LOS ARTISTAS DE TUNECORE TUVIERON UN INGRESO DE US$2 MIL MILLONES. #IndependentAF

No importa qué géneros musicales te guste hacer o escuchar, es casi imposible que te hayas perdido el auge sin precedentes de la música electrónica de baile en la cultura popular durante la última década. Derivada de los géneros electrónicos y del house, la EDM se ha convertido en un pilar en los campus universitarios, en los principales festivales de música y en clubes y locales de toda América. De hecho, para muchos de nosotros, la creciente popularidad de este subgénero específico parece haber surgido de la nada. Por supuesto, cualquier artista independiente que dedique su vida a la rutina puede confiar en que hay mucho más detrás de esto.

Entre Jake Schneider, Socio y Director de Desarrollo de Agencias en Madison House Inc. una compañía de reservas y gestión con sede en Boulder, Colorado. Jake es el agente de contratación de algunos de los más exitosos y vanguardistas actos de música electrónica, incluyendo BASSNECTAR, Keys N Krates, Paper Diamond, Lotus y más. Con sólo 33 años de edad, tiene más de diez años de experiencia en la industria que también incluye la coordinación y reserva de eventos, así como DJ.

Dada su perspectiva única sobre el auge de este género, y teniendo en cuenta la cantidad de consejos que tiene para ofrecer a los productores y artistas de TuneCore, entrevistamos a Jake para conocer su versión de la historia desde el centro de América:

Empezaste a contratar artistas electrónicos en un momento interesante de la historia del género. ¿Qué tipo de oportunidades vio en los mercados del medio oeste que no estaban siendo capitalizadas?

Jake Schneider: Uh-oh. Esta es una respuesta larga, así que tened paciencia conmigo.

La música electrónica, como todos los géneros, ha sido tan cíclica en su naturaleza. Hay algunas leyendas en el mundo electrónico que provienen de lugares como Detroit o Chicago que lo han hecho desde que yo estaba en pañales. En realidad es bastante desagradable imaginarme en pañales, pero quiero que la gente sepa que no creo que yo o ninguno de mis artistas "reinventaran" la rueda ni nada de eso.

Uno de los principales factores del éxito de muchos de nuestros clientes en el medio oeste fue el hecho de que no había ninguna salida a gran escala o formas de unir la música electrónica con mi generación en un nivel de gira en vivo a finales de los 90 y principios de los 00. Quiero decir que sí había raves en esa época, más antes de eso, y aún más en determinados bolsillos de América, sin embargo esa escena se había enfriado un poco. Si eso no era parte de tu mundo, tú y el resto de las masas del Medio Oeste quizás sabían de "música dance", y habían escuchado a algunos de los grandes artistas europeos como Paul Oakenfold, o disfrutado de singles como "Sandstorm" de Darude, etc, pero era difícil porque realmente no había un formato de radio que lo impulsara. No era tan accesible como lo era en Europa y otros lugares del mundo. Soy de las Ciudades Gemelas (Minneapolis y St. Paul) y fui a la Universidad de Iowa y todos los que conocía mezclaban música dance y la llamaban "techno".

Entonces, todo cambió para mí en 2000, cuando era un estudiante de primer año en la universidad, tenía mi propio PC que podía grabar CD (¡¡¡Enfermo!!!!), Napster estaba simplemente explotando y estoy en un dormitorio con velocidades de descarga de KILLER y sólo destrozando la música para jugar y experimentar con ella. Yo diría que 2000 o 2001 fue el "salvaje oeste" de la música con la capacidad de obtener tan libremente álbumes y pistas de cualquier artista, de cualquier lugar del mundo tan rápidamente. Empecé a escuchar algo de música de baile, pero en realidad cuando empecé a trabajar con SCOPE Productions en la Universidad de Iowa, donde era el Comprador de Talento y Director de Operaciones, reservando conciertos para la Universidad, mis gustos musicales se ampliaron rápidamente. Pronto estaba reservando conciertos que necesitaban atender a toda una población estudiantil con diferentes agendas musicales, así como atender a la gente de Iowa City, IA y las áreas circundantes que querían ver a grandes artistas de marquesina. La escuela era esencialmente el centro principal para la mayoría de los conciertos que podían acomodar a más de 300-400 personas porque todos esos lugares estaban en el campus. Fue una experiencia bastante loca.

