers; así que hay una descripción de trabajo diferente. Sí, la relación ha cambiado con el tiempo, pero también es realmente relativa a donde el artista está en su carrera.

La gestión es como el matrimonio. Si trabajas con alguien que ha tenido un par de gerentes, realmente trabajas con alguien que ha pasado por un par de divorcios. El mejor gerente es como el "jefe de personal" del artista.

¿Cómo empezaste como manager artístico?

Fue un completo accidente. En mi primer año en la universidad estaba en pre-ley; una especialización en filosofía con una subespecialización en psicología. En ese momento, Napster acababa de salir y yo estaba descubriendo una tonelada de música. MySpace no era ni siquiera una historia, y mucho menos una idea. No había muchas maneras más allá del boca a boca, Napster, Morpheus y KaZaA. Para mí, la universidad fue un gran momento para descubrir nuevos intereses, como creo que lo es para muchos, y había algunas personas haciendo música por la ciudad. Me gustaba promover cosas, así que por otro lado ayudé a montar un par de espectáculos.

Yo era la marioneta musical de mi madre cuando era niño, ella pensaba que iba a ser un regalo de Dios para el mundo y no lo era. Era un músico terrible. Me gustaba mucho cómo se sentía hacer que la música se escuchara y de alguna manera empecé a promover más shows y bandas. También escuchaba mucho la emisora de radio de la universidad, y recuerdo cuando salió el primer single de I Train, "Meet Virginia".

Eran una pequeña banda sin nombre de San Francisco, en un pequeño sello de Chicago. Lo descubrí yendo a la tienda de discos y viendo Aware Records en la parte de atrás, y terminé siendo un representante de Aware por un par de años, (uno de los únicos en Texas). En ese período de dos años firmaron John Mayer, Five for Fighting, pasando de un sello de cinco personas de Evanston, IL, a una central con un acuerdo con Columbia. Eso es lo que realmente lo despertó, ellos (el personal de Aware Records) se convirtieron en mis mentores. Estaba aprendiendo mucho con Aware, pensaba que sabía mucho, y cada seis meses me daba cuenta de que no sabía nada. Seguí encontrando bandas con las que trabajar. Dejé la escuela unas cuantas veces, fui de gira, trabajé gratis con un par de managers - hice todo lo que pude para trabajar en el negocio de la música. La universidad es una tarjeta de salida de la cárcel para hacer cosas estúpidas y (la mayoría de las veces) no dejar que te arruinen la vida.

En esos años, ¿qué lecciones claves has aprendido como manager artístico?

Probablemente la mayor comida para llevar, que me fue transmitida por un mentor, que es tratar a todos los que conoces en esta industria con el mayor respeto que puedas; porque nunca sabes si puedes trabajar con ellos. Gran parte de este negocio es la suerte, y no sabes cuando la suerte va a golpear a alguien. Nunca condesciendas a alguien porque te sientas mejor o más poderoso que ellos. Realmente nunca sabes a dónde los llevarán las cosas... o tú... ¡puedes necesitar un favor de ellos en unos pocos años!

En segundo lugar, en la misma perspectiva, ser una persona. Gran parte de este negocio es transaccional - preguntarle a alguien cómo le va el día es algo muy importante. Los imbéciles no ganan tanto como antes. Te sentirás mejor contigo mismo al final del día y puede que saques más provecho de esa relación porque les gustas.

Tres es que el negocio de la música es un hobby con el que la gente gana dinero en varios momentos de su vida. Estamos tratando de hacer dinero con el arte, y eso nunca se me escapa. La gente con la que trabajo, estoy muy agradecido de trabajar con ellos, pero esta es una industria muy volátil. Cada vez que esto se convierte en algo que no disfruto, puedo irme. Estoy feliz de que me paguen y de pagar a varias personas por un hobby. La industria del entretenimiento contribuye menos del 1% al PIB de toda América. Hazlo porque te encanta hacerlo y te vas a partir el culo trabajando. No esperes que este sea un trabajo normal. La única forma en que lo harás es si haces todo y cualquier cosa que puedas.

En su experiencia, ¿cuáles son las mayores ideas erróneas sobre el papel de un manager artístico?

La gestión es el peor trabajo en el negocio de la música, con diferencia. La razón por la que digo esto es porque es el único trabajo que no tiene líneas claras de definición. Cuando firmas con una agencia de contratación, sabes exactamente lo que obtienes. Te consiguen shows, giras, festivales y oportunidades de entradas. Cuando firmas con una discográfica, te pagan un disco, lo graban y lo distribuyen. Los publicistas, que contratas a alguien para que te consiga críticas, en blogs, (con suerte en programas de televisión), sabes para qué los contratas.

