La técnica de teoría musical número 1 para ayudar a mejorar su sonido en vivo

8 de febrero de 2021

[Nota del editor: Este artículo fue escrito por Chelsea G. Ira.]

 

La teoría musical es algo que se asocia con aburridas conferencias llenas de ejemplos anticuados, y un sinfín de ejercicios sin ninguna aplicación práctica. Por esa razón, muchos músicos se la saltan, optando por aprender de oído o resolver las cosas por sí mismos.

Pero aquí está la cosa - la teoría musical está en funcionamiento en todo lo que tocas y escribes, seas consciente de ello o no.

La teoría de la música no es un conjunto de "reglas" que debamos seguir, y definitivamente no es una caja que restringe tu creatividad. La teoría musical es sólo una forma de describir la música y cómo la escuchamos. Una escala mayor es sólo una forma de definir siete notas dispuestas en un cierto patrón de pasos enteros y medios, no significa que sólo tengas que usar esas notas. Aprender las reglas para poder romperlas inteligentemente es lo que siempre decimos.

Una sólida comprensión de la teoría musical también puede abrirte a nuevas formas de expresar los sonidos que escuchas en tu cabeza. Casi como una caja de herramientas de la que puedes sacar para hacer tus ideas tangibles. Y eso va para tu sonido en vivo también. Así que hoy, vamos a repasar una sencilla técnica de teoría musical que puede ayudarte a conseguir un mejor sonido en directo antes de que el técnico de sonido llegue.

El sonido fangoso en vivo

Una actuación en vivo puede ser una experiencia sónica increíble o puede ser un lío fangoso donde todo se mezcla - y todo lo demás. Y el mal sonido en vivo no siempre es culpa del técnico de sonido (aunque muchos músicos se apresuran a señalar con el dedo). De hecho, tu arreglo juega un papel muy importante en la claridad con la que se escucha cada elemento de la mezcla.

Claro que hay mucho que se puede hacer con la tecnología para pulir el sonido, pero para que esas técnicas sean realmente efectivas, es necesario tener una base sólida. En otras palabras, el arreglo y la música deben estar a la par y sonar bien en vivo antes de que el técnico de sonido entre en escena para dar los últimos toques.

Déjame mostrarte lo que quiero decir.

Digamos que estás en una banda de cuatro personas: un baterista, un bajista, un teclista y un guitarrista/cantante. Tal vez el teclista esté tocando por todos lados y chocando con el registro del bajo. Y tal vez el guitarrista está tocando un montón de notas altas y entrando en el registro del vocalista. Si todos se agrupan, las cosas empiezan a mezclarse. No hay espacio, así que se hace difícil para el oído diferenciar cada parte. Y el resultado es un sonido fangoso que puede parecer bastante escaso, especialmente en un escenario en vivo.

Ahora digamos que extendemos las cosas y le damos a la guitarra, al teclado y a las partes vocales su propio espacio sónico separado para pegar. De repente la mezcla se sentirá mucho más abierta y extendida. Así es como bandas de tres personas como Rush se las arreglan para conseguir un gran sonido. No necesitas añadir una tonelada de partes y subir los amplificadores a 11, sólo necesitas espacio sónico en la mezcla.

Liderazgo de la voz e inversiones

Bien, ahora que hemos identificado el gran problema, veamos cómo la conducción de la voz y las inversiones de acordes pueden ayudar a resolver estos problemas.

La conducción de la voz es una forma de arreglar las notas en los acordes para que se muevan lo más suavemente posible a través de los cambios de acordes.

Muchas veces, la voz principal utiliza inversiones de acordes para evitar grandes saltos entre los acordes. Una "inversión" es cuando un acorde se organiza con una nota distinta a la raíz tocada en el bajo.

Así que vamos a ver algunos ejemplos. Es bastante estándar que los guitarristas y teclistas aprendan unas cuantas formas de acordes en posición de raíz y las salten para crear diferentes acordes en una progresión.

Con los acordes de posición de la raíz, una progresión estándar de I-IV-V se vería algo así:

 

Bastante nerviosa, ¿verdad? Puedes ver que necesitas hacer grandes saltos de intervalo para ir de Do Mayor a Fa Mayor y de Sol Mayor a Do Mayor.

Sin embargo, si eliges liderar esa progresión con la voz, puedes mantener todo en un registro mucho más estricto:

Al comenzar con un acorde de Do Mayor en posición de raíz y pasar a un acorde de Fa Mayor de 2ª inversión, sólo tendrías que mover dos notas. Entonces sube todo un paso para llegar al acorde de Sol Mayor de 2ª inversión. Mucho más apretado, ¿verdad? Esto no sólo sonará más suave, sino que también libera mucho espacio sónico en el pentagrama para otras partes del arreglo.

Usando la voz que conduce a crear espacio en sus arreglos

Bien, ¡ahora hablemos de la aplicación! La próxima vez que sientas que estás recibiendo una mezcla fangosa en vivo, echa un vistazo a tu arreglo. ¿Cada parte se queda en su propio espacio sónico? ¿O se superponen y se meten una con la otra?

Si ves muchas superposiciones, intenta usar la voz que lleva para apretar las cosas. En lugar de tocar acordes de potencia en todo el cuello, usa inversiones para mantener la parte de la guitarra confinada a un área específica del cuello. Lo mismo para el teclado. Eso liberará los registros superiores para el cantante, de modo que la voz se disparará fuera de la mezcla, y los registros inferiores para el bajo, para plantar un ritmo sólido.

La teoría musical es un conjunto de herramientas, no de reglas

Es importante recordar que no tienes que usar siempre la voz principal o las inversiones si no encaja con tu visión de una canción. A veces, una progresión de acordes nerviosos puede sonar muy bien cuando una progresión de voz suave parece carecer del impacto que buscas. El principal punto de partida es ser consciente del espacio en tu arreglo y cómo cada parte interactúa en tu mezcla.

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Chelsea G. Ira es la Directora de Marketing de The New Artist Model.

Etiquetas: con sonido en directo fangoso teoría musical