[Nota del editor: Este artículo fue escrito por Gary Gray y es la segunda entrega de una serie de dos partes sobre lo que los artistas, ingenieros y productores deben tener en cuenta al tratar de asegurar la licencia de sus nuevas canciones. Asegúrate de ponerte al día con la primera parte aquí! ]
Un rápido repaso de la primera parte:
En la primera parte, establecimos las cuatro prioridades, en orden, que si se entienden y se siguen, aumentarán las probabilidades de éxito de las licencias de música. Garantizado.
1. El factor humano
2. 2. Organización (DAW, Papeleo y Redes)
3. Contratos y conocimiento de los contratos
4. La música
La primera parte cubrió la prioridad número uno en detalle: El Factor Humano. Allí aprendimos la regla de oro:
Ahora retomamos desde ese punto y avanzamos, hacia la siguiente prioridad:
2. 2. Organización (DAW, Papeleo y Redes)
Esto es lo que tiendo a escuchar en este punto: "OK, entiendo que el factor humano es la prioridad número uno. Eso tiene sentido. ¿Pero cómo puede la música ser la número cuatro?"
Aquí está mi respuesta: Tener tu DAW, tu papeleo (incluyendo los meta-datos) y las actividades de networking súper organizadas es más importante que tu música por una importante observación que he hecho en los últimos 30 años en la industria de la música.
A la larga, la gente quiere trabajar con ciertas personas, no con cierta música.
Invité a supervisores musicales de mi barrio que también son compositores para grabar y colaborar en proyectos musicales en mi estudio, a cambio de una educación sobre lo que realmente hacen los supervisores musicales. He visto a los supervisores musicales trabajar durante horas, escudriñando cientos de canciones para encontrar la pista correcta para presentarla en una película, un programa de televisión, un anuncio o un videojuego. (Estamos hablando de tratos lucrativos.)
Clic, clic, clic, clic - el supervisor de música, con la mano en el ratón y los auriculares en la cabeza, escuchó unos 5 o 10 segundos de cada canción hasta que una destacó. "¡Gran pista! Hmmm. ¿Quién es este? Déjame ver. . . hmmm. . . Facebook, twitter, Instagram, sitio web. No, recuerdo a esta persona. Tipea en sus correos electrónicos, no es organizado ni profesional. No quiero trabajar con ellos. Siguiente".
Clic, clic, clic, clic - "Esta es una buena pista. Hmmm. ¿Quién es este? Déjame ver. . . hmmm. . . Facebook, twitter, Instagram, sitio web. Recuerdo a esta persona. Grandes correos electrónicos. Conciso, profesional, muy amigable. Muy útil. Tiene enlaces a sus tallos y pistas disponibles para mí desde el principio. Ellos registraron su canción correctamente con la Oficina de Derechos de Autor de los Estados Unidos. Tienen un acuerdo de trabajo por contrato con su cantante. Estoy trabajando con esta persona. Estoy presentando esta canción".
Y entonces aprendí algo que nunca antes me habían enseñado. El supervisor de música me dijo que como esta pista se presentaba para un crédito final en una película importante y la persona que la presentaba ganaría cerca de 20.000 dólares si era aceptada, el departamento legal de la productora probablemente la investigaría en línea.
"No le darán un cheque de 20.000 dólares a alguien en quien no confían, a alguien con banderas rojas".
"¿A qué clase de banderas rojas te refieres?" Yo pregunté.
"Bueno, te lo diré de esta manera. La primera persona que pasé ni siquiera tenía los derechos de autor de la canción. No tienen ningún acuerdo de trabajo por encargo con su cantante. ¿Sabe a cuánta responsabilidad nos expondríamos si no escribieran esta canción? Si una demanda por violación de derechos de autor se lleva a cabo, hay una cadena de personas que son responsables, no sólo el compositor de la canción. Y yo estoy en esa cadena, así que seré muy exigente con el carácter de las personas con las que trabajo. No es sólo que su música tenga que ser buena. Esta es una industria hecha de gente, reputación e integridad. Cuando llegas a los grandes acuerdos de licencia, estás tratando con un nivel completamente diferente, es un juego diferente".
