Entrevista: Fantasma contra Fantasma de Christopher Bono

11 de abril de 2016

Fantasma contra fantasma es obra del compositor, compositor y productor de Nueva York, Christopher Bono. Empezó a interpretar sus composiciones ambientales y electrónicas de pared de sonido por toda la ciudad con componentes multimedia en 2008.

Recientemente Bono publicó el EP de Fantasma contra Fantasma... Desarmary empezó a recibir elogios de la crítica de medios como Stereogum y la revista Ghettoblaster este año, y tuvo la amabilidad de responder algunas preguntas sobre su música desconcertante y sus procesos de creación:

Este proyecto surgió de un álbum conceptual que viste en un sueño en 2008. Explica cómo lo abordaste y qué te costó mantenerte en el camino.

Christopher Bono: Ha sido un largo, largo camino con varios desvíos inesperados. Empecé con Ghost Against Ghost en 2007 y 2008, y escribí un montón de material para un álbum conceptual sociopolítico surrealista, un concepto que llegó en un sueño.

Hicimos algunos shows en NYC, que creo que la gente disfrutó, pero me tomé un año sabático de la actuación para tratar de realizar un neo-prog se encuentra con el estilo épico-clásico que imaginé, pero no tenía idea de cómo ejecutar técnicamente. Esto me llevó a años de estudio de diferentes estilos y técnicas de música y producción, tres álbumes clásicos con mi propio nombre, y finalmente la decisión, varios años después, de volver a Ghost Against Ghost.

Ahora, la escritura y la producción se ha hecho en tres álbumes conceptuales de Ghost Against Ghost, todos con un tema y un carácter diferente. El primero en ser lanzado (todavía amo el LP, Junio 2016), extrañamente, es el más reciente en ser escrito. En esencia, estoy trabajando hacia atrás desde aquí hacia los orígenes de la idea.

¿Cuál fue la parte más difícil de producir y arreglar un álbum conceptual?

Manteniendo y desarrollando un tema que se teje de forma coherente a través de todo el álbum, creando un interés dinámico a nivel micro y a nivel macro. Es relativamente fácil escribir música consistente; es muy difícil escribir música consistente que se relacione consigo misma tanto desde el momento presente como desde la perspectiva del panorama general. Particularmente en esta era de la mordida de sonido, donde se siente que el "concepto" del álbum se ha perdido para la mayoría del público en general, es un desafío mantener el enfoque en un solo tema.

Por supuesto, es mucho más fácil como escritor cuando ese tema está cerca de tu propio corazón y mente. No pretendo tener éxito en ello, sólo uso la estrategia general para tratar de llegar al punto final.

¿Cómo se relacionó con sus colegas artistas Anthony Molina y Thomas Pridgen, y cómo contribuyeron a su visión desde el principio?

Anthony y yo somos amigos desde hace tiempo y hemos trabajado juntos en diferentes proyectos musicales, incluyendo el conjunto de improvisación que fundé, NOUS. Cuando empecé a escribir el material para el LP Still Love, me acerqué a Anthony para ver si estaba interesado en hacer la pre-producción y el seguimiento inicial conmigo. Trabajamos juntos en las canciones durante un par de meses, consiguiendo una base sólida, y luego hicimos un seguimiento inicial de la estructura general del álbum.

En cada uno de los discos de Ghost Against Ghost, me acerco a la instrumentación con un enfoque ligeramente diferente. En still love quería experimentar con baterías en vivo y densas capas de sintetizadores analógicos junto con momentos de guitarras pesadas y ambientales. Hacía tiempo que no trabajaba con batería en vivo, así que era interesante experimentar con ella. Había hablado con Thomas en el pasado sobre trabajar en un proyecto juntos y le interesaba, pero me imaginé que era más bien una cosa de música experimental para otro proyecto o una actuación especial en directo. Se suponía que Thomas estaba de gira en ese momento, y literalmente el día que yo escribía correos electrónicos a otros bateristas tratando de encontrar el reproductor adecuado para el disco, Thomas me envió un mensaje de texto diciendo que estaba disponible. Así que lo llevamos a [la discográfica] Our Silent Canvas' al norte del estudio de Nueva York y grabamos tambores todo el día durante tres días. Los resultados fueron increíbles; el tipo tiene un talento increíble.