Recuerdo exactamente cuando me di cuenta de que la música electrónica tenía mucho movimiento en el fondo y que continuaría creciendo, especialmente en el medio oeste, donde no había sido recientemente predominante fuera de ciertos mercados y "clubes de baile". Yo pinchaba cuatro o cinco noches a la semana en un enorme bar de los Diez Grandes (Go Hawkeyes) llamado "One-Eyed Jake's" (mi nombre era Jake así que siempre fue divertido explicar a las despedidas de soltera borracha que "mis dos ojos están bien" y que "no, no puedo tocar 'Yeah' de Usher por TERCERA vez esta noche porque acabo de tocarla hace dos canciones, y siento que la soltera esté llorando porque le gusta esa canción, pero se la perdió y puedes por favor decirle a tus amigos que dejen de tirarme pajitas de pene de despedida de soltera".). De todas formas, eso se puso bastante rebelde, y yo ocasionalmente sustituía en su club hermano, The Summit, donde había un gusto por esas pistas de baile "cuatro en la pista" y si iba a pinchar allí tenía que tocar algunas de esas cosas, pero al final del día era mucho más un tipo de Hip-Hop, R&B y Dancehall que hacía girar discos a esas velocidades que eran obviamente un poco más lentas que las pistas de Tiesto que un par de mis colegas entrelazaban en sus sets.

Hacia el final de mi estancia en Iowa City en una de nuestras reuniones de SCOPE, un amigo mío, Josh, que trabajaba con nosotros en la organización, se había tomado el tiempo de quemarme algo de música con The Disco Biscuits y LTJ Bukem. No sabía qué demonios estaba escuchando, pero sabía que había una base de fans, y que estaba siendo impulsado con bastante fuerza desde la Costa Este, y que The Disco Biscuits estaban clasificados como una "banda de jamón", pero tenían sonidos electrónicos inclinados, y finalmente se enteró de que LTJ Bukem era un artista electrónico de Drum & Bass. No sabía qué demonios hacer con el DnB, dónde ponerlo y qué significaba hasta que hice la transición al área de Boulder/Denver en 2005.

Fui contratado como agente de reservas, por un increíble equipo de personas que dirigen una agencia de reservas y una compañía de gestión, entre muchos otros servicios artísticos, llamada Madison House. La lista era muy pesada entonces, y uno de los primeros actos en los que me dejaron trabajar se llamaba LOTUS, pero a diferencia de otros actos improvisados de jammy, sus álbumes, eran significativamente diferentes. El aspecto electrónico del álbum me llamó más la atención. Pensé: "Vaya, esta es una banda que toca música de baile con un grupo de músicos ridículamente dotados". Empecé a salir más en Denver y Boulder y me di cuenta de que había un cruce completo de bandas de jamón, hip-hop y música electrónica.

jake-schneider-edm

Luego, después de verlos en JazzAspen, escogí una banda, Pnuma Trio, que era un trío súper joven de chicos inspirados por artistas electrónicos y otras bandas similares, una de ellas, Sound Tribe Sector 9, y quedé fascinado con su amor por estos mundos diversos. El tema de estas bandas es que tenían seguidores al estilo Grateful Dead, donde la gente grababa los sets, miraba las listas de canciones cada noche en uno de los docenas de tablones de anuncios y como esas listas eran diferentes cada noche, y los fans estaban tan apasionados por la música y el LIVE SHOW, tenías a los chicos de gira por todo el país para verlos noche tras noche, como muchos hicieron con The Dead, Phish, Dave Matthews Band, etc.

Debido a esta capacidad de vender "entradas duras", significaba que llenaban las salas, y porque llenaban las salas, los promotores empezaron a ponerse al corriente y a entender que este era un mundo completamente nuevo sin explotar y cuando los festivales "multigénero" empezaron a aparecer por todos los EE.UU., más y más actos como estos se incluyeron en las alineaciones. Además de eso, los festivales tradicionales de "jam" empezaron a contratar más DJ's y productores, muchos de los cuales fueron influyentes para este nuevo sonido "jam-tronica" utilizado por las bandas de esta nueva generación. Empezó a ser una bola de nieve. Bandas como, The Disco Biscuits, empezaron a organizar su propio festival llamado Camp Bisco. Era un híbrido de cualquier cosa y todo, Jam, Electrónica, Indie, Hip-Hop, etc. DJ's y productores estaban volando desde todo el mundo a los EE.UU. por primera vez (o tal vez por primera vez en mucho tiempo) para ser parte de estos eventos. Más y más comenzaron a aparecer y me di cuenta de que teníamos toda una nueva escena de fans dispuestos a indagar en todos estos géneros.