Esto fue fascinante para mí. Y lo más interesante fue que nadie me había hablado de esto ni me había enseñado nada de esto.
La moraleja de la historia: Revisaría sus correos electrónicos con mucho cuidado. Arreglar las erratas. Siempre sea amable. Sea conciso. Organízate hasta el límite. Incluyan enlaces a sus archivos y pistas en sus correos electrónicos. Registra los derechos de autor de tus canciones. Limpia tus publicaciones en las redes sociales si es necesario. Sean profesionales en línea, dondequiera que vayan. Sé la persona con la que la gente quiere trabajar. Es mucho más que tu música.
Hablando de estar organizado hasta el límite, veamos cómo organizar correctamente a tu DAW para obtener la licencia puede marcar una gran diferencia para conseguir -o no- lucrativos acuerdos de licencia.
He probado muchas configuraciones diferentes de flujo de trabajo para crear tallos y señales, y aunque no hay una forma correcta o incorrecta (suponiendo que los tallos y señales finales estén prístinos y totalmente alineados), he encontrado un enfoque que es muy factible, especialmente bajo el estrés y la presión de los plazos.
Organizar su sesión para la licencia de música Cues
En la ilustración gráfica de cómo organizar la sesión para las pistas, primero notará que en la parte superior de la sesión hay algo llamado la pista del marcador. Ahora, cada DAW tiene su propia versión de marcadores y una pista de marcadores. Eso no es lo que yo uso para la licencia. Yo creo el mío propio. Y te diré por qué. La mayoría de los marcadores de la DAW pueden moverse si los golpeas. E incluso si puedes bloquearlos, pueden distraer visualmente y deben ser usados para otros propósitos, como para denotar secciones de una canción; por ejemplo, introducción, 1er verso, 1er coro, etc.
Creo mi pista de marcador abriendo una nueva pista de audio, y luego estableciendo mis localizadores izquierdo y derecho exactamente donde los quiero en mi mezcla de la versión principal (la versión a la izquierda en la ilustración). En Cubase puedes simplemente hacer doble clic en la pista de audio entre los localizadores izquierdo y derecho, y un clip de audio vacío aparecerá, alineado exactamente con mis localizadores izquierdo y derecho. Luego sigo este mismo procedimiento para mis varias pistas (:60, :30, :15 y :07 stinger) a la derecha de mi versión principal (como puede ver en la ilustración).
Una vez que tengo mi pista de marcadores para la versión completa y todas las pistas más pequeñas, CIERRO esa pista de marcadores. Lo que eso hace es esto: Si alguna vez golpeo el marcador, se bloqueará inmediatamente en su posición original.
Lo que esto hace por mí es que cada vez que exporto versiones de mis archivos de pistas, pistas y tallas, cada lote es perfecto, alineado exactamente a la izquierda y a la derecha. Este profesionalismo es definitivamente notorio, especialmente por uno de los jugadores clave en el juego de licencias de música - el editor de música.
Aprendí lo importante que es el papel de editor musical durante mi salida a los estudios de la CBS, viendo al equipo de postproducción trabajar juntos en un episodio del NCIS. Descubrí que el poder que creía que tenía un supervisor musical estaba tanto o más en manos del editor musical.
Una pregunta que me hacen a menudo cuando se trata de crear varias versiones de tu canción es esta:
¿Cuánto tiempo debería durar mi versión completa? ¿Hay una longitud estándar?
Aunque no hay una longitud estándar, la longitud media de una pista completa para la licencia a partir de este escrito es de 2:30. Puede que se le pida una longitud específica de su versión completa, pero si no se le pide, le sugeriría que su versión completa tenga una duración de dos minutos y 30 segundos.
