Dit artikel is geschreven door Gary Gray. UPDATE: Lees deel twee hier! ]
De geschiedenis (en het mysterie) van het beheersen van Laid Bare
De beruchte "Loudness Wars" zijn nu grotendeels voorbij.
Meer dan 30 jaar lang hebben labels, artiesten, producenten en ingenieurs gestreden om steeds luidere masteropnames te maken. Het leek erop dat bijna iedereen achter het idee aanzat (niet waar, zo blijkt) dat hoe luider de uiteindelijke master, hoe hoger het aantal verkopen, downloads en/of streams. (Een dergelijke correlatie is er niet.)
Het is opmerkelijk hoe luid sommige commerciële opnames in de tweede helft van deze periode werden gemaakt. Hoewel de kwaliteit van sommige van die opnames openstaat voor discussie, is niemand het er niet mee eens dat ze zeker extreem luid waren. Naarmate de decennia verstreken, kwamen meer en meer van die luidere opnames in de buurt van een bijna onwaarschijnlijke eventualiteit - een vlakke "bakstenen" audiobestandsgolfvorm, zo dicht mogelijk bij 0db (de "rode zone" van vervorming), waar de dynamiek (louds en softs) werd wat door sommigen als dynamisch werd beschouwd-minder (alleen louds).
En net toen we dachten dat het niet harder kon, staken een aantal kunstenaars, producenten en ingenieurs expres de "rode zone" (boven 0db, of in de "rode zone" van het knippen en vervormen) over. Het geluid van voorheen "ongewenste" vervorming werd onderdeel van het geluid van verschillende genres. Deze aanpak vond zijn oorsprong in de jaren '90 bij bands als Nirvana en Pearl Jam, en bereikte zijn hoogtepunt in 2008 met het beroemde (of beruchte - afhankelijk van met wie je praat) album Death Magnetic van Metallica.
Toen het album werd uitgebracht, werden er petities ingediend bij het platenlabel, gemeld door Rolling Stone Magazine, om het album opnieuw te laten masteren, omdat het zo gecomprimeerd en beperkt was (om echt luid te zijn) dat er duidelijk hoorbare vervorming te horen was. De diepe, rijke, punchy low end, werd door sommige critici beschreven als "niet eens daar". Sommige critici en sommige fans hekelden dit album als slecht geproduceerd en gemasterd. De mastering engineer zelf, Ted Jensen, van Sterling Sound, nam afstand van het album nadat het was uitgebracht, en zei: "De mixen waren al baksteen-muur beperkt voordat ze aankwamen" voor het masteren.
Hoe heeft dit "slecht geproduceerde" album het gedaan?
Death Magnetic won drie Grammy Awards. De producent, Rick Rubin, won een Grammy voor Producer of The Year, Non-Classical. Het album ging naar nummer 1 in vele landen. De verkoop bereikte een indrukwekkende status van 2X Platinum in de VS.
Ook hier zal het debat over de inherente kwaliteit van deze opnames altijd open zijn. Net zoals de introductie van de elektrische gitaarversterker, vooral in het midden van de jaren '50, mensen gepassioneerd liet debatteren over de vraag of dit "nieuwe vervormde gitaargeluid" muzikaal was - of gewoon ruis. Het geluid van vervormde gitaren, dat door sommigen als niet-muzikaal, te hard en "verkeerd" werd ervaren, hielp verschillende muziekgenres te vormen.
Dat was 1955.
Een aantal fans en critici beweerden dat muzikale opnames met vervormde elektrische "ruis" nooit zouden verkopen. En toch verkochten veel opnames met die "lelijke ruis" niet alleen goed, maar legden ook de basis voor een wereldwijde culturele revolutie die het stichtende vaderland benijdde. Zoals Bruce Springsteen al aangaf, was het "Born In The U.S.A." Snel naar de 21e eeuw, en men kan stellen dat de geschiedenis zich opnieuw herhaalt.