La gestión es la clave. Y nadie es bueno en todo. Hay gente que se especializa en todo tipo de cosas. Tenemos un equipo de seis personas y sólo trabajan con cuatro artistas. El management es probablemente el 75% de lo que trabajan 11 personas en total. Y somos una compañía de gestión de tamaño decente para nuestra lista. Puedes hacer 10 grandes cosas para la carrera de un artista, pero si no obtienes lo que ellos quieren, puedes ser despedido. Se espera que los gerentes ayuden con la prensa, las reservas y los servicios de etiqueta ahora. Finalmente decidimos que si vamos a hacer estas cosas deberíamos crear empresas para estas cosas. No queríamos convertirnos en una empresa de marketing.

Es simplemente divertido. La gente espera el mundo, y nadie puede hacer eso.

Explique la importancia de manejar las expectativas de un artista cuando se trata de obtener los resultados deseados de cualquier objetivo de carrera.

Estamos haciendo el mejor trabajo posible, y la única manera de hacerlo es conocer las expectativas de los clientes. Cada seis meses hacemos que nuestros artistas establezcan objetivos. Hacemos objetivos de seis meses, un año y una "lista de sueños". ¿Con quién quieres ir de gira? ¿Quieres salir en la televisión? ¿Qué tipo de programas? Esto me da la oportunidad de decir, "Bueno, eso no va a pasar". O, "Esa es una buena idea". Nadie debería trabajar más duro que el artista. Es importante tener metas que puedan ser revisadas cada mes y marcadas.

Muchos gerentes creen que han encontrado este increíble talento. Veo gente talentosa por todos lados camino al trabajo todos los días. Si no tienen la ética de trabajo correcta, no pueden cortarla. La gente tiende a olvidar que esto es un trabajo.

Algunos artistas siguen centrados en mantenerse 'independientes'. ¿Qué componentes son clave para este objetivo y qué pueden hacer los administradores para mantener esta identidad?

Creo que depende del artista y de su carrera. Drew Holcomb y los Vecinos son ferozmente independientes, pero llevan diez años en su carrera y ya han estado en sellos discográficos. Para un tipo como Drew que no está obligado a la radio, probablemente seguirá siendo independiente. Su esposa, Ellie, es un nicho y hemos tenido éxito en la radio, pero probablemente seguirá siendo independiente.

Queremos hacer lo que el artista siente que es mejor para lo que quiere lograr. Tenemos artistas que quieren ser independientes, y tenemos artistas que podrían beneficiarse de una etiqueta si el ajuste fuera correcto. No necesitamos una etiqueta para todos con los que trabajamos, pero no creo que las etiquetas sean malas. Hay muchos grandes sellos por ahí, independientes y grandes empresas, sólo en relación con las necesidades de tu artista.

Cuando vamos a la radio, no tenemos un Coldplay que aprovechar. No hay una mentalidad de talla única para todos los artistas. Citando a Drew Holcomb: "Es el peor momento para hacer una fortuna en el negocio de la música. Es el mejor momento para ganarse la vida". Hay más artistas independientes pagando sus cuentas con su música de lo que ha habido nunca en la historia, y eso es genial.

En el caso de que se le presente un contrato de etiqueta para un artista en 2015, ¿qué factores debe tener en cuenta el equipo de artistas y directivos?

De nuevo creo que depende de qué tipo de música hagas. La realidad es que probablemente nunca recuperarás los discos si haces un gran negocio. Desde mi punto de vista, quiero una garantía de que habrá dinero para la promoción.

El término es muy importante para mí también. Si las cosas van mal, no quiero que el artista se quede en una discográfica sin opción a hacer otro disco. Mientras mi artista esté en una posición en la que va a ser promocionado y pueda crear continuamente, eso es algo muy importante para mí.

Muchos de los chicos de A&R con los que podrías firmar, son una compañía diferente para cuando sale un álbum. Si el chico/chica que te lleva a la puerta sale de la discográfica, estás potencialmente jodido. Es difícil confiar en la relación con la discográfica porque la relación es volátil, (menos aún con las discográficas independientes). La única razón por la que firmaría con alguien es si es una etiqueta importante, es si quieren ser verdaderamente famosos. Es casi imposible lograr la ubicuidad como independiente.

¿Se involucra en el lado de las licencias y la publicación de las carreras de sus artistas?

Tratamos de ser un propietario sin derechos de autor. Nos consideramos una verdadera empresa de servicios. En lugar de eso, ayudamos a servir, distribuir y comercializar/promover discos, y luego nos pagan un poco más por hacer esas cosas en lugar de ser dueños de ellas. Preferimos que nos paguen por nuestra labor y nuestro trabajo que que que nos reclamen los derechos de autor. Técnicamente hablando eso puede ser un mal negocio, pero creo que es un buen negocio. Prefiero trabajar para alguien durante 20 años y no tener nada malo que tener los derechos de autor, y esa es una mentalidad de hobby. Quiero que los artistas ganen, y por eso me metí en la gestión.

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