Al configurar los localizadores izquierdo y derecho para tu Marker Track, ten en cuenta que si realizas toda la edición en la mezcla, y ninguna edición durante la etapa de masterización, estarás adecuadamente organizado para ganar mucho dinero a través de los acuerdos de licencia. Si todavía estás haciendo ajustes de fade in y fade out, ajustes de puntos de inicio y final, y cualquier otro tipo de movimientos de edición durante la masterización, te estarás creando problemas potenciales si se te piden entregables como archivos de vástagos y pistas prístinas.
Esto también se cubre en detalle en la clase magistral en línea de The Lucrative Home Studio.
Fíjese en la ilustración anterior que estoy preparado para crear archivos de tallo de MIS CUESTIONES. Esta es una forma en la que he adquirido grandes clientes con grandes presupuestos - Voy más allá en la organización de mi DAW para que pueda crear entregables que hablen del nivel de profesionalismo que estoy buscando lograr. En realidad no conozco a nadie más con quien trabaje que incluya un enlace adicional a los archivos madre de LAS CUESTIONES en sus correos electrónicos cuando compran pistas, junto con los enlaces a las diversas versiones y pistas en sí.
También tenga en cuenta que cuando se le pidan archivos de tallo, estos deben ser archivos de su mezcla, no de su maestro. El propósito de los archivos madre es dar al editor de música elementos para mezclar y masterizar. Entregar las plicas masterizadas sería un fracaso para el trabajo del editor musical, ya que se vería obligado a masterizar un conjunto de archivos masterizados. Esto no sonaría muy bien, y probablemente no verías ningún trabajo de esa compañía en el futuro.
Y finalmente, cuando creas tus pistas, si quieres cerrar tratos lucrativos, cada una de ellas debe ser editada meticulosamente para que tengas una introducción musical, cuerpo y salida de cada pista - incluso el aguijón de siete segundos. ¡Es un arte crear una introducción, un cuerpo y una salida para una pieza musical de siete segundos!
Aquellos productores que junten sus pistas y sólo corten y se desvanezcan en sus pistas, no verán mucho dinero fluyendo de vuelta a su camino.
Mencioné anteriormente que los fabricantes de batidoras y las licencias de batidoras son una categoría separada en sí misma con su propio vocabulario y modelos de negocio. Con los archivos de tallo no es diferente. Para los fabricantes de ritmos, el término "Rastreo" o "Rastreado" significa que se han creado archivos madre. También pueden usar los siguientes términos:
- Trackouts
- WAVs rastreados o archivos rastreados
- Separación de WAV o separación de vías
- Archivos de tallos
- WAVs individuales
- Pistas separadas o WAVs separadas
Tracked-Out para los fabricantes de ritmos suele significar que cada pista ha sido exportada, a diferencia de la definición tradicional de archivos de vástago, que no son pistas individuales, sino pistas de grupo - como todas las voces, todas las guitarras, todas las baterías, etc.
Un fabricante de ritmos "rastreará" un ritmo exportando la patada, la trampa, el sombrero de hola, tom 1, tom 2, bajo 1, bajo 2, voz principal 1, voz principal 2, voz BG 1, voz BG 2, voz BG 3, guitarra 1, guitarra 2, etc. Nota: Los fabricantes de ritmos usan el término "Archivos de tallos", pero para ellos, normalmente se refiere a las pistas individuales y no a las pistas agrupadas.
Cada biblioteca, editorial, supervisor de música, agencia de publicidad y intermediario en la industria de las licencias normalmente tiene su propia hoja de especificaciones que le permite saber exactamente cómo quieren que se entreguen sus archivos y cuáles deben ser exactamente. Mantenga una hoja de cálculo organizada de todas esas hojas de especificaciones y consúltelas a menudo mientras trabaja, para asegurarse de que está creando entregables para cada empresa que será aceptada por primera vez.
