[Nota del editor: Este artículo fue escrito por Gary Gray. ACTUALIZACIÓN: ¡Lea la segunda parte aquí! ]

La historia (y el misterio) de la maestría de la puesta al desnudo

Las infames "Guerras de la sonoridad" han terminado, en su mayor parte.

Durante más de 30 años, los sellos discográficos, artistas, productores e ingenieros lucharon por crear grabaciones maestras cada vez más fuertes. Parecía que casi todo el mundo perseguía la idea (que resulta ser falsa) de que cuanto más fuerte fuera el master final, mayor sería el número de ventas, descargas y/o transmisiones. (No existe tal correlación).

Es notable lo alto que algunas grabaciones comerciales fueron dominadas durante la última mitad de este período de tiempo. Aunque la calidad de algunas de esas grabaciones está abierta a debate, nadie discute que ciertamente fueron extremadamente ruidosas. A medida que avanzaban los decenios, cada vez más de esas grabaciones más fuertes se acercaban a una eventualidad casi improbable - una forma de onda de archivo de audio de "ladrillo" plano, lo más cercana posible a 0db (la "zona roja" de la distorsión), donde la dinámica (alta y baja) se convertía en lo que algunos consideraban dinámico-menos (sólo en voz alta).

Y justo cuando pensábamos que no podía ponerse más fuerte, varios artistas, productores e ingenieros cruzaron la "zona roja" (por encima de 0db, o en la "zona roja" de recorte y distorsión) a propósito. El sonido de la distorsión previamente "no deseada" se convirtió en parte del sonido de varios géneros. Este enfoque tuvo sus orígenes en los 90 con bandas como Nirvana y Pearl Jam, y culminó en 2008 con el famoso (o infame - dependiendo de con quién hables) álbum Death Magnetic de Metallica.

Cuando se lanzó el álbum, se presentaron peticiones a la discográfica, informada por la revista Rolling Stone, para que se remasterizara el álbum, porque estaba tan comprimido y limitado (para que fuera realmente ruidoso) que se podía oír claramente la distorsión audible. La profunda, rica y contundente parte baja, fue descrita por algunos críticos como "ni siquiera ahí". Algunos críticos y algunos fans denunciaron que este álbum fue mal producido y masterizado. El propio ingeniero de masterización, Ted Jensen, de Sterling Sound, se distanció del álbum después de su lanzamiento, diciendo: "Las mezclas ya estaban limitadas antes de llegar" para la masterización.

¿Cómo le fue a este álbum "mal producido"?

Death Magnetic ganó tres premios Grammy. El productor, Rick Rubin, ganó un Grammy por Productor del Año, No Clásico. El álbum llegó al número uno en muchos países. Las ventas alcanzaron un impresionante estatus de 2X Platino en los EE.UU.

Una vez más, el debate sobre la calidad inherente de estas grabaciones siempre estará abierto. Así como la introducción del amplificador de guitarra eléctrica, especialmente las iteraciones de mediados de los 50, tuvo a la gente debatiendo apasionadamente si este "nuevo sonido de guitarra distorsionada" era musical - o sólo ruido. El sonido de las guitarras distorsionadas, que algunos consideraban no musical, demasiado fuerte y "equivocado" ayudó a formar varios géneros musicales.

Eso fue en 1955.

Varios fans y críticos afirmaron que las grabaciones musicales con "ruido" eléctrico distorsionado nunca se venderían. Y sin embargo, muchas grabaciones con ese "feo ruido" no sólo se vendieron bien, sino que crearon los cimientos de una revolución cultural mundial que fue la envidia de su patria fundadora. Como Bruce Springsteen señaló, fue "Born In The U.S.A." Avanzamos rápidamente al siglo XXI, y se puede argumentar que la historia se está repitiendo una vez más.

¿La introducción de guitarras distorsionadas en los años 50 o la práctica de recortar y distorsionar a propósito los maestros digitales en 2008 causaron, por sí mismos, un aumento de las ventas de discos? No. ¿Hicieron daño a las ventas de discos? No. ¿Cuál es entonces el denominador común de las prácticas de producción musical, y en este caso específicamente los enfoques de masterización, que crean un éxito fenomenal? ¿Se adhiere siempre a las "normas de la industria"? ¿Se arriesga a una retroalimentación de "mala producción" por el bien de la sonoridad? Probablemente ya sabes la respuesta. Pero sólo para confirmar tu sabiduría, sigue leyendo...

Para nosotros, los propietarios de estudios de músicos independientes, cuando tratamos de hacer nuestras grabaciones tan ruidosas como las comerciales, el resultado era a menudo peor que los pobres. La mayoría de nosotros levantó las manos y dijo: "No se puede hacer. No se puede. Me rindo." Y aún así, por amor a la música, seguimos intentándolo.

La buena noticia, como se expuso en la declaración inicial, es que "Las guerras de la sonoridad" ya han terminado, y la necesidad de seguir empujando el umbral de la sonoridad cada vez más alto ya no está entre nosotros. 

Antes de sumergirnos en el aspecto técnico de la sonoridad y el dominio (Post-Loudness Wars), invito a su atención primero, a la moraleja principal de nuestra historia. Se puede resumir en un comentario de una sola frase hecho en 2008, el día en que un típico fanático amante de la música compró el CD Death Magnetic de Metallica, y lo escuchó por primera vez:

"La primera canción del álbum está horriblemente distorsionada, por la quinta no me di cuenta porque la música era muy buena."

A estas alturas, creo que probablemente estás empezando a procesar las ironías aquí. Veámoslas.

