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Hoy en día, producir tus propias demos significa esencialmente lo mismo que hacer un disco completo de tu canción. Se espera que tu demo suene completo, cálido y profesional, y tu actuación vocal tiene que POP para captar el interés de potenciales sellos discográficos, compañeros de banda, agentes de contratación, o a quien sea que estés tratando de impresionar.
PUNTA DE POP VOCAL 1: NO IMPORTA EL MICRÓFONO QUE USES, USA EL ECUALIZADOR
Si estás empezando a grabar y procesar tus propias voces por primera vez, puede que no tengas un micrófono Neumann de 15.000 dólares a punto. Tal vez estés trabajando con un micrófono de escenario como un SM58, o un micrófono USB como el Yeti de Blue Microphones. Pero incluso si has ahorrado para alquilar algo bonito, tu voz y el micrófono no pueden hacer todos el trabajo.
Ecualización (EQ) es una herramienta increíblemente poderosa, y a menudo necesaria para hacer que tu pista vocal explote. Aquí hay algunos movimientos comunes que hago frecuentemente al procesar las voces:
1. Filtro de paso alto. A veces también llamado filtro de paso bajo, esto elimina todo el ruido de fondo fangoso de tu voz.
Las explosiones de sonidos como Ps y Bs pueden enviar una cantidad exorbitante de aire al micrófono y causar un estruendo de baja frecuencia por debajo de 100 Hz. A veces el ruido de la energía en un edificio puede crear un zumbido alrededor de 50 o 60 Hz.
Puedes solucionar gran parte de este problema cortando el extremo inferior! Intenta un paso alto alrededor de 100-150 Hz.
Por lo general, se puede conseguir un corte ligeramente más alto para las vocalistas femeninas, mientras que no se quiere matar las notas más bajas de un vocalista masculino. Asegúrate de escuchar la nota más baja de tu canción y asegúrate de que no la destripas totalmente.
2. Un gran impulso para el "aire". Una característica común de los micrófonos de alta calidad es un aumento en el rango de 6-10 kHz. Esto añade una agradable "ligereza" a una voz que realmente agarra el oído y añade claridad.
Si tu micrófono no logra esto, o quieres sobre-enfatizar este efecto, considera dar a tu voz un pequeño aumento de curva de campana alrededor de 6 kHz.
3. Corta la "bocina". A veces tu voz puede salir un poco más de lo deseable, en algún lugar en el rango de 2-5 kHz. Este es el área más responsable de lograr la inteligibilidad de la voz humana, pero a veces terminamos con momentos de también mucha inteligibilidad.
Si llevas un bisturí EQ al área de frecuencia ofensiva y tallas esta área con precisión, haces espacio para potenciar toda la voz y ayudar a que se destaque aún más. (Nota: Este es un efecto que tal vez se logre mejor usando un compresor multibanda para aislar el rango de frecuencia, así que si tienes algo así disponible, ¡úsalo!)
PUNTA DE POP VOCAL 2: NIVELAR TU VOZ CON LA COMPRESIÓN
En el ámbito de la producción de música pop y electrónica, no puedo pensar en una sola vez que no haya usado al menos un poco un poco de compresión en cada pista vocal de mis mezclas.
Compresiónincluso en el más acústico de los escenarios, está involucrado en algún grado de procesamiento de la voz en una o varias etapas.
Asumamos por ahora que estás no trabajando con un compresor de hardware entre el micrófono y la interfaz, por lo que probablemente se comprima después de haber grabado. Aquí tienes algunas notas para sacar el máximo provecho de tu compresor.
1. Antes de comprimes, automatizas! La automatización es un aliado muy poco utilizado y a menudo subestimado para hacer que las voces y los instrumentos se destaquen en una producción. Si hay un pico ofensivo obvio en el volumen de tu pista vocal, intenta igualarlo antes de poner un compresor e intenta que haga el trabajo por ti.
Ten en cuenta que si haces esto, puede que quieras "rebotar en el lugar" tu pista automatizada. De lo contrario, el compresor de la fila de canales afectará el volumen antes de la automatización, lo que derrota todo el propósito.
2. Menos es más. La compresión es una buena forma de dar consistencia a tu toma vocal y añadirle un bonito y cálido color. Sin embargo, es muy fácil exagerar con ella, cuando llega el momento.
Puede ser tentador trabajar con los preajustes incorporados de un compresor, pero a menudo estos aplastarán tu voz más de lo que realmente quieres. Dicho esto, sin embargo, los ajustes iniciales de Logic son en realidad un buen punto de partida:
- Una proporción pequeña o mediana, algo así como 2:1 o 3:1
- Un tiempo de ataque rápido (pero no instantáneo), alrededor de 10-15 ms
- Un tiempo de liberación moderado, alrededor de 50-60 ms
Después de eso, se trata de ajustar el umbral hasta lograr la reducción de ganancia deseada. Comienza sutilmente, y trata de mantener las cosas en o por debajo de 6 dB de reducción de la ganancia. Un poco más que eso, y tu pista podría empezar a sonar plana y sin vida.