Y todo el tiempo durante este tiempo, tienes toda una escena de la Costa Oeste, con fiestas underground, raves, "reuniones" en la playa, etc. y llega Burning Man. Tantos actos surgieron de ese movimiento. No hablo tanto de los artistas rave de Las Vegas o Los Ángeles, sino de los DJ/productores underground y de base que tenían seguidores de culto. Burning Man también atrajo a algunos de los artistas de música improvisada más libres, así que también hubo polinización cruzada. Una de las bandas más grandes y adorables de nuestra lista es The String Cheese Incident, que ha sido cliente de Madison House desde el primer día. Hicieron un trabajo increíble creando música increíble y una base de fans en gira, pero incluso entretejieron música electrónica en sus sets. Hubo algo de colaboración y amistad entre ellos y un acto que firmé, Bassnectar, cuyo show en vivo no tenía precedentes. Si le preguntas a alguno de sus fans si era "techno", puede que te den una paliza. Tocaba y mezclaba diferentes géneros musicales como Breaks, algunos DnB a veces, luego Dubstep, pero no podía ser encasillado en ninguno de esos géneros. Tenía el pelo largo como un tipo de una banda de metal y se golpeaba la cabeza durante la mayor parte del set. Esto no era lo que la gente pensaba que era "TECHNO" viniendo de Los Ángeles o Las Vegas, era una bestia completamente diferente.

El medio oeste tenía un montón de diferentes festivales y fanáticos de la música, y como no todos los fanáticos se criaron en esta era rave, se quedaron asombrados de que este tipo de música pudiera ser ejecutada en el escenario. El Campamento de Verano de Moe es un excelente ejemplo de cómo cruzar los puentes entre la música en vivo y la música electrónica. Ian Goldberg de Jay Goldberg Events estaba observando de cerca las tendencias y reservando las cosas que estos chicos querían ver! Había promotores novatos que ahora son GRANDES promotores que se arriesgaron con estas cosas y los niños no se cansaban. Querían un show "EN VIVO" y lo conseguían con estas bandas y los DJs y productores que estaban afiliados a ellos. Estos DJs empezaron a adoptar la mentalidad de gira de las bandas y lo siguiente que sabes es que tienes a Bassnectar o The Glitch Mob de gira y a los chicos haciendo CADA cita en ella. Y creció a un ritmo saludable. No fue de la noche a la mañana. Había tantas ciudades a las que atender que no se les había prestado atención, y ahora era el momento de darles amor. Esos DJ's de "megaclubes" europeos a los que se les pagaba dinero para volar a Ibiza una vez a la semana no cruzaban el charco para tocar en lugares como Bloomington, IN o Madison, WI - dos increíbles ciudades universitarias y sólo una pequeña fracción del medio oeste en general. Se extendió como un incendio forestal y la adición de festivales continúa perpetuándolo.

Al desarrollarse, algunos de estos actos podrían estar de gira durante 8 semanas y dar TRES de esas semanas al medio oeste si así lo quisieran. Tantas ciudades universitarias, tantos mercados sin servicios. Fue darse cuenta y prestar atención a los fans en estos mercados secundarios y terciarios y ciudades que ayudaron a impulsar la música electrónica en el Medio Oeste. Tan pronto como estas cosas empezaron a llegar al Medio Oeste, los niños se las tragaron. Tenían hambre de un cambio de ritmo. La industria discográfica se estaba volviendo obsoleta y se trataba del LIVE SHOW y ahora había bandas electrónicas y DJ's que tenían un verdadero LIVE SHOW. No era sólo un tipo pequeño en el escenario en medio de piropos bebiendo champán, era algo completamente diferente.

Explique la importancia de cualquier la actuación en vivo del artista en tu opinión, y cómo sientes que ha evolucionado en los últimos 10 años.

Cuando se trata de música electrónica, si quieres ser un productor y no tienes un show en vivo o presencia en el escenario, entonces eso es lo que debes ser. Pero si te vas a convertir en un artista con un aspecto de espectáculo en vivo, entonces el sonido tiene que ser mejor cada vez que vuelvas a una ciudad o un lugar. Fue hasta el punto en que se convirtió en una especie de "carrera armamentística" con la producción y las mejoras tecnológicas y esta mentalidad de que cuanto más bajos y substitutos, luces, paneles de LED, etc., tengas, mejor. Eso era sostenible por un tiempo, pero la música tenía que mejorar y progresar y mantenerse con los tiempos. La cantidad de géneros dentro de la música electrónica es casi cómica, pero de nuevo son cíclicos, así que tienes que mantenerte relevante y una de las formas de hacerlo es entregando sets que los fans NO van a olvidar.

Desde una perspectiva profesional, ¿cuáles son algunos de los retos a los que se enfrenta hoy en día cuando intenta coordinar/preparar/reservar la experiencia de un evento perfecto?