Y aquí está el secreto de cómo asegurarse de que sus clientes vuelvan una y otra vez a usarla: Después de exportar tus diferentes versiones y pistas y tallos, crea un nuevo proyecto y sube los archivos que has exportado al nuevo proyecto, como si fueras el cliente del otro lado que recibe tus archivos. Pruebe esos archivos meticulosamente antes de enviarlos. El control de calidad es el camino que conduce al éxito si quieres obtener lucrativos acuerdos de licencia.
Organizar tu papeleo te permitirá tener la mente libre para crear tu música.
Organizar tu red de contactos te ayudará a evitar olvidar por completo un contacto clave que podría ayudarte a crear una gran oportunidad para ti. También puede ayudarte a recordar cumpleaños, aniversarios y detalles sobre un cliente o cliente potencial que pueden marcar una gran diferencia en tus ingresos y en tu éxito en general.
3. Contratos y conocimiento de los contratos
La prioridad número tres si quieres conseguir lucrativos acuerdos de licencia, es "Contratos y conocimiento de contratos" (y sí, esto es más importante que la música [suponiendo que tu música esté bien escrita, grabada y mezclada]).
En cualquier momento puedes plantarte delante de un buen abogado musical y hacer que te explique todos los contratos utilizados en la concesión de licencias musicales, incluidos los contratos de trabajo por encargo y las hojas sueltas, ¡te animo encarecidamente a que lo hagas!
Escriba a editoriales, agencias de publicidad, supervisores de música, bibliotecas y pida una copia de sus contratos. Estudiar todos estos contratos y recibir consejos de un buen abogado le ayudará a educarse bien. Una vez que esté bien educado, las empresas que manejan grandes presupuestos serán más aptas para trabajar con usted que alguien que no ha hecho sus deberes y no ha adquirido los conocimientos que usted tiene ahora.
La gente puede oler y ver la verdadera confianza a una milla de distancia - y quieren trabajar con gente que tenga verdadera confianza - no falsa, confianza fingida.
Contratos de Beat Maker
Otra razón por la que separamos a los fabricantes de ritmos como su propia categoría es que los clientes a los que los fabricantes de ritmos normalmente venden son letristas y cantantes/arreglistas. Esto es diferente de otras formas de licencias de música donde los clientes son compañías, no artistas. La relación del fabricante de ritmos (productor) con los artistas (letristas, cantantes y raperos) forma acuerdos y sigue las leyes de derechos de autor que son muy diferentes de otras formas de concesión de licencias musicales. Estos contratos se refieren a leyes de derechos de autor que entran en la categoría de derivados.
Si haces mucho beat making, te convendría estudiar y entender todo lo que puedas sobre los derechos de autor derivados y cómo se borran las pistas adecuadamente. Conseguir que algo quede limpio significa obtener el permiso del propietario original de los derechos de autor para usar una muestra, canción o composición.
4. La música
En la primera parte de esta serie, se hizo la pregunta:
¿Necesito saber/hacer algo diferente al producir pistas para las oportunidades de licencia?
Y mi respuesta fue:
Sí (y No).
Parece que cuando se trata de reglas sobre la producción de música para licencias, por cada regla que me muestres, te mostraré al menos una excepción. La mayoría de las licencias de música son subjetivas, de hecho, la mayoría de las licencias de música son subjetivas. ¿Quién puede decir cuál de las dos pistas escritas y producidas de forma similar sería mejor para una escena concreta de un programa de televisión, por ejemplo? ¡Es subjetivo! Sabiendo eso, es importante no desanimarse mientras se avanza en el camino de la concesión de licencias musicales.
Aquí hay algunas "reglas" que he escuchado, seguidas de las excepciones que he visto:
Regla: Sigue una cierta forma cuando escribes y arreglas tu pista. Asegúrate de que se acumule y vaya a algún lugar, asegúrate de que entren diferentes elementos y que mantengas la atención del oyente con los cambios en tu música.