¿Cómo puede un álbum que recibió peticiones de remasterización, y del que algunos fans se quejaron de que estaba "horriblemente distorsionado", hacer que el productor gane un Grammy - para Productor del Año?

¿Cómo puede un álbum con defectos de post-producción acordados conseguir unos resultados de ventas tan increíbles y elogios de los mismos críticos y fans que se quejaron de la producción?

¿Y qué hace que los fans, que se quejan de la "horrible distorsión" de la primera canción, sigan escuchando (y amando) el álbum entero, una y otra vez?

Todo se reduce a la MÚSICA. Las canciones. Las actuaciones.

Más precisamente, se reduce al impacto emocional de la música en sí misma, y a la interpretación de esa música en el oyente, alias, La Magia.

En otras palabras, el resultado final no es tanto cómo dominamos, sino QUÉ dominamos. Sí, vamos a entrar en el meollo de los aspectos técnicos de la maestría en esta serie, pero quiero dar la luz más brillante que pueda sobre la importancia de por qué estamos aquí: La música. Y ejecutar esa música lo mejor que podamos.

Hay un propósito que creo que todos compartimos: Meterse bajo la piel y en el alma de los oyentes a través del impacto emocional de nuestra música y el impacto emocional de las grabaciones de esa música.

Un ejemplo brillante del poder que tienen los grandes compositores de canciones y las actuaciones sólidas en la mesa de producción se produjo el 18 de noviembre de 2015. Fue exactamente un mes antes de que el ahora fenómeno de superestrella cantante/compositor Billie Eilish cumpliera 14 años. Ella subió una canción a SoundCloud. Se llamaba Ojos de Océano, y fue producida por su hermano Finneas O'Connell. Ella hizo clic en el botón "ok para descargar" porque ella y su hermano querían que su profesor de baile la descargara de SoundCloud para que su profesor pudiera coreografiar un baile para Billie.

Poco sabían Billie y Finneas, pero esa simple subida, registrada en su humilde y ligeramente desordenada (o no tan ligeramente desordenada) carga de 12 pies por 14 pies, simple estudio casero...se volvió viral. Una cosa llevó a la otra, y finalmente Ojos de Océano terminó ganando el estatus de platino de Billie y Finneas no sólo en los EE.UU., sino también en otros cuatro países - en la fuerza y la magia de la canción y las actuaciones. Añadiendo su delicadeza a la fórmula con una producción única y competente, Finneas supo que sin la magia de una gran canción y unas actuaciones sólidas, la producción por sí sola no llega tan lejos.

Esta es una historia asombrosa que ilustra la cantidad de poder que cada propietario de un estudio casero puede aprovechar potencialmente a través de la magia imparable de una gran canción y sólidas actuaciones, enmarcadas por una competente mezcla y masterización. Y por cierto, cuando escuches algunos de los temas de Billie Eilish'es, escucharás todo tipo de géneros y estilos, y algunos de ellos son menos dinámicos que otros, utilizando el proceso de "sobrecompresión" y/o "sobrelimitación", creando un cierto grado de recorte y distorsión intencional de una manera musical, una manera que sirva al género apropiadamente.

Y el secreto detrás de la mezcla y el dominio competentes no es el engranaje. Es tu oído. Por eso pasé más de 5 años desarrollando revolucionarios ejercicios de entrenamiento auditivo de producción musical que son el núcleo de la Lucrativa Home Studio Online Masterclass. Tengo estudiantes que ahora tienen Spotify streams que suman 10 millones, y sus canciones están siendo licenciadas para ofertas lucrativas. Todo desde humildes estudios caseros. Guiados por orejas de oro.

Así que, con su enfoque principal en la música y las actuaciones, con su oído más afinado, y con una creciente educación en cuanto a la mezcla, ahora puede abordar el tema y la definición de la masterización.

Una definición moderna de la masterización para el productor de Home Studio

La masterización para el productor de Home Studio se puede definir como: La arquitectura del flujo de trabajo y la serie de pasos diseñados para crear una grabación final competitiva.

La definición de una grabación terminada es: No hay vínculos emocionales débiles para el oyente, desde la primera nota hasta el último momento de silencio. Esta definición incluye a la vez la elección del contenido. La canción. Y las actuaciones. No es una definición técnica. No tiene nada que ver con la observación de los medidores. Incluye la declaración "diseñado para crear una grabación competitiva terminada". Dentro de esa afirmación viene el proceso obvio que muestra definitivamente si su pista es competitiva o no: A/B'ing.

A/B'ing es un área que he estado investigando y desarrollando durante más de 20 años. Por ejemplo, he desarrollado una serie revolucionaria de 23 técnicas de A/B'ing que dejarán para siempre cualquier sentimiento de duda o frustración en cuanto a si sus pistas son de calidad de transmisión o están listas para la radio.

Así que con la definición moderna de Masterización para el productor de Home Studio que se conoce ahora, pasemos a las tuercas y pernos de la masterización en sí, y a un enfoque revolucionario y simple que resulta en grabaciones maestras consistentes de alta calidad.

(¡Estén atentos a la segunda parte de esta serie donde Gary habla de la masterización de los estudios caseros y la transición de la Guerra de la Sonoridad a la Batalla de la Normalización desde una perspectiva única y que abre los oídos!)


Gary Gray es miembro votante de la Academia de Grabación Grammy; dos veces ganador del premio Telly, productor, arreglista, mezclador e ingeniero de masterización; autor de The Home Studio Bible, y creador de la clase magistral online El Estudio del Hogar Lucrativo.

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