Heeft de introductie van vervormde gitaren in de jaren vijftig of de praktijk van het bewust knippen en vervormen van digitale masters in 2008 op zich al geleid tot een toename van de recordverkopen? Nee. Hebben ze de recordverkopen gekwetst? Nee. Wat is dan de gemene deler van muziekproductiepraktijken, en in dit geval specifiek het beheersen van benaderingen, die fenomenaal succes creëren? Is het altijd voldoen aan "industriestandaarden"? Is het riskeren van "slechte productie" feedback omwille van de luidruchtigheid? U kent het antwoord waarschijnlijk al. Maar om je wijsheid te bevestigen, blijf lezen...
Voor ons 'Indie Musician Home Studio Owners', toen we probeerden onze meesters zo luid als commerciële opnames te maken, was het resultaat vaak slechter dan arm. De meesten van ons gooiden hun handen in de lucht en zeiden: "Dat kan niet". Dat kan niet. Ik geef het op." En toch, voor de liefde van de muziek, bleven we het proberen.
Het goede nieuws, zoals uiteengezet in de openingsverklaring, is dat "The Loudness Wars" zo goed als voorbij is, en de noodzaak om de drempel van luidruchtigheid steeds hoger te duwen is niet meer bij ons.
Voordat we ons in het technische aspect van loudness en mastering (Post-Loudness Wars) storten, vraag ik eerst uw aandacht voor de belangrijkste moraal van ons verhaal. Het kan worden samengevat in een enkelvoudig commentaar dat in 2008 werd gegeven, de dag dat een bepaalde typische muziekliefhebber de Metallica CD Death Magnetic kocht en er voor het eerst naar luisterde:
"Het eerste nummer op het album is vreselijk vervormd, door de vijfde merkte ik het niet op omdat de muziek zo goed was."
Ik denk dat je nu waarschijnlijk begint met het verwerken van de ironieën hier. Laten we ze eens bekijken.
Hoe kan een album dat petities ontving voor re-mastering, en waarover sommige fans klaagden dat het "vreselijk vervormd" was, de producer een Grammy - voor Producer of The Year - opleveren?
Hoe kan een album met overeengekomen gebreken in de postproductie zulke ongelooflijke verkoopresultaten en lofbetuigingen krijgen van de zeer critici en fans die klaagden over de productie?
En wat zorgt ervoor dat de fans, die klagen over de "gruwelijke vervorming" op het eerste nummer, het hele album blijven beluisteren (en liefhebben), keer op keer?
Het komt neer op de MUSIC. De liedjes. De optredens.
Meer bepaald gaat het om de emotionele impact van de muziek zelf, en de uitvoering van die muziek op de luisteraar, a.k.a., The Magic.
Met andere woorden, het gaat er niet zozeer om hoe we het beheersen, maar WAT we beheersen. Ja, we zullen in deze serie ingaan op de zanderige technische aspecten van het beheersen, maar ik wil het helderste licht schijnen over het belang van waarom we hier überhaupt zijn: De muziek. En die muziek zo goed mogelijk uitvoeren.
Er is een doel dat we volgens mij allemaal delen: Om onder de huid en in de ziel van de luisteraars te komen door de emotionele impact van onze muziek en de emotionele impact van de opnames van die muziek.
Een lichtend voorbeeld van de kracht die grote songwriters en solide optredens aan de productietafel brengen, vond plaats op 18 november 2015. Het was precies een maand geleden dat het nu superster-fenomeen Billie Eilish 14 jaar oud werd. Ze heeft een liedje geüpload naar SoundCloud. Het heette Ocean Eyes, en het werd geproduceerd door haar broer Finneas O'Connell. Ze klikte op de "ok to download" knop omdat zij en haar broer wilden dat haar dansleraar het zou downloaden van SoundCloud zodat haar leraar een dans kon choreograferen voor Billie.