Creo que uno de los desafíos más difíciles que enfrentamos es el hecho de que para muchas bandas sencillas, los fans se han acostumbrado a una experiencia muy rancia en lugares de mierda sin servicio, arenas rancias, o anfiteatros incómodos. Tiene que haber algo más que eso para sobresalir, por lo que estás viendo a tantos artistas (y festivales, por supuesto) centrarse en la experiencia. ¿Cómo hacer que el consumidor olvide el hecho de que están en un lugar que lleva el nombre de una mega corporación? Hay tantas maneras de hacerlo, ya sea la producción como ya he hablado, el contenido de vídeo, los artistas auxiliares, los bailarines, la lista continúa.

Al principio fue una lucha con los promotores para entender la necesidad de gastar más en este tipo de cosas, pero a medida que veían crecer a los artistas y que la base de fans se involucraba más, era más probable que aumentaran los presupuestos de experiencia o producción de los espectáculos en el futuro. Hay demasiadas bandas ahí fuera ahora mismo y al final del día la mayoría de ellas son sólo un nombre en el anuncio de un local en la última página de su periódico local.

¿Cómo te conviertes en MÁS que eso?

Consigue que tu artista ayude a promover el espectáculo. Hay un dicho que dice que "los promotores ya no promocionan". Eso es cierto a veces, pero es una completa tontería otras veces, sin embargo en esta era digital está en el artista, así que también hay que hacer correr la voz. Si estoy trabajando con actos como ese, que están captando la audiencia, y ese artista comienza a vender un montón de entradas, es mejor que creas que todos los promotores alrededor van a querer ayudar con el próximo espectáculo, y van a satisfacer tus necesidades para transformar el lugar, crear una sala dentro de una sala, o gastar el dinero extra para traer a los artistas de apoyo correcto para complementar el espectáculo.

¿Qué consideras un consejo infravalorado para los nuevos artistas electrónicos que buscan conectar con los fans entre toda la estática?

Paguen sus cuotas. Si haces música que le gusta a la gente, sigue haciéndola, pero averigua de dónde vino todo. Sólo porque tengas un single, no te da derecho a un éxito sin fin. Mantén los jugos de la creatividad fluyendo y estudia lo que ha funcionado y lo que no ha funcionado en el pasado porque hay lecciones aprendidas de las historias de TODOS los grandes artistas que van desde Jimi Hendrix a Los Beatles y DJ AM!

Del mismo modo, ¿cuáles son los errores comunes que ven que los artistas de este espacio cometen a diario?

No pagar sus cuotas. Falta de humildad. Baja un poco el listón, también. ¡¡Sólo tienes 22 años!! Recuerda, hay otros artistas que tienen una furgoneta de 15 pasajeros llena de 8 apestosos miembros de la banda que tocan en clubes de rock cada noche, dividiendo su dinero. ¡Lo has conseguido bien!

¿En qué momento sugieres que un DJ/productor independiente empiece a buscar un agente de reservas? ¿En qué habilidades de contratación deberían trabajar antes de eso?

Es genial si un acto puede estar cosechando una escena para sí mismo en la región que llaman hogar. No hay una regla "firme", pero ser capaz de vender más de 500 entradas para un espectáculo en tu ciudad natal, o ser capaz de añadir valor cuando se añade a una factura con uno de mis actos porque ayudarás a que el espectáculo se venda mejor, y ser capaz de vender 100-200 entradas en algunas ciudades de los alrededores - todo esto puede crear la base para necesitar y atraer a un agente. Sin embargo, hay anomalías. Tal vez uno de tus socios promotores tiene a alguien en su mercado que no está haciendo un montón de negocios todavía, pero está haciendo música loca. Ya he hecho actos a ese nivel antes. Es una construcción lenta, pero se puede hacer.

Rápido: ¿Cuáles son las mayores molestias de los agentes de reserva en tu espacio y cómo puede la gente evitar ser "ese artista"?

Oh wow, esta es una interesante. No quiero llamar la atención sobre nada con esto, pero no en cierto orden:

  • No uso mi reproductor de CD y todo el mundo sabe que los CD no caben en los bolsillos de nadie. Son sólo un dolor en el trasero.
  • Deja de inventar tus propios "subgéneros" de música. Es una locura la frecuencia con la que recibo algo como: "He creado algunas melodías nuevas y tiene esa vibración de World-Step". Ugh.
  • Sé humilde y no causes problemas a las bandas que estás apoyando. Hemos tenido actos que apoyaban a una banda que se quejaba de sus salas verdes y otras cosas triviales. Si creas un disturbio entonces no lo estás haciendo bien.
  • Lo mismo ocurre con el personal de los locales. SÉ BUENO. Esta gente se está rompiendo el culo por ti y naturalmente van a estar malhumorados a veces. Y probablemente tendrás que trabajar con ellos de nuevo. No queremos que nos den una mala opinión de ti.
Etiquetas:

Nuestra lista de reproducción