Artist Management Series: Paul Steele

3 augustus 2015

In de finale van onze Artist Management Interview Series hebben we gechat met muziekindustrie dierenarts Paul Steele, oprichter en CEO van Good Time, Inc. Paul werkt al zo'n 15 jaar samen met artiesten in een of andere hoedanigheid, waarbij hij zijn voeten nat maakte op de universiteit. Het management van Drew Holcomb & the Neighbors, Judah and the Lion, Ellie Holcomb en Kris Allen, Good Time Inc. treedt op als een management, label service en marketing bedrijf.

Met ons besprak Paul hoe hij betrokken raakte als rep voor Aware Records, het belang van het handhaven van een 'hobby-mentaliteit' in de muziekindustrie, en waarom een goed mens in het bedrijfsleven een lange weg kan gaan.

Hoe lang zit je al in het artiestenmanagement en hoe is de manier waarop een manager/kunstenaar-relatie begint te veranderen in de afgelopen 5-10 jaar?

Ik doe dit al sinds ongeveer 2000. Ik begon op de universiteit toen ik op TCU in Ft. Worth zat. Ik had mijn eigen bedrijf, en heb dat samen met twee andere bedrijven opgerold, waardoor ik in 2005 Trivate Entertainment heb opgericht. Ik begon Good Time Inc. in 2011.

De relatie is altijd een beetje vloeiend. Het hangt af van waar de kunstenaar zich bevindt in zijn carrière als je met hem of haar begint. Als je met een jongere artiest begint, zijn ze wat ruimer van opzet, dus je helpt castvisioenen, en je doet veel meer voor ze omdat ze nog maar net begonnen zijn. Als je met een meer gevestigde artiest werkt, hebben ze misschien al met andere managers gewerkt; er is dus een andere functieomschrijving. Ja, de relatie is in de loop van de tijd veranderd, maar het is ook echt relatief ten opzichte van waar de kunstenaar zich bevindt in hun carrière.

Management is als een huwelijk. Als je werkt met iemand die een paar managers heeft gehad, dan werk je echt met iemand die een paar echtscheidingen heeft meegemaakt. De beste manager is als de 'chief of staff' van de kunstenaar.

Hoe ben je begonnen als artiestenmanager?

Het was een compleet ongeluk. Als eerstejaarsstudent zat ik in de vooropleiding; een filosofische major met een minor psychologie. In die tijd was Napster net uitgekomen en ik ontdekte een heleboel muziek. MySpace was nog niet eens een verhaal, laat staan een idee. Er waren niet veel manieren om het woord te gebruiken, Napster, Morpheus en KaZaA. Voor mij was de universiteit een geweldige tijd om nieuwe interesses te ontdekken, zoals ik denk dat het voor velen is, en er waren een aantal mensen die muziek maakten in de stad. Ik vond het leuk om dingen te promoten, dus aan de zijkant hielp ik met het samenstellen van een paar shows.

Als kind was ik de muzikale marionet van mijn moeder - ze dacht dat ik Gods geschenk aan de wereld zou zijn en dat was ik niet. Ik was een vreselijke muzikant. Ik hield echt van de manier waarop het voelde om muziek te laten horen en op de een of andere manier begon ik meer shows en bands te promoten. Ik luisterde ook veel naar het radiostation van de universiteit, en ik herinner me nog dat ik de eerste single van de Train, "Meet Virginia", maakte.

Ze waren een kleine no name band uit San Francisco, op een klein label uit Chicago. Ik ontdekte dat door naar de platenwinkel te gaan en Aware Records op de achterkant te zien, en eindigde als een Aware rep voor de voor een paar jaar, (een van de enige in Texas). Binnen die periode van twee jaar tekenden ze John Mayer, Five for Fighting, en gingen ze van een vijfkoppig label uit Evanston, IL naar een krachtpatser met een stroomopwaartse deal met Columbia. Dat is echt waar het om ging, zij (Aware Records' personeel) werden mentoren van mij. Ik leerde veel met Aware, dacht dat ik een ton wist, en elke zes maanden realiseerde ik me dat ik niets wist. Ik bleef maar bandjes vinden om mee te werken. Ik stopte een paar keer met school, ging op tournee, werkte gratis onder een paar managers - ik deed alles wat ik kon doen om in de muziekwereld te werken. College is een get-out-of-jail-free kaart om domme dingen te doen en (meestal) niet te hebben dat ze je leven verpesten.