Después de que los tambores fueron rastreados, y el esqueleto inicial fue puesto, me hice cargo de la producción para limpiar la orquestación y el arreglo por mi cuenta. Eso me ha llevado... ¡oh, unos 15 meses!

christopher bono

Christopher Bono

Cuéntanos cómo es construir un set en vivo cuando se trata de música ambiental y multimedia.

Cada proyecto es tan diferente; desde tener una gran orquesta de cámara que toca con video en vivo y pistas de muestra, hasta tener un grupo de músicos que tocan verticalmente en una torre espiral con bailarines y electrónica, cada escenario tiene un conjunto distinto de desafíos.

Para la próxima gira de Fantasma contra Fantasma, usaremos 3-4 equipos Ableton Live, junto con instrumentos en vivo. Todo el equipo es bastante complicado ya que es importante para nosotros dejar un alto nivel de improvisación en el set. Aparte de varias instancias de Ableton y controladores, mezcladores y procesadores en el escenario, estaremos ejecutando cosas a voluntad a través de varios amplificadores en el escenario, así como tocando guitarras en vivo, sintetizadores, baterías y otras cosas.

También estaremos presentando en vivo algunas imágenes increíbles. Estamos trabajando en dos videos musicales épicos con el cineasta Craig Murray, el primero sale esta primavera. Cada uno de los videos es de 16 minutos de duración, así que no son tus videos musicales estándar, sino más bien como cortometrajes. Craig creó horas de material para estas películas que planeamos usar en vivo con un artista de vídeo que puede improvisar con ellos junto con las actuaciones. Todavía estamos trabajando en los detalles técnicos de todo esto esta primavera. Las partes de música ambiental del set son más fáciles de ejecutar ya que no dependen tanto del tiempo como los momentos rítmicos muy precisos, de los cuales hay muchos en este proyecto. Aún estamos intentando determinar cómo podemos hacer lo que soñamos hacer con un pequeño presupuesto indie, pero ya se nos ocurrirá algo.
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¿Cómo reaccionó la gente inicialmente a sus actuaciones, y cómo evolucionó?

Las primeras actuaciones con Fantasma contra Fantasma creo que dejaron alucinados a algunos; eran ruidosas y ruidosas con muchas luces y vídeo a un nivel muy bajo. Estos próximos espectáculos deberían ser un poco más refinados, pero espero que sigan siendo impredecibles y caóticos a veces. Este proyecto es mejor cuando oscila entre la delicada belleza y el ruido apocalíptico dentro de un espectro de 5-10 minutos.

¿Qué tipo de consejo puedes ofrecer a los artistas independientes que interpretan música que les preocupa que sea difícil de traducir en directo?

Honestamente, lucho con mis propios demonios dudosos todos los días. Lo único que me digo es que confíe en el proceso, y aunque la versión ideal de tus sueños no se manifieste, alguna versión eventualmente lo hará. Lo más probable es que esta versión sea bastante guay, y tenga su propio mérito único que no podrías haber previsto. Me resulta difícil mantenerlo simple; parece que a mi cerebro le gusta construir sistemas cada vez más complejos, así que estoy trabajando duro a medida que me hago mayor para escribir y organizar desde un punto de vista más simplificado.

Si alguien le pregunta, le recomendaría que no permita que su propia voz, o la de otra persona, le diga "no se puede hacer", pero que al mismo tiempo utilice el discernimiento, la inteligencia y el desapego para permitir que se desarrolle una versión evolucionada y práctica.

Cuéntenos el impacto que la música clásica terminó teniendo en su viaje musical.