Weinig wist Billie en Finneas, maar die eenvoudige upload, opgenomen in hun 12-voet door 14-voet nederig, licht rommelig (of niet zo-licht rommelig), eenvoudige huisstudio...is viraal gegaan. Van het een kwam het ander, en uiteindelijk verdiende Ocean Eyes de status van Billie en Finneas Platinum niet alleen in de VS, maar ook in vier andere landen - op de kracht en de magie van het liedje en de optredens. Door zijn finesse toe te voegen aan de formule met een unieke en bekwame productie, wist Finneas dat zonder de magie van een groot lied en solide optredens, de productie alleen al zo ver gaat.
Dit is een verbazingwekkend verhaal dat illustreert hoeveel kracht elke thuisstudiobezitter kan uitoefenen door de onstuitbare magie van een groots lied en solide optredens, omlijst door bekwame mixen en mastering. En trouwens, als je naar sommige nummers van Billie Eilish's luistert, hoor je allerlei genres en stijlen, en sommige zijn minder dynamisch dan andere, door gebruik te maken van het proces van "overcompressie" en/of "over beperking", waardoor er een bepaalde mate van bedoeld knippen en vervorming ontstaat op een muzikale manier, een manier die het genre op de juiste manier bedient.
En het geheim achter het bekwaam mengen en beheersen is niet de uitrusting. Het is je oor. Daarom ben ik meer dan 5 jaar bezig geweest met het ontwikkelen van revolutionaire muziekproductie oor-trainingsoefeningen die de kern vormen van The Lucrative Home Studio Online Masterclass. Ik heb studenten die nu Spotify streams nummering in de 10's van miljoenen hebben, en hun tracks krijgen een licentie voor lucratieve deals. Allemaal van nederige thuisstudio's. Geleid door gouden oren.
Dus, met je focus vooral op de muziek en de optredens, met je oor wat fijner afgesteld, en met een groeiende educatie met betrekking tot het mixen, kun je nu het onderwerp en de definitie van mastering aanpakken.
Een moderne definitie van mastering voor de Home Studio Producer
Mastering voor de Home Studio Producer kan worden gedefinieerd als: De workflow-architectuur en de reeks stappen die zijn ontworpen om een competitieve afgewerkte opname te maken.
De definitie van een voltooide opname is: Geen emotionele zwakke schakels voor de luisteraar, van de eerste noot tot het laatste moment van stilte. Deze definitie omvat meteen de keuze van de inhoud. Het liedje. En de optredens. Het is geen technische definitie. Het heeft niets te maken met het kijken naar meters. Het bevat wel de verklaring "ontworpen om een competitieve afgewerkte opname te maken." Binnen die verklaring komt het voor de hand liggende proces dat je definitief laat zien of je track competitief is of niet: A/B'ing.
A/B'ing is een gebied dat ik al meer dan 20 jaar onderzoek en ontwikkeling doe. Zo heb ik een revolutionaire serie van 23 A/B'ing technieken ontwikkeld die voor altijd een einde zullen maken aan gevoelens van tweedeklasheid of frustratie over het feit of je tracks al dan niet uitzendkwaliteit of radioklaar zijn.
Dus met de moderne definitie van Mastering voor de Home Studio Producer nu bekend, laten we verder gaan met de moeren en bouten van het masteren zelf, en een revolutionaire en eenvoudige aanpak die resulteert in consistente hoge kwaliteit masteropnames.
(Stay tuned voor deel twee van deze serie waarin Gary de Home Studio Mastering en de overgang van de Luidheidsoorlog naar de Slag om Normalisatie bespreekt vanuit een uniek en oorverdovend perspectief!)
Gary Gray is een stemgerechtigd lid van de Grammy Recording Academy; een tweevoudig Telly Award-Winnende Producer, Arrangeur, Mixing and Mastering Engineer; de auteur van The Home Studio Bible, en de maker van de online masterclass. De Lucratieve Home Studio.