Wat viel er in die jaren op als de belangrijkste lessen die je als artiestenmanager hebt geleerd?

Waarschijnlijk de grootste afhaalmaaltijd, die aan mij werd doorgegeven door een mentor, die iedereen die je ontmoet in deze industrie met het grootste respect behandelt dat je mogelijk kunt; want je weet nooit of je met hen zou kunnen werken. Zo veel van deze business is geluk, en je weet niet wanneer het geluk iemand gaat treffen. Verneder nooit iemand omdat je je beter of krachtiger voelt dan hij of zij. Je weet echt nooit waar de dingen hen naartoe zullen brengen... of je - je hebt misschien een gunst van hen nodig over een paar jaar!

Ten tweede, een soort van in hetzelfde licht, een persoon zijn. Zoveel van deze business is transactioneel - iemand vragen hoe zijn dag verloopt gaat een lange weg. De klootzakken winnen niet meer zoveel als vroeger. Je zult je aan het eind van de dag beter voelen over jezelf en je kunt meer uit die relatie halen omdat ze je leuk vinden.

Drie is de muziekbusiness is een hobby waar mensen geld aan verdienen door verschillende momenten in hun leven. We proberen geld te verdienen met kunst, en dat ben ik nooit kwijt. De mensen met wie ik werk, ben ik erg dankbaar om met hen te werken, maar dit is een zeer volatiele industrie. Elke keer dat dit iets wordt waar ik niet van geniet, kan ik weggaan. Ik ben blij om betaald te worden en verschillende mensen te betalen voor een hobby. De entertainmentindustrie draagt minder dan 1% bij aan het BBP van heel Amerika. Doe dit omdat je dit graag doet en je gaat je kont eraf werken. Verwacht niet dat dit een normale baan is. De enige manier waarop je het gaat maken is als je alles doet en alles doet wat je kunt.

Wat zijn in jouw ervaringen enkele van de grootste misvattingen over de rol(len) van een artiestenmanager?

Het management is veruit de slechtste baan in de muziekwereld. De reden dat ik dit zeg is omdat het de enige baan is die geen duidelijke lijnen heeft. Als je bij een boekingsbureau tekent, weet je precies wat je krijgt. Ze krijgen je shows, ze krijgen je op tournees, en ze krijgen je op festivals en zachte ticket mogelijkheden. Wanneer je tekent met een label, krijgen ze een plaat betaald, opgenomen en gedistribueerd. Publicisten - je huurt iemand in om je beoordelingen te krijgen, op blogs, (hopelijk op tv-shows) - je weet waar je ze voor inhuurt.

Het management is het aanspreekpunt. En niemand is overal goed in. Er zijn mensen die zich in allerlei dingen specialiseren. We hebben een zeskoppige staf en ze werken maar aan vier artiesten. Het management is waarschijnlijk 75% van waar 11 mensen in totaal aan werken. En we zijn een fatsoenlijk groot managementbedrijf voor ons rooster. Je kunt 10 geweldige dingen doen voor de carrière van een artiest, maar als je niet dat ene ding hebt gekregen wat ze wilden, kun je ontslagen worden. Van managers wordt verwacht dat ze nu helpen met pers, boekingen en labeldiensten. Uiteindelijk hebben we besloten dat als we deze dingen gaan doen, we bedrijven moeten oprichten voor deze dingen. We wilden niet echt een marketingbedrijf worden.

Het is gewoon grappig. Mensen verwachten de wereld, en niemand kan dat doen.

Leg het belang uit van het managen van de verwachtingen van een kunstenaar als het gaat om het behalen van de gewenste resultaten van een bepaald carrièredoel.

We doen het beste wat we kunnen, en de enige manier waarop we dat kunnen doen is door de verwachtingen van de klanten te kennen. Elk half jaar laten we onze artiesten doelen vaststellen. We doen zes maanden, een jaar, en 'dream list' doelen. Met wie wil je op tournee? Wil je op TV komen? Wat voor soort shows? Dit geeft me de kans om te zeggen: "Nou, dat gebeurt niet." Of, "Dat is een goed idee." Niemand zou harder moeten werken dan de artiest. Het is belangrijk om doelen te hebben die elke maand opnieuw kunnen worden bekeken en gecontroleerd.