3. ¡Doblenlo! La compresión paralela es la técnica de enviar su pista vocal a una segunda ubicación (a través de un envío o bus), y comprimir sólo la duplicado señal, normalmente de una manera extrema.
Puedes ganar mucha presencia y "cuerpo" comprimiendo una señal vocal muy fuerte, pero embotará el extremo superior y lo hará sentir sin vida y abiertamente agresivo. En cambio, si comprimes una copia de la señal muy fuerte, y la mezclas sólo un poco, obtienes algo de cuerpo y presencia sin matar tu rendimiento vocal.
Los ajustes del compresor paralelo pueden ser bastante extremos. Manteniendo todo lo demás igual, aumenta la relación a algún punto entre 10:1 y 20:1, y luego baja el umbral hasta lograr la reducción de la ganancia en el rango de 15-20 dB.
Eso es un castigo, pero mezclado con gusto, ¡puede añadir mucho pop a la voz!
PUNTA DE POP VOCAL 3: EL ESPACIO ES EL LUGAR
En estos días, el uso de reverberación en las pistas vocales está en una tendencia un poco descendente en general. Las voces secas son geniales para el sonido íntimo y/o agresivo de las pistas de rap y el rock alternativo, pero puede que no funcionen para producciones pop más grandes o números folclóricos. Aquí tienes una forma confiable de crear un espacio más grande que el de la vida para tu voz.
1. Prepara la escena con los envíos. Prepara dos envíos separados para tu voz. Uno irá a una reverberación mono, estilo placa, que le da a la voz una resonancia general, y ayuda a la voz a sentarse en un espacio con el otro instrumento(s) en la pista. El otro será un verbo de salón grande y ancho para darle a tu voz bravura y gravedad.
2. Aprieta bien. Tu primera reverberación vocal, el verbo de placa, es más musical en función. Se trata de crear un brillo y una coherencia con la banda o la producción que de definir un "espacio" en el que se encuentra la voz.
Algunos buenos ajustes de inicio para una reverberación de láminas son un tiempo de decaimiento de alrededor de 1-2 segundos, con un pre-retraso corto, alrededor de 30-50 ms.
¡Asegúrate de filtrar algo del "barro" de las reverberaciones! No querrás que la señal de reverberación enturbie el sonido de tu voz principal. Un filtro de paso alto en el rango de 200 Hz es un buen lugar para empezar. Sigue con un estante de graves que reduce los bajos por debajo de los 600 Hz más o menos, tanto como sea necesario para limpiar las cosas.
Algunas reverbs, como la UAD EMT 140 de la foto de arriba, tendrán filtros y estantes incorporados para estos propósitos, pero puedes conseguir los mismos resultados con un simple plugin de EQ o dos.
3. Hazlo enorme. Tu voz no fue grabada en un vacío, y probablemente tampoco quieras representarla en un vacío. Una gran manera de hacer que tu voz suene más grande que la vida es crear un espacio más grande que la vida para que resuene en él! Una reverberación de pasillo amplio es un gran espacio para ilustrar esto.
Un buen ajuste para esto es entre 3-8 segundos de tiempo de decaimiento (estamos hablando de un espacio del tamaño del Gran Cañón), pero obviamente dimensiona tu espacio a gusto. Además, asegúrate de darle a la reverberación un poco de pre-retraso, del orden de 60-100 ms. ¡Tu voz no sale de la boca y golpea instantáneamente el otro lado del cañón!
Ya que estos reflejos están mucho más lejos, querrás sacar algo de la señal. De nuevo, muchas reverbs tendrán algunas opciones de estantes disponibles, pero siempre puedes quitar más a través de la EQ, si es necesario.
Sólo recuerda que, como con mucho de este procesamiento, menos es más. Asegúrate siempre de escuchar los efectos espaciales en los auriculares y en los altavoces, para asegurarte de que escuchas realmente el espacio que estás creando, y no sólo el sonido de la habitación en la que estás.
PUNTA DE POP VOCAL 4: DOBLARLO
Cuando se trata de obtener un sonido vocal "completo" y "grande", no hay nada que haga el trabajo como simplemente hacer una segunda toma y mezclarla, también conocido como doblando. En la producción de pop moderno, no es raro que una parte del coro tenga dos, tres, cuatro, cinco o más dobles de la parte vocal principal, sólo para espesar el sonido.
Para un nuevo vocalista, replicar una actuación exacta lo más cerca posible puede parecer desalentador, si no imposible. Sin embargo, algunas de las peculiaridades y complejidades de cada toma individual, apiladas juntas, pueden hacer que una voz principal sea mucho más interesante, y puede suavizar cualquier error o variación individual.