Uno muy grande que empieza a mediados de los veinte años. Es una larga historia, pero esencialmente el primer disco de Ghost Against Ghost (de nuevo el tercero en la línea para completar) me llevó a estudiar música clásica. Imaginé estos paisajes sonoros y arreglos épicos, pero no sabía cómo lograrlos técnicamente aunque escuché lo que buscaba en la música de Stravinsky, Debussy, Wagner, John Adams y mucha otra gente. Esto me llevó a un período de cinco años dedicado a estudiar la música clásica.

Cuanto más me metía, más me alejaba de la música popular. En un momento dado, incluso planeaba volver a la escuela para un máster y un doctorado en composición. El estudio y el mundo de la música clásica es tan vasto y rico en detalles interesantes y sutilezas; es realmente extraordinario. Pero hubo un punto en el que desperté de este hermoso trance intelectual en el que estaba y recordé mi visión original, así que empecé el proceso de construir un puente de vuelta al mundo post-rock del que venía.

Unarm ha recibido elogios críticos de algunas fuentes súper creíbles. ¿Qué estás tratando de expresar emocionalmente en este comunicado?

Es una canción escrita para un alma dañada y perdida, un alma vieja que durante mucho tiempo ha estado en un camino destructivo y peligroso. La letra está escrita en segunda persona, desde una persona que ama inmensamente a este personaje principal. La letra es como un susurro en el corazón del alma perdida, un diálogo interno, telepático, que le dice que busque en su interior sus respuestas y que no siga buscando la gratificación exterior para llenar los profundos pozos de dolor que tiene dentro.

¿Qué tipo de inspiración fue la grabación de "Unarm"? ¿Practicas activamente el Tonglen?

El LP de Still Love, (del que proviene el EP de Unarm, sí, lo sé, confuso), trata de una situación personal profundamente difícil. Como la mayoría de los artistas, trabajé para transformar la confusión y el dolor de esta situación en una obra de arte. Unarm marca el momento en esta narración donde la letra habla directamente al 'villano' de esta trágica historia de amor. Hasta ese momento, estoy cantando y escribiendo letras que no son desde mi punto de vista, sino desde el de la víctima.

He estado interesado en el budismo desde hace muchos años y he practicado la meditación con bastante regularidad durante unos 10 años. He leído acerca de Tonglen y he escuchado enseñanzas sobre el mismo unas cuantas veces. Toda la visualización de él siempre me ha fascinado, y lo he intentado en mi propia vida en varias ocasiones. Creo que estas prácticas tienen un increíble poder psicológico para reacondicionar los patrones neurológicos de la mente para dejar de percibir el mundo desde una perspectiva tan egoísta, que es tan habitual para muchos de nosotros.

¿Cuánto tiempo ha estado produciendo e ingeniando? ¿Cuáles cree que son algunos de los pros y los contras de tener la mano en todas las facetas de un lanzamiento en este sentido?

Empecé a experimentar con la grabación y la ingeniería cuando me metí en la música alrededor de los 21 años. Compré una grabadora multipistas BOSS a principios de los 20 años en la que "produje" mi primer álbum, (que nunca fue lanzado). Luego escribí un disco de cantautor mientras vivía en Boston que grabé con el productor, Zoux.

Durante este período de 8 meses aprendí mucho sobre el proceso y el enfoque del estudio, y después del álbum empecé a ampliar mi propio estudio y a estudiar técnicas de grabación, que he seguido desarrollando durante los últimos 11 años. Tratar de producir mi propio material a finales de mis veinte años fue muy desafiante, particularmente usando los sombreros subjetivos y objetivos de ambos, artista y productor. Sin embargo, con el tiempo me di cuenta de que mejoré en la gestión del proceso; principalmente se trata de tener fe en ti mismo y no juzgar las cosas demasiado pronto.

La mayor dificultad de estar a cargo de tanto es la cantidad de tiempo que toma terminar un proyecto. Desearía tener los presupuestos para poder contratar un equipo de producción completo; sin embargo, no está en las cartas en este momento. Así que en lugar de tardar dos meses en terminar un disco, termina tardando dos años; pero está bien, al final es genial saber que te esforzaste al máximo y fuiste capaz de hacer tu propio trabajo de la manera que querías.

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