Veel managers denken dat ze dit geweldige talent hebben gevonden. Ik zie elke dag getalenteerde mensen op weg naar het werk. Als ze niet de juiste werkethiek hebben, kunnen ze er niet mee kappen. Mensen hebben de neiging om te vergeten dat dit een baan is.

Sommige kunstenaars blijven gefocust op het 'zelfstandig' blijven. Welke componenten staan hierbij centraal en wat kunnen managers doen om deze identiteit te behouden?

Ik denk dat het afhangt van de kunstenaar en waar ze in hun carrière zijn. Drew Holcomb en de Neighbors zijn zeer onafhankelijk, maar ze zijn al tien jaar bezig met hun carrière en ze hebben al eerder op labels gestaan. Voor een man als Drew die niet aan de radio gebonden is, zal hij waarschijnlijk onafhankelijk blijven. Zijn vrouw, Ellie, is niche en we hebben radiosucces gehad, maar ze zal waarschijnlijk onafhankelijk blijven.

We willen doen wat de kunstenaar het beste vindt voor wat ze willen bereiken. We hebben kunstenaars die onafhankelijk willen zijn, en we hebben kunstenaars die kunnen profiteren van een label als de instelling correct was. We hebben geen label nodig voor iedereen met wie we werken, maar ik denk niet dat labels slecht zijn. Er zijn een heleboel geweldige labels die er zijn, onafhankelijk en majors - gewoon in verhouding tot wat de behoeften van je artiest zouden kunnen zijn.

Als we naar de radio gaan, hebben we geen Coldplay als hefboom. Er is geen one-size fits all mentaliteit voor elke artiest die er is. Om Drew Holcomb te citeren: "Het is de slechtste tijd ooit om een moord te plegen in de muziekwereld. Het is de beste tijd ooit om de kost te verdienen." Er zijn meer indie-artiesten die hun rekeningen betalen met hun muziek dan er ooit zijn geweest in de geschiedenis, en dat is geweldig.

In het geval dat je in 2015 een labelcontract voor een artiest krijgt aangeboden, welke factoren moet de artiest/het managementteam dan in aanmerking nemen?

Ik denk dat het weer afhangt van wat voor muziek je maakt. De realiteit is dat je de platen waarschijnlijk nooit zult terugverdienen als je een grote deal sluit. Vanuit mijn perspectief wil ik de garantie dat er geld wordt uitgegeven aan promotie.

De term is voor mij ook heel belangrijk. Als de dingen naar het zuiden gaan, wil ik niet dat de artiest vastzit op een label met geen mogelijkheid om nog een plaat te maken. Zolang mijn artiest in een positie verkeert waarin hij of zij gepromoveerd wordt en hij of zij continu kan creëren, is dat voor mij van groot belang.

Genoeg van de A&R jongens waar je mee zou kunnen tekenen, zijn een ander bedrijf tegen de tijd dat een album uitkomt. Als de man/vrouw die je in de deur krijgt het label verlaat, ben je in potentie genaaid. Het is moeilijk om te vertrouwen op de relatie met het label, omdat het een vluchtige relatie is, (minder met onafhankelijke labels). De enige reden waarom ik iemand zou tekenen is als het een groot label is, als ze echt beroemd willen zijn. Het is bijna onmogelijk om als indie alomtegenwoordig te zijn.

Raak je betrokken bij de licentie- en uitgeverskant van je kunstenaarscarrière?

We proberen een niet-auteursrechtelijk eigenaar te zijn. We beschouwen onszelf als een echt servicebedrijf. In plaats daarvan helpen we bij de service, de distributie en de verkoop/promotie van platen, en krijgen dan een beetje meer betaald om die dingen te doen in plaats van ze te bezitten. We worden liever betaald voor onze arbeid en ons werk dan dat we een auteursrechtclaim krijgen. Technisch gezien is dat misschien een slechte zaak, maar ik denk dat het een goede zaak is. Ik werk liever voor iemand voor 20 jaar en heb nooit iets verknoeid dan het auteursrecht - en dat is een hobby-mentaliteit. Ik wil dat kunstenaars winnen, en daarom ben ik in het management gestapt.

Tags: artiestenmanagement drew holcomb met good time inc interview manager nashville paul steele tunecore