Excepción: Alguna vez has visto esos videos de noticieros, donde una cierta noticia o un número de noticias se comunican por escrito, en texto grande en un video, que muestra diapositivas en el fondo. Estos videos duran entre 30 segundos y dos minutos. ¿La banda sonora de la música? El 99% de estos noticieros usan música, que es básicamente un bucle, que no va a ninguna parte, no se construye, no se desarrolla en absoluto. La música se usa para crear un ambiente y mantenerlo ahí para que el oyente no se distraiga mientras lee el texto de la(s) noticia(s).
Regla: Cambia algo en tu música cada cuatro compases o no obtendrás la licencia de tu canción.
Excepción: Cerca de 1.000 canciones que he escuchado en comerciales, televisión, películas y videojuegos no cambian algo cada cuatro barras.
Regla: No intentes licenciar la música en diferentes géneros. Apégate a lo que se te da bien.
Excepción: Unos 20 compositores/compositores principales que conozco que tienen unos ingresos de seis cifras por las licencias, y todos ellos producen canciones en al menos cinco géneros diferentes. La creación de canciones en diferentes géneros abre tu red de contactos de una manera enorme, sin mencionar tus horizontes como artista y tu apreciación como fanático de la música.
Regla: No puedes escribir y grabar una canción para tu álbum y luego tratar de comprarla para obtener la licencia, tienes que seguir ciertas prácticas aceptadas, como no hacer largas intros, sólo producciones de alta producción que suenen ahora, nada anticuado.
Excepción: Dos de mis estudiantes tenían viejas grabaciones de bandas en las que estuvieron hace 20 años. No hay tallas disponibles, no hay archivo de sesión disponible, sólo un master mp3 estéreo del original. Sugerí que trataran de comprar esas pistas, y ambos estudiantes ahora están haciendo un ingreso decente de esas grabaciones "viejas e inútiles"! Resulta que muchas producciones cinematográficas y televisivas buscan grabaciones de sonido auténtico de ciertas épocas y períodos de tiempo, para mejorar la realidad de sus producciones.
Produciendo pistas para solteros/europeos/álbumes vs. bandas sonoras de cine y televisión
A diferencia de la industria de la postproducción de audio para cine y la industria de la postproducción de audio para televisión, las especificaciones codificadas y las normas de la industria para los productores e ingenieros que participan en la postproducción de audio para sencillos, EP y álbumes son prácticamente inexistentes.
Podrías reproducir 100 bandas sonoras creadas para Major Motion Pictures, una banda sonora cada vez, a través de tus medidores LUFS, RMS y VU, con el volumen apagado, y sólo mirar los medidores - y no vas a ver ninguna diferencia salvaje en los niveles de volumen promedio y el rango dinámico de una banda sonora a la siguiente. En los últimos años, lo mismo ha sucedido con las bandas sonoras de televisión.
Si intentas este experimento con 100 singles, EPs o álbumes, y reproduces esos singles, EPs o álbumes, uno a la vez, a través de tus medidores LUFS, RMS y VU, bueno, bienvenido al salvaje, salvaje oeste. Habrá una amplia gama de diferencias en lo que vean y escuchen.
Históricamente, las especificaciones codificadas y las normas de la industria para el volumen medio por episodio de televisión y por anuncio publicitario son una novedad más reciente. Las principales especificaciones de las películas han existido durante muchos años. Una de las razones principales es que el entorno de reproducción (teatros) siempre ha sido muy consistente, de teatro a teatro, y la gente está pagando buen dinero para sentarse en esos asientos. Y si se quedan en esos asientos y se lo cuentan a sus amigos, la industria cinematográfica sobrevivirá.
Así que los estándares de audio de postproducción para las principales películas de cine surgieron orgánicamente de este consistente y desafiante entorno.
Los ejecutivos de las cadenas de televisión recibieron muchas quejas de los espectadores a lo largo de los años, ya que éstos tenían que ajustar constantemente las perillas de volumen de sus televisores entre los programas y durante los anuncios.