Si estás dispuesto a aceptar el reto (¡y te recomiendo que lo intentes!), aquí tienes algunas sugerencias para configurar los doblajes de manera que tu voz principal se convierta en un sonido más completo.
- El clásico doble. Toma tu liderazgo y cántalo dos veces. Ponga ambas voces en el centro, en mono, o intente ensancharlas apenas un 5-10%, una en cada dirección.
- El triple ancho. Graba tu pista tres veces. Escoge un favorito y ponlo en el medio. Desplaza los otros dos hacia la izquierda y hacia la derecha, respectivamente, y baja esos dobles en la mezcla.
- El susurro triple. Similar al triple ancho, pero la segunda y tercera toma son la actuación principal "susurrada" y mezclada bajo en ambos oídos. Genial para lograr un ASMR efecto, si eso es lo que quieres. Esto también puede ser usado en conjunto con el triple amplio.
- El cuarteto sin ataduras (o quinteto, etc.). Graba cuatro o más pistas, y espaciándolas uniformemente a través del espectro estéreo.
- El coro crujiente. Registra tres o más dobles "sueltos", cada uno con un enfoque tímbrico ligeramente diferente, y mételos todos dentro del 5-10% del centro. Esto es genial para crear un efecto de coro de iglesia.
Estas son sólo algunas de las técnicas con las que he tenido éxito. Trae las armonías en capas al pliegue, y realmente puedes volverte loco apilando un enorme sonido vocal!
Cuidado con las trampas
Si eliges grabar y producir dobles reales, hay algunas trampas que hay que tener en cuenta para conseguir el sonido más ajustado y completo.
1. Cuidado con las consonantes duras. Los sonidos al final de las palabras con mucha fuerza, como Ts y Ks, pueden sonar muy desordenados si no están perfectamente ajustados. Mientras que es posible manipular sólo el final de un sonido para que se alinee perfectamente con la pista principal, a menudo es mejor que sólo la pista se encargue de estos sonidos. Lo mismo ocurre con el frente de los sonidos, incluyendo las respiraciones.
Al grabar los dobles, trata de conseguir consonantes finales más suaves, o edítalos por completo. en su DAW.
2. No tengas miedo de cortar las cosas. Es fácil pensar que simplemente doblar toda la pista es la idea correcta, y eso es todo. Si realmente te gusta el sonido completo que obtienes de tus dos o más leads sólidos, con la voz completa, ¡genial! Pero también considera:
- Pasar alto y/o bajo a su doble(s)
- Poniendo tus dobles a través de una reverberación del 100%, y mezclando a gusto
- Comprimiendo sólo sus dobles, para emular la compresión paralela
- Sólo manteniendo los dobles en las letras o en los momentos de gran importancia
- Elimina todo el ruido extra y el contenido vacío de las formas de onda de audio, cuando el doble no está cantando.
Sea creativo con sus dobles, ¡y sólo tome lo que quiera de ellos!
3. Menos es más. Una vez más, es importante reconocer si estás añadiendo algo a la mezcla porque es importante, o porque simplemente lo piensas debería suena mejor si lo haces. Sé honesto contigo mismo, ¿hay demasiados dobles? ¿Necesitas un doble en absoluto, o es sólo embarrar tu pista?
Por último, si se siente menos cómodo con la recreación de una actuación perfecta de voz principal, aquí tiene algunos consejos y técnicas para aproximarse a un efecto de doblaje de voz principal.
- El efecto del coro. Este tipo de efecto doblará tu pista vocal dentro de un plugin, dándole un ligero cambio de tono y/o modulación a lo largo del tiempo, y también se desajustará muy ligeramente con el tiempo del original y el doblaje. Hay muchas opciones diferentes para un plugin como este, como el plugin Microshift de Soundtoys.
- Abofetéalo. Utiliza un retardo de bofetada para crear un efecto de duplicación rápido y de rápida descomposición. El tiempo de retardo debe ser extremadamente corto, del orden de 10-30 ms (con un pequeño retardo previo para separarlo del plomo), con una baja retroalimentación para evitar un sonido de tipo timbre y modulado.
- Finge. También puedes crear un efecto de tipo plugin de coro manualmente. Sólo copia tu plomo, usa una herramienta de cambio de tono para alterarlo hacia arriba o hacia abajo en unos 5 centavos, y retrasa ligeramente el tiempo del doble. Panea a gusto. ¡Sólo puedes hacer un par de estos, como mucho!
El mundo de la producción vocal es vasto, y las opiniones varían ampliamente entre los productores, los géneros y las generaciones acerca de cómo es una técnica de producción vocal "correcta". La verdad es que cualquier cosa que te suene bien a ti, probablemente le suene bien a alguien más, pero no lo sabrás hasta que lo intentes. Así que experimenta, y haz algo de música!
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Etiquetas: compresión ingeniería con consejos para mezclar producción musical pistas vocales