[Nota del editor: Este artículo fue escrito por Sirma Munyar, y es el primero de una serie de tres partes. ¡Estén atentos a las partes dos y tres! ]

Uno de los impactos positivos de esta época surrealista que vivimos es el aumento de artistas y compositores que se sienten atraídos a casa produciendo sus demos y discos. 

Algunos compositores se reunieron en Zoom para co-escribir durante la cuarentena y muchos músicos han empezado recientemente a hacer música en la misma habitación de nuevo.

Pero afrontémoslo, las colaboraciones no son para todos. Traducir tu visión a la realidad puede ser una lucha, especialmente si no puedes dar a tus productores un punto de partida sólido con una demostración aproximada. 

Tanto si estás interesado en aprender todo lo que puedas sobre la producción musical, como si simplemente quieres saber lo suficiente para hacer tus propias demos en casa, las etapas iniciales son las mismas para todos. 

1.) Escoge una estación de trabajo de audio digital (DAW) que te inspire.

No puedo enfatizar esto lo suficiente: si el software con el que trabajas te parece aburrido o desalentador, entonces no es el adecuado para ti. 

Hay que elegir un DAW fácil de usar pero profesional para aprender rápidamente el diseño, así como las técnicas básicas de grabación y edición de audio y MIDI.

El Logic Pro X de Apple es mi recomendación personal para los usuarios de Mac especialmente por esta razón. Puedes probarlo gratis durante 90 días y es una de las opciones más asequibles que puedes tener. Logic viene con prácticas plantillas, todo tipo de instrumentos de software y efectos de audio, así como una amplia biblioteca de bucles que dará un punto de partida a los productores de todos los niveles.

Si buscas una opción gratuita y estás interesado en usar tu iPad en tu proceso creativo, no puedes equivocarte con Garageband

Ableton Live 10, Steinberg Cubase y FL Studio son queridos por muchos productores de dormitorio por razones similares. 

No importa la opción que elijas, recuerda esto: no tienes que convertirte en un ingeniero profesional para grabar tu música. Hay tantos cursos en línea y video tutoriales por ahí y por suerte para nosotros, cada DAW viene con un manual.

2.) Los faders de volumen y los mandos de panorámica son tus mejores amigos.

No te dejes engañar por todos los efectos y sonidos extravagantes: todos los ingenieros de mezclas empiezan sus mezclas simplemente subiendo y bajando el volumen, y los controles de panorámica a la izquierda y a la derecha para conseguir un buen equilibrio. 

Con los faders, puedes aumentar o disminuir el volumen de cada canal y de toda la mezcla. Con las perillas de paneo, puedes colocar cada instrumento y voz en cualquier lugar, desde la izquierda hasta la derecha. 

Familiarizarse con este concepto universal no sólo le ayudará en la etapa de mezcla, sino también en la etapa de grabación. 

Digamos que estás a punto de grabar unas cuantas tomas de armonía vocal de fondo, pero no estás seguro de cómo cantar con la voz principal sin distraerte con ella. Aquí hay un consejo útil: baje el volumen de la voz principal y muévala ligeramente a la izquierda o a la derecha. De esta manera, la parte de la voz de fondo que está a punto de grabar estará separada de la parte de la voz principal lo suficiente para ayudarle a lograr una actuación suave y enfocada.  

3.) Aprende a registrar a un nivel saludable. 

El término "flujo de señales" puede sonar un poco demasiado técnico al principio, pero lo que realmente significa es la relación entre el micrófono, la interfaz de audio y la computadora.

Una vez que conectes todo, deberías probar la calidad de tu grabación y tomar decisiones sobre si quieres subir o bajar la perilla de ganancia de la interfaz. Si la toma de práctica termina siendo demasiado silenciosa y subes el regulador de volumen del canal en tu DAW para compensar, notarás que el ruido mecánico sibilante de tu equipo también se amplifica. Si la señal es demasiado caliente en la etapa de grabación hasta el punto de detectar distorsión en la toma, entonces puede ser una buena idea bajar la ganancia. 

En general, se aconseja mantener el pico de la señal de audio alrededor de -16 dB a -7 dB. Puede ver la pantalla de nivel máximo en el canal en el que está grabando para ver los momentos más fuertes de su actuación y cómo se traduce en su sesión. 

Mientras se ejecuta una sesión de grabación de prueba, asegúrese de que el fader del canal en el que va a grabar esté a 0 dB. ¿No estás seguro de lo que eso significa? Un consejo: cuando abra una sesión vacía, encontrará todos los faders de volumen ajustados a 0 dB por defecto.  

4.) Acepta que la mezcla se supone que es más silenciosa que el maestro. 

Muchos músicos que son nuevos en la producción musical se quejan de lo silencioso que suena todo en su sesión. 

Se supone que tu música no debe estar a un nivel de volumen corriente en la etapa de producción o incluso de mezcla. 

Si estás desesperado por tener más volumen, usa las perillas del monitor o de los auriculares en la interfaz para subirlo. Si no es suficiente, intente insertar un plugin de limitación en el canal principal (o en la salida estéreo) para subir el volumen a través de la perilla de ganancia dentro del limitador sin dañar la mezcla. Absténgase de ajustar los faders de salida master y estéreo: manténgalos a 0 dB en todo momento para evitar problemas de saturación. 

5.) Si va a grabar voces o un instrumento acústico, preste atención a la colocación del micrófono y a la acústica de la sala. 

Trabaja con lo que tienes, pero no te prepares para el fracaso. Puede que te guste cantar en una habitación espaciosa porque los ecos naturales te ayudan a ponerte de humor, pero eso es lo último que quieres en una grabación. 

Escoge una pequeña habitación con algunos muebles, cortinas gruesas, estanterías y una alfombra en su lugar... ¡y aléjate de las ventanas!

Si tu micrófono es un condensador de diafragma grande con un ajuste cardioide, que es el tipo de micrófono más común que se encuentra tanto en configuraciones profesionales como caseras, ¡asegúrate de no cantar en la parte trasera del mismo por error! Un consejo: normalmente, el logo del micrófono se coloca justo en la parte delantera.

Cuando se trata de la colocación de un micrófono, la mejor manera de aprender es experimentar. Si vas a grabar voces con él, asegúrate de usar un filtro de pop, y que dejes un espacio de dos o tres pulgadas de largo entre el filtro de pop y el micrófono, así como entre tú y el filtro de pop. Si cantas justo en el centro del diafragma del micrófono, obtendrás un sonido cálido, pleno y nítido. Si cantas en la parte superior del micrófono, tu voz sonará mucho más delgada en comparación. 

Esta regla se aplica también a los instrumentos acústicos. Tanto si grabas una guitarra acústica como un violín, la posición y el ángulo del micrófono resaltará algunas frecuencias mientras que ocultará otras. Hasta que no grabes unas cuantas tomas con el micrófono colocado de forma diferente cada vez, no podrás saber qué colocación hace que tu instrumento suene mejor. Después de todo, hay muchas variables a considerar: cada habitación, micrófono e instrumento es diferente, así como cada preferencia personal. Por lo tanto, tu objetivo no debería ser hacer todo según las reglas. Debes apuntar a descubrir y lograr la calidad sónica y tonal que buscas. 


SIRMA es un cantante, compositor y productor independiente. Es la creadora de la Producción vocal de Pop Moderno curso de Soundfly y tiene un título del Berklee College of Music.

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