Los niveles de volumen estaban por todas partes, con los anuncios infames siendo demasiado altos. La filosofía de las agencias de publicidad, y de sus productores e ingenieros, era seguir al espectador a la cocina, subiendo el volumen durante las pausas de los anuncios, mientras el espectador comía algo.
Estas mismas quejas de volumen muy variable comenzaron a acumularse cuando se crearon los servicios de streaming. La mayor parte del contenido de los servicios de streaming son singles, EPs y álbumes.
Sin embargo, en lugar de imponer normas a los productores e ingenieros de Singles, EPs y Álbumes, como lo había hecho la industria del cine y la televisión, los servicios de streaming hicieron ajustes por sí mismos, y han adoptado un sistema para promediar los niveles de volumen de toda la música que transmiten - a medida que la transmiten. Esto se conoce como Normalización.
Puedes leer todo sobre las consecuencias intencionadas y no intencionadas de la normalización del streaming, así como sobre cómo dominar tu música para los servicios de streaming en una profunda serie de dos partes que he escrito para TuneCore aquí (Parte 1) y aquí (Parte 2).
¿Algo de esto afecta a la forma en que dominará sus pistas para la licencia?
Sí. Si sigues la solución simple y estúpida probada en la serie de dos partes de arriba, no tendrás problemas a la hora de dominar tus pistas para la licencia.
En caso de que quieras saber ahora mismo cómo dominar tus pistas para la licencia, te lo diré.
1. Ve a la parte más ruidosa de tu pista.
2. Haz un bucle mientras observas tu medidor de RMS (sonoridad media), no es necesario usar un medidor de LUFS.
3. 3. Configura la ganancia final del limitador para que tu pista tenga un promedio de entre -10 y -14 RMS (durante la parte más alta de tu pista) - suponiendo que tu MIX suene bien.
El truco es hacer que tu MIX suene bien a tu Oído. Como le digo a mis estudiantes una y otra vez, usa tu EAR, no tu GEAR como prioridad cuando mezcles.
Cuanto más cierres los ojos al mezclar, menos tendrás que retocar y arreglar.
Si consigues que tu mezcla suene bien al oído, dominarla es un proceso indoloro y relativamente rápido. Utilizo un flujo de trabajo muy preciso para obtener mezclas de calidad broadcast y masterizaciones para la licencia cada vez - todo ello basado en una técnica llamada 'Checkerboard A/B'ing', que también es el núcleo de diez revolucionarios ejercicios de entrenamiento auditivo de producción musical que desarrollé para The Lucrative Home Studio Masterclass.
Y todas las acciones técnicas que hacemos mientras mezclamos y dominamos, las hacemos para servir a La Música.
¿Cómo sabe cuándo su pista está hecha y completa y lista para someterse a la licencia?
Dos respuestas:
1. Técnicamente, sabrás que tu pista está hecha si estás A/B con pistas de referencia que han sido licenciadas y/o emitidas con éxito. Compara tu mezcla y master con las referencias y estarás listo para empezar.
2. Artísticamente, sabrás que tu pista está terminada si te adhieres a una definición que desarrollé a lo largo de los años cuando trataba con clientes que nunca podían terminar una pista. Cuando les mostré esta definición, ¡la "enfermedad de la mezcla sin fin" se curó!
Definición de una pista terminada: "No hay vínculos emocionales débiles para el oyente, desde la primera nota, hasta el último momento de silencio."
Y hablando del último momento de silencio, puedes volver a encender tu teléfono y volver a tu estudio.
¡Buena suerte!
Gary Gray es miembro votante de la Academia de Grabación Grammy; dos veces ganador del premio Telly, productor, arreglista, mezclador e ingeniero de masterización; autor de la Biblia del Estudio Hogar, y creador de la clase magistral en línea El Estudio del Hogar Lucrativo.
Etiquetas: daw ingeniería con licencia masterización normalización producción licencias de sincronización